Efectos Secundarios

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: Varios autores
Número de páginas: 120.
Fecha de publicación: Septiembre de 2021.
Editorial: Astiberri.
ISBN: 9788418215933.

TEMA

Efectos secundarios presenta 19 historias ambientadas en los tiempos del Covid de manos de algunos de los autores más relevantes de la industria del cómic actual en nuestro país. Se abordan diferentes perspectivas, estilos y mensajes, desde cómo viven unos padres el traslado de su hija con una enfermedad neurológica al hospital en plena pandemia, a cómo han vivido el confinamiento, o lo duro que ha sido perder a seres queridos.

PUNTOS FUERTES

Lo más atractivo que tienen las antologías de relatos cortos como este es la variedad de estilos y puntos de vista diferentes. Hay historias realizadas con el formato de un cómic con una estructura formal, pero también hay meras ilustraciones o relatos con un estilo más abstracto.

Por otro lado, lo más interesante es ver los puntos de vista de los autores, que han expresado lo que han sentido durante el confinamiento y reflejado puntos de vista personales o testimonios de profesionales de diversos ámbitos, como en el caso de la historia realizada por Carla Berrocal, y que da voz a médicos, trabajadores de la limpieza, o psicólogas, dando su propia visión de la situación vivida.

En conjunto, aporta una visión bastante global de las situaciones más comúnmente vividas durante el comienzo de la pandemia, destacando por encima del resto la carencia afectiva y del contacto físico con los seres queridos. Lo que serían esos «efectos secundarios» que da nombre a esta colección.

Más que algún recurso narrativo o gráfico concreto, destacaría el contraste y diversidad de estilos y de diferentes formas de contar una historia que pone en relieve esta antología.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA

Efectos Secundarios no es una patografía gráfica, porque no aporta detalles concretos de enfermedad, pero sin duda, arroja una interesante luz sobre cómo afecta una situación de pandemia mundial a la población. Es un reflejo de la incertidumbre, el miedo, el dolor y el peso que cobra el aislamiento social en una situación de alarma sanitaria mundial.

Aunque en estos momentos pueda resultar incluso obvio por la proximidad de la situación, sin duda, esta obra va a servir como documento histórico en un futuro, para recordar muchos aspectos que acabarán olvidándose por la población general y por las futuras generaciones.

Además, como añadido, incluye una introducción y un análisis de la situación por parte de la Coordinadora de nuestro grupo de trabajo, Mónica Lalanda, y la obra está promovida por la Fundación Cultura en vena, que acerca el arte y la cultura a entornos sanitarios. El contenido de esta obra, irá itinerando además por diferentes hospitales y comunidades rurales.

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DROGAS

 

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores : Eleri Harris, Andrew Greenstone, Whit Taylor, Matt Lubchansky, Rowan Oats, Yazan Al-Saadi, Omar Al Fil, Rachel Quast, Brian Box Brown, Vincy Lim, Rachel Dukes, Kane Lynch, Issy Manley, Sarah Mirk, Daniel Irizarri, Wang Xulin, Zack Ruskin, Sophie Yanow, Nero Villagallos O’Reilly, Rebecca Roher, Ashley Caswell, Gemma Correll, Joey Alison Sayers, Eric Haven, Ben Passmore, Keith Knight, Mariah-Rose Marie, Kendra Wells, Shannon Wheeler, KC Green.
Traducción: Gema Moraleda
Número de páginas: 112 páginas
Fecha de publicación: febrero 2022
Editorial: Flowpress, colección flow.cut. Edición en castellano del original de The nib.
ISBN: 978-84-122657-7-4
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TEMA
Dibujantes de todo el mundo comparten historias sobre el impacto social y personal de las drogas, incluyendo drogas recreativas y fármacos (litio, testosterona, antidepresivos, hidroxicloroquina, opiáceos, marihuana).

PUNTOS FUERTES
La actual edición de la conocida revista The nib “Drogas”, es un número a todo color que contiene un sinfín de historias publicadas por secciones, contando con múltiples estilos de dibujo de entre los más de 30 autores participantes (caben todos los usos del dibujo posibles: digital, a mano, conceptual, detallado…). La temática de los relatos versa desde historias en primera persona hasta artículos ilustrados de tipo ensayo periodístico, en los que no falta la enumeración de las fuentes bibliográficas originales, sumando fiabilidad y credibilidad al contenido.

La primera sección incluye cómics de corta extensión con temas centrados en farmacología. En una de las historias se explica la presencia de principios activos procedentes de la naturaleza en fármacos de uso común (por ejemplo el caso de la nitroglicerina, útil en el tratamiento de la angina de pecho, presente también en las bombas, o del oro, presente en tratamientos antiinflamatorios de uso en la artritis, apareciendo la metáfora del rey Midas). Otra historia ilustrada por la conocida artista Whit Taylor detalla los orígenes del Litio como tratamiento eutimizante.

La segunda sección incluye respuestas dibujadas en formato de 4 viñetas de distintos autores a la pregunta ¿qué fármaco cambió tu vida? donde encontramos la historia de una paciente con Lupus a quien la Hidroxicloroquina le salvó de los síntomas crónicos, o del conocido Ventolín en la vida de un paciente asmático que debutó en la infancia, siendo Darth Vader su némesis preferida.

No todo son apartados de opinión, ya que se incluyen tres páginas de valioso contenido estadístico relativos a datos de vacunación contra la Covid-19 (tipos de vacunas, distribución por países, ensayos clínicos activos), al consumo de drogas a nivel mundial y al gasto en medicamentos por países.

Por último, la sección de colaboradores presenta historias de mayor extensión, algunas en primera persona y otras de tipo ensayístico. En primera persona encontramos la experiencia de tratamiento hormonal en fecundación in vitro (y lo que supone a nivel familiar, los cambios en el cuerpo y la salud mental de la mujer) y en ensayo un artículo sobre la epidemia de adición a opiáceos en EEUU y la actual sospecha de un nuevo brote secundario la crisis de la covid-19 por el aislamiento social de antiguos consumidores.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
“Drogas” es Medicina Gráfica por incluir historias de pacientes en las que personas que atraviesan procesos similares pueden verse reflejadas. Por ejemplo, la historia de Eleri Harris sobre la FIV puede servir de guía para mujeres que atraviesan un proceso de tratamiento hormonal y para sus parejas. Es una historia que incluye además explicaciones del ciclo hormonal y de cómo la hormonoterapia interviene en el mismo, ayudando a comprender mejor el proceso fisiológico y justificando los efectos a nivel físico y emocional sobre el cuerpo de la mujer. El número también incluye relatos que critican a profesionales sanitarios, como el cómic de Ashley Caswell, una persona no binaria que solicita a su médica de familia iniciar microdosis de testosterona para transicionar hacia un aspecto más masculino, y sale de una consulta de 10 minutos de duración sin una derivación al Endocrino y un diagnóstico de TDAH. Se muestra a la figura de la médica como poco empática (secundario a su desconocimiento del tema) y distante (la dibuja de espaldas en todo el relato). Por último, “Drogas” ofrece artículos ensayísticos con referencias fundadas sobre el mundo de la farmacología y las drogas que pueden servir como punto de partida de debate y reflexión en el mundo académico.

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Madr-eh?


FICHA TÉCNICA

Nombre de la autora: Lyona (Marta Puig)
Número de páginas: 144
Fecha de publicación: Octubre 2021
Editorial: Random Comics
ISBN: 978-84-18040-05-4

TEMA
Novela gráfica autobiográfica de Marta Puig, más conocida como Lyona, donde ilustra su periplo por diferentes clínicas de reproducción asistida y como vive el proceso para quedarse embarazada. Pero una enfermedad como es la endometriosis y la edad no se lo ponen fácil. Una historia llena de emociones, fuerza y un final que podrás descubrir al final de sus páginas.

PUNTOS FUERTES
Está lleno de ilustraciones autobiográficas bicolor, en rosa y negro, al igual que su portada. Ilustra sus vivencias del proceso en las clínicas de reproducción asistida, así como los distintos tratamientos y pruebas diagnósticas, algunas ilustraciones anatómicas que explican de forma sencilla algunos conceptos sobre la concepción de forma esquemática y fácil de entender.

Llama la atención un detalle, que quizás muchos pasen por alto. Los personajes en su mayoría tienen los ojos dibujados, incluso los espermatozoides y los óvulos, pero las ilustraciones que representan a la propia autora, no. Desconocía él porque y la curiosidad me mataba por lo que decidí ponerme en contacto con la propia autora que amablemente me desvelo el secreto, y no es otro que su seña de identidad, ese flequillo que apenas deja ver sus ojos que tanto la identifica.

Esa seña de identidad hace más personal el trabajo plasmado en esta novela gráfica, reflejando así la personalidad de la autora desde la historia hasta los propios personajes, lo que sugiere que el resto de la novela es tan fiel a la realidad como ese flequillo.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Cada vez son más las mujeres que se plantean ser madres en el umbral de los cuarenta, de por sí, suele ser complicado (aunque no imposible), pero si a ello se le suma una enfermedad como es la endometriosis el asunto se complica. Las mujeres con endometriosis tienen problemas para concebir un embarazo de forma natural y en ocasiones la falta de información a tiempo hace que este problema se agrave con la edad. Por ello, es importante que como profesionales de la salud demos toda la información pertinente cuando lleguen a nuestras manos pacientes con esta patología.

Es una novela gráfica útil para personas, tanto mujeres como hombres, que quieran empatizar y comprender algunas de las situaciones a las que se enfrenta nuestra autora que seguramente se asemeje a la vida de otras muchas mujeres de hoy en día. Ya que refleja aspectos importantes, como es la reproducción asistida, la enfermedad, compaginar la vida laboral y personal, la importancia de las emociones y sentimientos en todo el proceso con toques de esperanza para conseguir el “objetivo” fijado. Ser madres.

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El mar recordará nuestros nombres

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Javier de Isusi.
Número de páginas: 96.
Fecha de publicación: Diciembre de 2021.
Editorial: Planeta Cómic. CSIC.
ISBN: 9788411122351.

TEMA
Versión historiada de la primera campaña de vacunación mundial en la que los médicos Xavier Balmis y José Salvany llevaron la vacuna de la viruela por toda Hispanoamérica y Filipinas. La obra cuenta cómo se planificó dicha campaña tras el descubrimiento por Edward Jenner unos años antes de la inocuidad de la exposición de la viruela bovina en humanos y la protección para la enfermedad que generaba.

Acompañamos a Balmis, Salvany y la enfermera Isabel Zendal en la larga travesía con un grupo de 22 niños de entre 3 y 9 años. Al no existir medios de conservación para el exudado de las pústulas que producían los enfermos, llevaron a los niños que actuaban como portadores de la enfermedad.

PUNTOS FUERTES
La obra está planteada como una historia, se ciñe a los hechos acontecidos y los reproduce de manera objetiva, seleccionando inteligentemente las escenas que incluir para contar la historia sin perder el ritmo narrativo. Sin embargo, hace especial hincapié en algunos sucesos que, hoy día, en un momento en el que la gestión socio-económica de una pandemia plantea diversos frentes abiertos y la sociedad se divide entre los que ven dicha pandemia como tal y los que la ven como un invento político-empresarial, toman un cariz especialmente relevante y nos muestra que los mismos problemas se repiten una y otra vez a lo largo de la historia.

Uno de sus puntos más fuertes es la capacidad de mostrarnos un momento concreto de la historia como una historia de aventuras en las que los responsables debían ir esquivando los numerosos obstáculos a los que se enfrentaban, aprovechándose de la inocencia de los niños protagonistas para introducir un elemento emocional que atrapa en la lectura. Consigue mostrar escenas de largas conversaciones políticas, imprescindibles para la historia, de manera que el lector no se vea enterrado en largos monólogos o bocadillos de texto interminable.

A pesar de contar con una narrativa formal que aporte un tono periodístico a la obra, hay lugar para ciertos recursos muy atractivos, como algunas escenas en las que la desesperación de los protagonistas se muestran a través de una pérdida de esa narrativa conservadora y “estática” torciendo viñetas o perdiendo los bordes y extendiéndose hasta el borde, o hacia el final introducir un discurso final que acaba pasando a voz en off, pasando de varias viñetas con el personaje hablando a una doble página del barco surcando los mares, que aporta un momento narrativo muy alto, cargando de épica la escena.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
La obra ilustra un momento fundamental de la Historia de la Medicina. Explica el funcionamiento de las vacunas y muestra la primera campaña de vacunación que se hizo a nivel mundial. Tiene gran interés desde un punto de visto histórico.

Se puede utilizar como complemento en estudios de Historia de la Medicina, Inmunología e incluso Gestión sanitaria. Es un reflejo de que problemas que pueden parecer modernos en tiempos de pandemias mundiales, pero que siempre han sido una seña de identidad del ser humano (rechazo de cierta parte de la población, aprovechamiento político de problemas de salud, o escepticismo y negacionismo de la realidad).

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CRÓNICA DE UNA PANDEMIA (Viñeta a viñeta)

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: Miki y Duarte
Número de páginas: 344
Fecha de publicación: Noviembre 2021
Editorial: SaludArte Ediciones S.L.
ISBN: 978-84-121347-4-2

TEMA
“Crónica de una pandemia (viñeta a viñeta)” es una recopilación de viñetas publicadas en diversos periódicos del Grupo Joly, como el Diario de Jerez o Málaga Hoy, y que también fueron compartidas a través de redes sociales entre febrero de 2020 y septiembre de 2021. Sus creadores son Manuel Luis Gallardo Muñoz (Miki) y José Francisco Duarte Heredia (Duarte), un dúo creativo malagueño cuyo trabajo humorístico gráfico hemos podido disfrutar en medios como la revista satírica “El Jueves” o diversas publicaciones de prensa escrita andaluza. En esta obra, repasan a través de sus viñetas los diversos momentos y sensaciones que la pandemia de la Covid-19 nos ha hecho vivir.

PUNTOS FUERTES
Las viñetas de Miki y Duarte, como la vida misma que pretenden reflejar, están llenas de claroscuros y ese sabor agridulce que el coronavirus ha hecho aún más resaltar. Las risas y las lágrimas se funden para dar lugar a pequeñas muestras, en forma de viñetas, de esta realidad que nos ha tocado vivir y que, todas juntas, dan lugar a un testimonio gráfico que nos hará revivir, recordar y, ojalá, no volver a caer en los mismos errores.
El efectivo y gracioso estilo de sus autores se muestra versátil en estas viñetas, reflejando desde la realidad más cruda y deprimente hasta la más tierna e inspiradora, aunque casi siempre optando por una visión más optimista y/o satírica. Esta dualidad también se verá reflejada al verse mostrada en ellas la sociedad desde diversos ángulos, desde la responsabilidad a la más absoluta irresponsabilidad, desde el miedo y la incertidumbre hasta las familias que sabían ver el sol desde la oscuridad, desde el pueblo llano a las “altas esferas” y figuras políticas. Desconocimiento, miedo, confinamiento, mascarillas, vacunas, PCR, sanidad, política, solidaridad, egoísmo, amor, navidades atípicas, despedidas, hostelería, creatividad, héroes y villanos, negacionismo, bulos, adaptación, superación, caída, aprendizaje… olas y más olas… En definitiva, la pandemia en todas sus caras queda registrada en esta recopilación.
Y si esta “ensalada de sentimientos” nos pudiese resultar poco, el libro la adereza con diversos comentarios, en torno a la pandemia y las viñetas de Miki y Duarte, por parte de diversas y conocidas figuras sanitarias y científicas, periodistas, creativos… que sirven de apertura de “capítulo”, o más bien “mes”, pues esta Crónica repasa las viñetas en orden de publicación y divididas por apartados según el mes en que fueron originalmente publicadas, de este modo es fácil volver a repasar y revivir esos momentos de manera ordenada, haciendo que nuestra mente viaje atrás en el tiempo y recuerde cómo vivimos tan fatídico acontecimiento.
Quizás si algo tuviese que “echarles en cara” es la polarización hacia la forma de mostrar a la juventud y a nuestros mayores, unos casi siempre irresponsables y los segundos siempre tiernos y preocupados… personalmente creo que hay para repartir en ambos «bandos». No obstante, para defensa de los autores diré que, como ellos bien muestran en una de sus viñetas (8 de Julio 2021, “Jóvenes y jóvenes”), es la realidad que nos vendían los medios y sus viñetas también son reflejo de esta sociedad.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Puede que nos pueda resultar temprana la llegada de esta recopilación de viñetas con el coronavirus todavía campando a sus anchas por nuestras calles y con las mascarillas en la cara, que muchos quieran olvidar lo vivido y volver a un tiempo que nunca volverá… pero es innegable el valor de estas viñetas que, con el tiempo, nos permitirán no olvidar para no repetir los mismos errores, para que no nos vuelva a “pillar” desprevenidos. El valor de este libro es el de recoger todo aquello que vivimos y hacerlo nuestro, tener en nuestras manos casi 2 años de nuestra historia en forma de viñetas. Una historia que muchos querrían dejar atrás pero que no podemos permitirnos olvidar.
Aunque quizás no entre en el significado más común de “patografía gráfica” en cuanto a enfermedad individual, sí que podemos considerarlo como una especie de “patografía colectiva”. “Crónica de una pandemia” es el diario de una sociedad enferma saliendo adelante como pudo, improvisando, aprendiendo, errando, acertando…

PREMIOS Y MENCIONES
Autores: Premio Elgar a la mejor viñeta periodística en 2017

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Super Curiosos

FICHA TÉCNICA
Nombre de la autora: Mike Barfield y Jess Bradley.
Traducción: Francesc Reyes Camps
Número de páginas: 48.
Fecha de publicación: Octubre de 2021.
Editorial: Montena.
ISBN: 9788418483349.

TEMA
El libro muestra el día a día de varios órganos o sistemas del cuerpo humano, contando curiosidades sobre su funcionamiento o características. Está dirigido a un público infantil, por lo que tiene un sentido del humor algo escatológico, que siempre funciona con los más pequeños, y tiende a mostrar algunas anécdotas o curiosidades que resultan llamativos a los pequeños.

PUNTOS FUERTES
Son numerosas las aproximaciones a la anatomía y fisiología del cuerpo humano en cómic. En esta misma web tenemos recogidas varias de ellas. Lo que hace diferente a esta obra es el planteamiento que tiene: no hay ninguna historia, son vistazos a diferentes aparatos u órganos y va intercalando información técnica con curiosidades llamativas para los más pequeños.

También plasma información que, siendo menos relevante, suele ser muy efectiva, como llegar al final de una página y decir el número de respiraciones o pulsaciones que ha tenido durante el tiempo que ha tardado en leer dicha página. Eso invita al niño a volver a leer la página contando para ver si ha acertado o no, y convierte la lectura en más interactiva.

La manera en que está estructurado el libro es en un capítulo dedicado a un órgano o aparato, con viñetas independientes aportando datos, aunque para hacer más variada la lectura, de vez en cuando intercala algunos “Diarios de” en los que vemos fragmentos del diario de uno de esos órganos. Básicamente es lo mismo, pero transmitido de una manera distinta, que aporta variedad al libro.

Ya hemos comentado que lo escatológico funciona bastante bien con los niños, suele resultar un tema muy atractivo para ellos, y por eso hay capítulos dedicados a la orina, las heces y los pedos. Mantiene el rigor informativo, pero suelen ser los capítulos más atractivos para los niños, y es otra manera de captar su atención.

El dibujo es sencillo, con órganos antropomórficos que protagonizan cada capítulo, y un estilo pensado para un público infantil, sin recursos llamativos más allá de los “trucos” que ya se han comentado.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Este libro está pensado como información complementaria para el estudio de la anatomía y fisiología del cuerpo humano y dirigido a niños de 6-7 años. Puede ser útil como lectura complementaria durante el estudio de dichos temas y también como lectura independiente en la que los niños aprendan curiosidades sobre el cuerpo humano y adquieran otros conocimientos al mismo tiempo.

El hecho de personificar ciertos órganos y plantear la información de una manera gráfica suele ser un recurso efectivo para la transmisión de una información técnica en niños de corta edad. Al estar planteada dicha información de una manera divertida y con tono amable, la recepción de la lectura hace perder la asociación con un tono más docente, mientras que no pierde el didáctico.

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El terror de las nenas

FICHA TÉCNICA
Autoras: Nivola Uyà Martín, Flavia Gargiulo Rosa, Enriqueta Llorca Sureda, Eva Barceló Marqués, Margalida Vinyes Dominguez, Pere Pau Sancho
Fecha publicación:  Octubre 2019
Editorial: Dos bigotes
Páginas: ‎ 96 páginas
Versión en catalán: EL TERROR DE LOS NENES (Editorial Disset)
 
TEMA
“El terror de las nenas” trata algunos aspectos que se pueden percibir como angustiosos o con temor en la cotidianidad de las mujeres en la época actual.

PUNTOS FUERTES
Margalida Vinyes, Flavia Gargiulo (con Pere Pau Sancho), Enriqueta Llorca, Nívola uyà y Eva Barceló inician un proyecto colectivo con esta obra poco después de comenzar a formar parte de la asociación de profesionales del mundo del cómic Cluster de Cómic y Nous Media creada en el año 2011 en las Illes Balears. Tal como describen, la idea surge desde la relación que mantienen en la asociación, que con el tiempo se plasma en un proyecto común para expresar las percepciones que buena parte del colectivo femenino puede llegar a vivir en espacios cotidianos de su vida. El punto de partida es el análisis en la exigencia social de la mujer. Plasmar y poner en común estas ideas a través de este cómic, es el fruto de varios años de trabajo creado y protagonizado por mujeres, pero que también interesa por igual a hombres.
Al final del libro, hay un anexo llamado “consuelo”, donde cada autora interioriza y describe de forma autoreflexiva el punto de inicio de las historietas realizadas y cómo se vincula con sus propias vidas. Así pues, en cierto modo, se trata de una obra que parte de experiencias, vivencias o reflexiones propias de sus autoras.
La diversidad en la forma como se revela esta obra es gracias a la riqueza en los estilos de cada una de sus autoras expresada en 13 historias. Todas las historias tienen en común la temática del miedo, tabús, angustias o esperanzas en la mujer. El argumento narrativo está descrito desde multitud de vertientes: surrealista, metafórica, realista, de fantasía, humor, o hasta de ficción. Son historias sin continuidad entre ellas, cada una de ellas se desarrolla en seis-ocho páginas. Por ejemplo, podemos encontrarnos con la historia “El agujero” que trata sobre cómo se siente una mujer cuando el médico le comunica que sufrió un aborto. O la historia “Fátima”, que a través de un relato matafórico y surrealista explica la pérdida del referente materno. O la “La carga” cuyo argumento es totalmente mudo, sin texto, en el que se intuyen las causas de una baja autoestima desde la niñez por aconteceres sufridos de violencia machista hacia su madre, y su pareja más adelante. O la historia de “A las mejores vaginas”, que narra sobre los prejuicios o los tabús en relación a la capacidad para expresar aspectos sobre el cuerpo de la mujer, en concreto sobre la vagina. Y muchos otros temas… maternidad, estética, profesión, etc…
El libro no mantiene una homogeneidad en la técnica del dibujo ni en la composición de las viñetas. Cada autora tiene su estilo propio y emplea su paleta de colores, como también de texturas.
En general es una obra profunda, muy rica en capacidad de análisis y al mismo tiempo reflexiva. Para aprovechar toda la amplitud de entendimiento que tiene alguna de las historias, pueden enriquecerse mediante una segunda lectura para profundizar mejor toda la capacidad comunicativa que pretenda cada autora, ya que es habitual encontrar en ellas muchas metáforas visuales, algunas de fácil manejo, y otras más complejas de percibir.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
En la atención sanitaria, se entiende que las intervenciones se deben hacer teniendo en cuenta a la persona y a sus contextos de vida. No se trata una dolencia o una parte del cuerpo (huesos, corazón, herida…) si no a una persona que tiene la capacidad de tomar decisiones en la gestión de su salud y enfermedad. La influencia de los factores culturales y sociales son diferentes en cada persona que atendemos, por lo que es interesante tener conocimientos sobre cómo intervienen en la salud.

En tal caso, este cómic analiza aspectos que contribuyen a la mujer en el momento y la época actual. Estos aspectos se describen como detalles que generan malestar, que provocan incertidumbre y originan estados de temor o angustia. Son aconteceres en mayor o menor medida cotidianos, pero con cierto peso a nivel emocional hacia el género femenino. De hecho, como se describe en el anexo “Consuelo”, descubrimos que parte de cada historia se inicia desde la propia vivencia de la autora.

Muchas veces buscamos encontrar el sesgo de género en los estudios o proyectos de investigación, aquí pues, tenemos una novela que muestra de forma clara particularidades que, en general, no son comunes en el hombre. Por eso, tenemos ante nosotros una obra rica en expresiones y vivencias psicológicas, y potencialmente angustiosas en las mujeres.
Es una novela aprovechable para el análisis y la búsqueda de los factores psicosociales que influyen en las personas a la hora de tratarlas. En cómo se expresan y cómo se manifiestan.

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Miembros asociación Clúster de Còmic i Nous Mèdia de Mallorca

Mi padre alcohólico es un monstruo

 

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: Mariko Kikuchi.
Traducción: Luis Alis
Número de páginas: 144.
Fecha de publicación: Noviembre de 2021.
Editorial: Fandogamia.
ISBN: 9788418419423.

TEMA
Historia autobiográfica de la autora conviviendo, junto a su madre y hermana, con un padre alcohólico. Cuando su madre se quita la vida, incapaz de seguir adelante con una vida infeliz, Mari quedará al frente de una familia en la que su padre llega continuamente a casa en estado de embriaguez y se vea atrapada por la situación. El abuso de alcohol se convierte en un factor de desestructuración familiar y que acabará pasando factura a todos los miembros de la familia, tanto a nivel de grupo como al personal.

PUNTOS FUERTES
Este es un manga de ensayo en el que la historia se plantea como una narración autobiográfica, en la que se seleccionan los momentos que más impacto han tenido en la personalidad de la autora. El problema no es solo que el padre se encuentre ausente y el problema de alcoholismo haya llevado a la madre a quitarse la vida, sino que la responsabilidad excesiva, la normalización de la situación de embriaguez continua del padre y los propios problemas económicos de la familia, llevan a la narradora a una situación de estrés, autonegación de independencia y felicidad y de repetición de patrones a la hora de buscar pareja.

La obra está dibujada con un estilo muy sencillo, sin apenas fondos, con recursos propios del manga de deformación de rostros para mostrar cambios bruscos de carácter o situaciones con alta carga emocional, y utiliza también ciertos recursos gráficos muy llamativos, como la racionalización de la propia contención de la protagonista en forma de una bola de papel que guarda en su interior. Todas esas cosas que le apetecería decir en ciertos momentos las convierte en una bola de papel que tirar a la basura y desechar. Es una manera muy visual de mostrar esa negación de exteriorizar elementos que la consumen por dentro… y que suman y hacen la bola cada vez de mayor tamaño.

Al incluir un período de tiempo muy largo, se percibe la normalización de algunos factores que resultan patológicos en la propia hija, de asumir culpa, descuidar la imagen corporal e incluso asumir y normalizar malos tratos por parte de otras personas, tanto verbales como físicos. Es una obra muy dura que cuenta una vida llena de sufrimiento y de soledad, con un tono, en ningún caso, frívolo.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Esta obra tiene muchísimos puntos diferentes por los que considerarla Medicina Gráfica. El más evidente es la crónica del problema de abuso de sustancias que tiene el padre de la protagonista, mostrando a un hombre incapaz de abandonar la ingesta de alcohol, ni siquiera en situaciones impactantes como la propia autolisis de su mujer.

Pero también trata otros temas como la depresión, los malos tratos, el cáncer de esófago consecuencia del abuso mantenido de alcohol. Incluso podríamos ver un trastorno de personalidad antisocial en la protagonista, incapaz de conseguir relaciones sociales; no tiene ningún amigo al que contar sus problemas y la manera que tiene de interpretar a otras personas es claramente limitada por su propia experiencia.

Mi padre alcohólico es un monstruo tiene una evidente finalidad de autoexpiación por parte de la autora, que necesita exteriorizar sus vivencias, pero puede tener un uso para desmitificar ese cariz festivo que se suele aplicar al alcohol en medios de comunicación y plasmar una realidad de adónde puede llevar un consumo abusivo de la sustancia.

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Tu cuerpo es tuyo

FICHA TÉCNICA
Autora: Lucía Serrano
Número de páginas: 40
Fecha de publicación: 2021
Editorial: NUBEOCHO EDICIONES
ISBN: 9788418599408

TEMA
Tu cuerpo es tuyo, es un álbum ilustrado formativo e informativo que tiene como objetivo principal la prevención de los abusos sexuales infantiles.

PUNTOS FUERTES
Este libro nos introduce en una temática ya explorada desde diferentes puntos de vista en el mundo del cómic, aunque la novedad de este álbum reside en su clara intencionalidad pedagógica a través de los mensajes que se desarrollan a lo largo de todas sus páginas.

Lucía Serrano separa por partes el propósito educativo y emplea un hilo constructivo fácil de seguir y entender para cualquier lector. Los protagonistas de toda la historia son niños y niñas cuya representación está realizada para acompañar a unos textos narrativos y explicativos. También salen de ellos algunos bocadillos de texto, básicamente con la palabra “NO” o “SI”, reforzando los contenidos que se pretenden explorar en la historieta. Siguiendo un orden más o menos lógico, la autora nos acompaña por diferentes finalidades educativas,… Empieza poniendo en valor la diversidad de cuerpos y sus partes, pasando después por la toma de decisiones y saber decir “No”, presenta las partes del cuerpo intimas y la transcendencia de dar o no consentimientos y permisos si fuera necesario según se pueda contextualizar la situación. Llega un momento clave, en que introduce el concepto de abuso sexuales en menores, y lo resuelve de forma muy didáctica, a través de las emociones que pueden experimentar y expresar, los sentimientos que llegan a interiorizarse a corto y medio plazo, y propuestas de resolución ante estos tipos de abusos.

El formato empleado es tipo ilustración, sin cuadros para enlazar el hilo narrativo. La metodología que emplea Lucía es convertir la página entera como cuadro imaginario de la viñeta, empleando dibujos muy libres y dando importancia a la figura humana y las partes del cuerpo. No emplea fondos, solo el color blanco de la página, dando la sensación que la ilustración respira muy bien, permitiendo mucha agilidad en la lectura y la percepción de las expresiones visuales que refuerzan todo el tiempo los deseos formativos del libro.

El lenguaje es muy directo, sin filtros, sin tabús. Va al grano en cada una de las páginas. No hay rodeos ni ninguna parte que sea sin una finalidad educativa en referencia al cuerpo de los niños y las niñas.

En la primara página, la autora agradece a una serie de profesionales que la han ayudado en el asesoramiento de este libro… Romina Gómez, enfermera de pediatría, Gemma Castaño, psicóloga, etc. Otro dato que pone en relieve la importancia de cada uno de los mensajes que se pueden encontrar en este libro.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Muchos datos ofrecidos en estudios recientes afirman el aumento de la incidencia de abusos sexuales en la infancia y adolescencia en todo el mundo. La temática de este cómic es un complemento ideal para actuar en consecuencia, es una herramienta visual e idónea para trabajar junto a familias, infancia y juventud muchos de los aspectos relacionados con la prevención de los abusos sexuales en la infancia y algunas acciones para su detección.

Es muy rico en mensajes sobre sexualidad, y además son claros y directos, evitando confusiones o percepciones subjetivas a ciertos términos o situaciones. Explora el descubrimiento del propio cuerpo por parte de los infantes y cómo responsabilizarse de él, y desde esta misma perspectiva, introduce habilidades personales como la toma de decisiones (saber decir “NO” o “SÍ”), en enseñar y nombrar las partes del cuerpo por su nombre (“la rajita” vs vulva, etc…), en distinguir situaciones indeseables para niños y niñas, dando recursos para evitarlas. Toda esta parte transversal, de respeto al cuerpo del niño o la niña y a los límites que se deberán imponer en la relación con otros, son una herramienta ideal para padres, madres, familiares, docentes o profesionales de la salud que quieran facilitar conductas saludables hacia uno mismo desde la infancia.

El abuso, también se expone de forma resolutiva, lo maneja desde las emociones que puede llegar a sentir (la vergüenza, la tristeza,…) y utiliza el afrontamiento en la búsqueda de personas para expresarlos adecuadamente. Todo ello, desde la perspectiva del infante, por lo que confiere una utilidad formativa adaptada a la edad de niños y niñas.

Es una obra directa, pero amable en su narrativa. Que incide en conceptos complejos, pero mediante mensajes sencillos. Por todo ello, le confiere un material útil y adaptado a cualquier edad y que puede adaptarse a varias finalidades en función de quién lo utilice y para qué. Por ejemplo, podrían utilizarse a las viñetas de las emociones para reflexionar entre grupos escolares. O las viñetas de “decir no” ante situaciones incómodas para analizar entre grupos de padres y madres en la crianza de sus hijos.

RECURSOS DE UTILIDAD:
SavetheChildren
Anar.org

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¿Y a ti qué te ha pasado?

FICHA TÉCNICA
Nombre de la autora: Jenny Jordahl
Traductora: Ana Flecha Marco
Número de páginas: 216
Fecha de publicación: Septiembre 2021
Editorial: Liana Editorial
ISBN: 9/788412309195
Idioma original: Sueco (publicado en 2020)

TEMA
La historia gráfica de una preadolescente con sobrepeso. Janne es una niña feliz y adaptada en su familia y su colegio, aunque come en exceso y está «gordita». Un día, tras el comentario de un adulto, empieza a hacerse consciente de que el peso le hace ser diferente, peor. Sufre episodios de acoso por parte de sus compañeros, que se burlan de ella. Sus padres intentan ayudar proponiéndoles una pequeña cantidad de dinero por cada kilo que pierda. Janne consigue perder los kilos de sobra pero su autoestima no mejora y su relación con la comida se vuelve algo patológica.

PUNTOS FUERTES
Una preciosa historia con final feliz que resulta atractiva de principio a fin. Las ilustraciones son sencillas aunque con mucho detalle, con caras muy expresivas y colores luminosos. El texto es grande, fácilmente legible, sin duda apropiado para jóvenes lectores que sin duda se beneficiarán de esta obra. No hay narrador, todo ocurre a través de sencillas conversaciones en bocadillos.

El tema es muy actual, con los trastornos de la alimentación disparados desde hace años. Vemos a unos padres amorosos intentando hacer lo mejor por su niña pero muy perdidos y ansiosos. La historia del sobrepeso y del esfuerzo para adelgazar se enmarca en la propia historia de la pequeña, su vida familiar y escolar.

Tiene unos usos del lenguaje del cómic fantásticos. Las escenas de más agobio de Janne se producen en grises y negros y aparece una figura enorme, una sombra negra que representa su relación con su propia auto-imagen, su preocupación por ser una persona con enorme sobrepeso, desquerida y despreciada, hasta por ella misma. Incluso cuando pasa a ser una adolescente esbelta y delgada, la figura monstruosa continúa acechándole, con insultos continuos y despiadados.

La autora juega con la cadencia de la historia y los espacios con maestría, incluyendo páginas muy llamativas de una sola figura. Resuelve el adelgazamiento de la protagonista en dos imágenes en las que va andando, cada vez más delgada y el fondo cambia de color y estación. Aporta soluciones visuales muy inteligentes para contar una historia que se alarga en el tiempo (uno o dos años)

La historia no es solo sobre sobrepeso pero también sobre la vida, la autoestima, el esfuerzo, la familia, la amistad, incluso el enamoramiento. Es difícil saber si tiene algo de autobiográfico pero sin duda relata la perspectiva de la niña y de sus padres con gran maestría.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
¿Y a ti qué te ha pasado? es una novela gráfica que encaja a la perfección en lo que venimos llamando Medicina Gráfica. Ataja el tema de la obesidad por una alimentación inadecuada, el sobrepeso, la pérdida de peso pero también las alteraciones psicológicas que todo esto pueden conllevar para un niño y su entorno.

Es una obra de divulgación fantástica que podría convertirse en un recurso educativo de gran valor desde las consultas de medicina y enfermería pediátricas. Además como libro de educación sanitaria de un tema importante a un nivel más amplio, un libro para ser leído en los colegios. No sorprende que haya recibido varios premios en su país de origen.

No solo contiene un mensaje sanitario de gran interés sino que es una delicia de lectura, adecuado para cualquiera interesado en comics. Un comic perfecto para niños y adolescentes jóvenes.

PREMIOS
Brage Prize 2020 al mejor libro infantil y juvenil. (Ganadora)
Premio del Ministerio de Cultura noruego a la mejor novela gráfica infantil (Nominada)
Avid Reader Award 2021/2022 “Bokslukerprisen”. (Nominada)

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Las voces y el laberinto

FICHA TÉCNICA
Nombre de autores: Ricard Ruiz Garzón y Alfredo Borés
Número de páginas: 155
Fecha de publicación: Marzo 2018
Editorial: Sapristi
ISBN: 9788494506383

TEMA
Las voces y el laberinto es la adaptación libre al cómic del libro de Ricard Ruiz Garzón Las voces del laberinto por el guionista e ilustrador Alfredo Borés.

El cómic está dividido en cinco capítulos independientes. Todas tienen en común el relato de la historia de personas que padecen esquizofrenia.

PUNTOS FUERTES
Una de las riquezas de Las voces y el laberinto es que cuenta con la aportación de dos autores diferentes. Las historias no son autobiográficas, como en otras patografías gráficas, pero la combinación de sus vivencias y la creatividad de ambos resultan en una obra original, rica y atractiva.

Hay diversidad de personajes de edades diferentes aunque algunos de los principales aparecen como secundarios en otro capítulo, creando la sensación de que lees una sola historia.

Es un libro de fácil lectura con una narración en primera persona a través de bocadillos de distinto color que los bocadillos de las conversaciones.

El uso del color es magistral. Utiliza colores sólidos y en cada hoja, no aparecen más de cuatro diferentes, dando un aspecto de homogeneidad y calma. Son siempre sobrios y con dibujos detallados. Lo interesante es que aplica el rojo, rosa o naranja a los episodios de distrés emocional o desorganización mental del personaje. La fuerza rompedora de estos rojos sobre tonos más apagados consigue un efecto estresante en el lector, ayudando a entender la situación de pánico del personaje.

Las caras son sorprendentemente expresivas a pesar de que los ojos sean un simple punto y menudo no aparezcan.

Cada página cuenta con un número variable de viñetas, casi siempre con un mínimo de cinco. Los diferentes tamaños de las viñetas forman parte de la historia, le aportan dinamismo, de manera que hacen la lectura más activa. Por ejemplo, los bordes siempre marcados de las viñetas pueden desaparecer o desordenarse y perder paralelismo cuando se describen brotes psicóticos. El autor juega con la mente del lector, que se siente involuntariamente imbuido en la mente desorganizada del personaje. También esas voces en las cabezas de los protagonistas llegan a desvirtuar y desdibujar las imágenes utilizando distintas fuentes y tamaños. Los recursos lingüísticos del cómic en su máxima expresión.

En las descripciones de los brotes psicóticos los protagonistas oyen voces que el lector es capaz de ver, sienten presencias que aparecen como sombras o salen de las pantallas y en uno de los capítulos se materializan como enormes monstruos o serpientes. El lector percibe sensaciones intensas lo cual no deja de ser sorprendente cuando lo que las causan son las percepciones patológicas de los personajes de un cómic. Es una experiencia fascinante.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
El tema de base de toda esta novela gráfica es la esquizofrenia.

Desde el punto de vista del paciente y sobre todo de sus familiares, Las voces y el laberinto aporta esperanza. Varias de las historias tienen lo que podríamos llamar un «final feliz», en el sentido de que la enfermedad queda controlada con una mezcla de la medicación y el estilo de vida. Otra de las aportaciones a los cuidadores es que este libro realza la importancia de la familia como uno de los puntos más poderosos para seguir adelante. Un hermano que cuida y acoge en su casa incluso a pesar de la opinión de su mujer, una madre que acompaña a su hijo en una historia llena de miedos o un padre que mira a los monstruos de su hijo de frente mientras le abraza. Aporta valor al apoyo familiar imprescindible para las personas con esquizofrenia. Deja también claro que no es un papel fácil. Desprende dolor, culpabilidad, miedos y las enormes complicaciones del día a día.

En varios puntos de la historia se deja ver el enorme estigma que rodea a la enfermedad mental, los prejuicios contra las personas que la padecen, la falta de credibilidad que a veces tienen que sufrir por el hecho de padecerla o la fina línea que la sociedad a veces marca para estos trastornos, confundiendo esquizofrenia con estorbo social o tratándolo como una forma de delincuencia. El nivel de frustración casi se toca en alguna de las historias.

La intensidad con la que se «siente» un brote psicótico o el empeoramiento de la esquizofrenia son de gran ayuda para un profesional sanitario. El acercamiento a sentir la angustia, el agobio, el rechazo, el terror del paciente ayudan a comprender mejor esta enfermedad y lo que conlleva el día a día y sin duda a aumentar la empatía. Este cómic te permite ponerte durante un rato en los zapatos de una persona con esquizofrenia; el pavor que ello conlleva solo puede aumentar la compasión en el trato con pacientes que sabes que la sufren.

Aparecen varios médicos y uno obtiene una imagen positiva de su trabajo en estas historias…excepto de uno de ellos que ofrece un gran ejemplo de cómo NO realizar una consulta. No levanta los ojos del papel en todo el intercambio y su juicio de valor está lleno de terribles prejuicios sociales y premoniciones devastadoras. Estas dos hojas valdrían para hacer un seminario de comunicación y manejo de enfermedad mental.

Las voces y el laberinto hacen una estupenda aportación a la medicina gráfica.

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Editorial Sapristi
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O corpo de Cristo

FICHA TÉCNICA
Nombre de la autora: Bea Lema
Número de páginas: 104
Idioma: Galego
Fecha de publicación: 5 de abril de 2018
Editorial: Diputación A Coruña
ISBN: 978-8498123203

TEMA
Vera Lima (alter ego de la propia autora) es una niña que convive con su familia: su madre, Adela, que padece una enfermedad mental; su padre, que trabaja día y noche y parece querer desvincularse del problema; y Alfredo, su hermano y principal blanco de los delirios de su madre. Cuenta la historia y sobre todo los síntomas de su madre, pero desde el punto de vista de una niña de unos ocho años.

PUNTOS FUERTES
La obra es, en palabras de la autora, una realidad ficcionada. Basada en sus propias experiencias pero con el velo del paso del tiempo que a veces difumina los recuerdos, y usando la ficción para tapar las grietas de sus propia memoria.

La obra es descriptiva, no tiene una trama como tal, y cuenta cómo era el día a día de vivir en un casa con una madre enferma y un padre ausente por cuestiones laborales. Su gran punto fuerte es contarlo desde el punto de vista de una niña, lo que hace que el lector se sensibilice más hacia la historia, y nos revela una faceta no tan explorada, sobre cómo viven este tipo de enfermedades los más pequeños de la casa.

El dibujo es muy sencillo, con un trazo a mano alzada y muchas viñetas en las que las caras se representan simplemente con unos ojos y el pelo. La mayor parte de las páginas están dibujadas sin el marco de la viñeta. A pesar de ello, la narrativa no pierde fuerza, y se apoya en algunos recursos visuales como esa tormenta de botellas cuando la hija descubre el alcoholismo de su madre, o esa interesante doble página en donde las páginas conforman un mapa del recorrido por la ciudad de Vera con su madre de un sitio a otro.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Aunque en ningún momento se especifica la enfermedad de la madre, y a pesar de ilustrar algunos informes de los médicos, parece que estamos ante una esquizofrenia paranoide. Adela presenta delirios sobre su hijo (piensa que se droga), rechazo a la enfermedad, y vuelca su frustración en la religión. Además, presenta abuso de alcohol y episodios depresivos donde no sale de la cama y apenas come.

Muy importante cómo se representa el papel del cuidador, que en gran parte de la obra recae en la supuestamente menos indicada para esta tarea. El padre está ausente, y no confía en poder asegurarse de que toma su medicación correctamente y siga sus revisiones. Dicha responsabilidad es aceptada por la niña. A pesar de ser una situación desbordante, la niña lo vive como lo que es, una niña, con sus aficiones y una alegría inquebrantable. Acepta su rol en todo momento sin quejarse.

PREMIOS
XII Premio de Banda Deseñada “Castelao” da Deputación da Coruña. 2018. (Ganadora)

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Editorial Diputación de Coruña
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El almanaque de mi padre

FICHA TÉCNICA
Autor: Jiro Taniguchi
Nº de páginas: 272 págs
Editorial: PLANETA DE AGOSTINI
Año de publicación en España: 2008
ISBN: 9788467465549

TEMA
El almanaque de mi padre es un novela gráfica que desmenuza los recuerdos de la infancia y adolescencia de su protagonista Youchi, tras regresar a su pueblo natal con motivo del funeral de su padre.

PUNTOS FUERTES
Youchi se desentendió de sus orígenes, su pueblo y su familia hace muchos años.  Ahora vuelve a casa tras fallecer su padre, con quien hacía tiempo que había perdido contacto. A través de las conversaciones con su tío, su hermana, madrastra, amigos y vecinos, reconstruye la imagen de su padre y reconoce sus propias equivocaciones respecto a él.

Cuanto más conoce de su padre, más se reconcilia consigo mismo. En este mismo proceso, se abran las heridas emocionales de su niñez y juventud en relación con su familia y en especial con su padre. En cada recuerdo Youchi destapa un nuevo camino de reflexión preguntándose si se equivocó en sus decisiones, dudando si lo que tenía en mente hasta la fecha eran motivos suficientes para distanciarse de su familia.  Entre las alusiones de unos y otros irá reconstruyendo por qué su madre los dejó, por qué su padre los cuidó y por qué le fue complicado confraternizar con su padre como él hubiera querido.

Un relato exquisito de Jiro Taniguchi con una enorme delicadeza narrativa. El lector se sorprende a si mismo simpatizando con la figura del protagonista y sus reflexiones. La trama está reflejada en un ritmo lento, reposado, pausado y midiendo cada expresión y vocablo con destreza y fluidez pero sin ser pesada. El autor consigue seducirnos; aun siendo una lectura lenta, nos engancha en cada escena de forma sutil y natural.

El dibujo se desvincula del estilo manga clásico. Taniguchi tiene un bosquejo realista, limpio, rico y detallista a la hora de dibujar las figuras y los fondos para ambientar cada viñeta, buscando ángulos, perspectivas y proporciones que dan vida a cada personaje, pudiendo recrearnos en cada una de las ilustraciones como pequeñas obras de arte.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Nos encontramos ante una gran novela cuyo foco narrativo es la muerte. Gracias al reencuentro con otras personas cercanas a su padre, el protagonista va recordando muchos momentos de su infancia y adolescencia que vivió como traumáticos.

A través del diálogo entre Youchi y sus familiares y conocidos, se nos dibuja un entorno cuya juventud está marcada por constantes pérdidas y cuyo afrontamiento no es del todo eficiente. Estamos ante un claro relato de duelo disfuncional que el protagonista gestiona de manera ineficaz con estrategias que aumentan su inquietud.

Recordemos que las enfermeras Hainsworth, Burke y Eakes definieron el duelo disfuncional como «la discrepancia continua por una pérdida generalizada y permanente, una pérdida que tiene lugar por las divergencias entre experiencias y situaciones ideales o reales»

Youchi sufre múltiples pérdidas a lo largo de su niñez: su hogar, su madre (que se separa de su padre), el deporte, etc. Todo esto condiciona una mala relación con su padre y el hecho de que posteriormente su toma de decisiones vitales no haya sido siempre equilibrada.

Es medicina gráfica porque facilita la comprensión del duelo disfuncional ante las pérdidas. Este manga nos permite descubrir los dos tipos de gestión en el duelo:

– la gestión ineficaz durante la infancia y la adolescencia del protagonista. Esta es constante durante toda la narración.

– la gestión eficaz mediante la reconstrucción de su pasado a través de diálogos con familiares. Youchi consigue comprender las situaciones vividas por su padre y las decisiones que tomó en cada momento. Durante las largas horas de reflexión que pasa ante el cadáver, se reconcilia con su padre y también consigo mismo. Por fin encuentra la manera de afrontar su duelo, el presente y el pasado.

Para los profesionales sanitarios es también interesante descubrir los ritos y costumbres de la cultura japonesa frente a la muerte. La exposición del cadáver con la caja en el suelo, las reuniones y el papel de la comida durante el largo velatorio son llamativamente distintos que las costumbres europeas. En un mundo multicultural, entender y conocer otras costumbres, es siempre una riqueza.

Hay también una descripción sobre el momento del fallecimiento del padre de Youchi en el hospital que podría despertar un interesante debate sobre lo que es una buena muerte. Es su propia mujer quien lo relata así: «Estaba convencida de que se había dormido. Pero al cabo de un rato pasó el doctor en su ronda y se dio cuenta que su corazón se había parado. No puedo imaginarme mejor muerte que durmiendo plácidamente»

Sin duda una obra muy recomendable y un interesante ejemplo de Medicina Gráfica.

PREMIOS
Premio Ecuménico en el Festival del Cómic de Angulema de 2001. (Ganador)

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Editorial Planeta de Agostini
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Sordo

FICHA TÉCNICA
Nombre de autores: David Muñoz y Rayco Pulido.
Número de páginas: 80.
Fecha de publicación:Re-editado 2018 (1º Edición Sillón Orejero 2008)
Editorial: Astiberri.
ISBN: 978- 8416880843.

TEMA
Sordo nos cuenta la historia de unos republicanos al final de la Guerra Civil Española que intentan detonar un puente. La bomba explota antes de tiempo haciendo saltar por los aires a buena parte del grupo y provocando que nuestro protagonista, Anselmo, pierda el sentido del oído. Lo que cuenta el resto de la historia no es más que el intento de sobrevivir de este hombre, con las dificultades que le presenta su recién adquirida enfermedad.

PUNTOS FUERTES
El guión de la historia en su gran mayoría es mudo. Los autores aprovechan la situación del protagonista, solo y perdido en el campo intentando valerse de sus propios recursos para sobrevivir, para mostrar esa incapacidad de escuchar.

A priori mostrar en una página de cómic algo como la sordera se antoja difícil, pues la lectura de por sí es algo silencioso en el que no podemos apreciar ese matiz. Pero sin embargo utilizan un recurso tan sencillo como eliminar las onomatopeyas y apoyarse en las caras del protagonista, para mostrar esa sensación de impotencia ante la nueva situación.

De hecho, el hambre y la propia enfermedad llevan a Anselmo a vivir situaciones oníricas cuando empieza a perder la cordura, con las que los autores contribuyen a reforzar esa sensación de inquietud y tensión.

El dibujo de Rayco Pulido es un dibujo limpio, con una narrativa sencilla y efectiva, que se apoya mucho en la expresividad de los personajes, otro de los puntos fuertes de la obra, sin duda.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
La obra nos muestra las consecuencias de un barotrauma ótico (blast auricular) por la explosión de la bomba. Se muestra la otorragia (sangrado en el oído) inmediata tras la explosión, lo que hace pensar en una perforación timpánica y posteriormente la hipoacusia de transmisión como secuela de estos casos.

También vemos la ansiedad del personaje ante la nueva situación, el tremendo aislamiento de su medio que le provoca la sordera y cómo el hambre llega a hacerle vivir pesadillas y recuerdos vividos con gran intensidad.

Aunque por motivos obvios, también se muestra en la obra las consecuencias de la malnutrición con el estado caquéctico del protagonista.

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Editorial Astiberri
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¿Podemos hablar de algo más Agradable?

FICHA TÉCNICA
Autor: Roz Chast
Traductor: Rocío de la Maya
Número de páginas: 228
Fecha de publicación: 2015 Edición en Castellano
Editorial: Reservoir Books / Penguin Random House
ISBN: 978-84-16195-29-9

TEMA
La experiencia vital de los últimos años de vida de unos ancianos padres es el tema principal de la obra. Es una reflexión sobre las relaciones familiares y las circunstancias que rodean esta etapa, los cuidados que conlleva el deterioro provocado por el envejecimiento y el afrontamiento de la muerte desde el punto de vista de los hijos y los padres.

PUNTOS FUERTES
Nos encontramos ante un relato autobiográfico donde Roz Chast, historietista y veterana ilustradora del New Yorker, nos relata su experiencia con el cuidado de sus ancianos padres en los últimos años de vida. Un proceso complejo lleno de sentimientos como la preocupación, el afecto, la angustia, el cariño, la culpa, la satisfacción y las inseguridades.  Las viñetas y el texto se combinan para transportarnos al mundo complejo de las relaciones entre padres e hijos. Con flashbacks frecuentes, se nos muestra el pasado que ha forjado la relación actual de Roz con sus ancianos padres. Relación que no siempre ha sido fácil, especialmente con su madre.

El libro está centrado en la figura de sus padres, George y Elizabeth, hijos de inmigrantes rusos de origen judío en Estados Unidos. George fue profesor de idiomas y Elizabeth directora adjunta en una escuela de primaria en New York. Su vida transcurrió tranquila en un humilde apartamento en el Brooklyn profundo gozando de buena salud hasta prácticamente los noventa años. George, un padre de carácter sumiso y Elizabeth, una madre de personalidad arrolladora con frecuentes ataques de genio. Ambos se profesaban gran amor y habían desarrollado una total dependencia mutua. Ellos se definían como codependientes en la creencia de que si se aferraban el uno al otro nada cambiaría.

Los padres de Roz siempre fueron reacios a tratar los temas relacionados con la muerte, un tema tabú en la familia. Con su estilo inconfundible, Roz Chast plasma, con humor y de forma amena y entrañable, las “cuestiones incomodas” relacionadas con el final de la vida, siendo la pregunta que sus progenitores hacían para esquivar hablar de estos temas la que da título a la obra: ¿Podemos hablar de algo más agradable?  A pesar de la negativa a tratar estas cuestiones, los acontecimientos obligarán a George y Elizabeth a ir haciendo concesiones en este terreno.

La novela es un viaje por el deterioro progresivo inherente al envejecimiento. Las primeras señales de alarma como la percepción de la suciedad en el apartamento, los despistes del padre, signos de una creciente demencia senil, y las caídas frecuentes de su madre indican el comienzo de un declive que se intensificará de forma progresiva.  Una diverticulitis provoca el ingreso de Elizabeth en el hospital y Roz, al tener que convivir con su padre durante los días que dura la hospitalización de su madre, se percata de la galopante senilidad de éste. Las paranoias con las libretas del banco ponen al límite la paciencia de Roz que duda de sus dotes de cuidadora. Aunque el matrimonio vuelve a estar junto en su apartamento, las caídas de Elizabeth y el empeoramiento de la demencia del padre, con episodios de agitación frecuentes, hacen que Roz tenga que buscar ayuda para su cuidado. No si vencer antes la negativa inicial de ambos a recibir ayuda externa y meter a “alguien extraño” en casa.

Los acontecimientos de desbocan, George se pierde al salir a buscar ayuda tras una caída de su esposa. Todo se desmorona… ha llegado el momento de tomar una decisión, abandonar el apartamento donde ha transcurrido toda su vida para ingresar en una residencia de ancianos.

La gestión logística y económica, la desgarradora experiencia de revisar las posesiones de sus padres recae sobre Roz, hija única. Vaciar la casa de tus padres llena de recuerdos es un acto doloroso y sumamente chocante comenta la autora, insertando en el relato fotos de la casa de sus padres tal como la dejaron tras marchar a la residencia, otorgando un baño de descarnada realidad al relato. Libros, máquinas de afeitar, el piano, gafas, bolsos, cajones repletos de cosas, los viejos muebles, más libros… toda una vida.

Ya en la residencia, una caída provoca la fractura de cadera de su padre, con el encamamiento posterior, las escaras, el hallazgo de una masa en el pulmón y la decisión de colocar una pulsera en la muñeca con la orden de “no reanimación”. La muerte del padre obliga a su madre a tener que afrontar la soledad y el duelo tras la pérdida de su esposo.

La parte final de la novela es, a mi entender, la más intensa en lo referente a las reflexiones personales, el relato del final de la vida y el proceso de la muerte. La agonía final de su madre con el deterioro progresivo tanto mental como físico convierten a Elizabeth en una gran dependiente a los 97 años. El final del relato presenta los sentimientos encontrados a los que se enfrenta el familiar cuidador en estas situaciones: la sensación de culpa por no ocuparse directamente de su madre, pero el alivio de saber que está bien cuidada y poder seguir con su vida, los intentos de reconciliación viendo que el final se acerca, los celos hacia la cuidadora al pensar que tu madre “se lleva mejor con ella, una extraña, que conmigo”,  los problemas económicos por los gastos derivados de los cuidados continuos y llegar a desear que “se marche”, que deje de luchar por una vida que se ha convertido en dormir y despertar para tomar un batido de suplementos proteicos, los cuidados paliativos, las úlceras, las fístulas y el desenlace final.

El estilo de la autora es totalmente reconocible, de línea sutil y coloreado con tonos suaves, utilizando el texto, dentro y fuera de las viñetas, y los grafismos que apoyan a la narración, subrayando o agrandando las letras para llamar la atención sobre una reflexión o enfatizar una afirmación. Por estos y otros motivos, la novela fue finalista en 2014 del National Book Award y elegida mejor novela gráfica de 2014 por Amazon y Goodreads.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Chast nos sumerge en el mundo de los cuidados geriátricos y paliativos que requiere el soporte a los ancianos en la etapa final de la vida.

El relato presenta el proceso del envejecimiento, la decadencia física y mental que van experimentado unos ancianos padres con el paso de los años y cómo el deterioro se acelera en la última fase de la vida, apareciendo las patologías más frecuentes en esta etapa como la demencia senil, las fracturas de cadera, las úlceras por decúbito o la exacerbación de las patologías crónicas, generando una situación progresiva de dependencia que obliga al familiar cuidador a buscar ayudas para garantizar los cuidados básicos.

El esfuerzo personal y económico que esta situación genera, la sensación de desbordamiento o el sentimiento de culpa tras perder la paciencia en algunos momentos de estrés, son reacciones que la autora refleja en esta novela gráfica. Muchos lectores que hayan pasado por este trance, se sentirán muy identificados con alguno de los pasajes de esta novela.

Cómo Afrontar la muerte, en especial la de nuestros progenitores, es una de las cuestiones que se nos plantea. En alguno de los pasajes de la novela se hace referencia a las etapas del proceso de morir y el duelo propuestas por la psiquiatra Elisabeth Kübler-Ross. Haciendo referencia a la lucha de su madre con la muerte y la necesidad de “dejarse ir” (aceptación).

En esta novela gráfica aparecen varias situaciones en las que los profesionales sanitarios se muestran como personas de poca empatía o con pobres habilidades de comunicación. Su lectura es estupenda para general autocrítica.

En el mundo contemporáneo occidental parece que hemos decidido desterrar de nuestras conversaciones y pensamientos los temas relacionados con el final de la vida. Roz Chast en su novela nos invita a reflexionar y replantear la vivencia de esos años que vendrán.

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La muerte del capitán Marvel

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Jim Starlin
Número de páginas 72
Fecha de publicación: 1984 (1ª edición en España), 2018 última edición
Editorial: Comics Forum (Planeta deAgostini) 1984;  Panini Comics 2018
ISBN:9788491674085

SINOPSIS
Esta no es otra historia de héroes y villanos. Esta no es otra historia de batallas épicas, más grandes que la vida. O quizás si. Es la historia de un héroe con cáncer. Cáncer. Esa palabra que a muchos les hace temblar de miedo, en otros genera pena, rabia, tristeza… pero que a nadie deja indiferente. Y ahora, el Capitán Marvel debe decidir cómo vive el resto de su vida una vez detectado un cáncer incurable en su organismo. Amigos, aliados, némesis, todos tendrán su opinión y actuarán al respecto.

PUNTOS FUERTES DE LA OBRA
Ahora que el nombre Capitán Marvel está tan de moda, es un buen momento para reseñar esta obra, la primera novela gráfica publicada como tal por la editorial Marvel, y que ya desde la portada nos entrega un mensaje distinto a lo que habitualmente se ve en un “cómic”: por un lado, la Muerte sosteniendo el cuerpo inerte de Mar-vell, lo que ya nos da una idea de que esta historia no acaba como las “típicas”, con la victoria del héroe, sino con el final del protagonista. Por otro lado, la representación de esta escena hace alusión a la “Piedad” de Miguel Ángel, lo que la hace aún más atípica para el medio.

Esta es una historia no de batallas ni de heroicidades, sino el relato de los últimos días de un héroe, pero que se puede asimilar a cualquiera de nosotros. Son particularmente llamativos los diálogos de Mar-vell con sus amigos, como el diálogo de éste con Rick Jones que le recrimina su “pasividad” ante el diagnóstico. Aparecen sentimientos como la frustración, la pena y la rabia ante un diagnóstico como este. Tambien es interesante el diálogo mudo entre Mar-vell y Elysius, donde no hay palabras pero el lenguaje corporal lo dice todo.

No es este el único silencio que dice mucho en la obra, la imagen de Mar-vell en su lecho, rodeado por familiares y amigos, o la última escena, son muy potentes y por cierto que hacen reflexionar al respecto. De hecho, la escena de Mar-vell en su lecho parece estar extraído directamente del ArsMoriendi, ese tratado medieval donde se describe el ritual del “buen morir”.

Por último merece mención el enfrentamiento entre Thanos y Mar-vell que ocurre en un plano «espiritual» en que Mar-vell tiene un último arrebato contra su enfermedad. El protagonista acaba aceptando, guiado por un Thanos que actúa no de némesis sino de cicerone respecto a esa muerte que tan bien conoce. Especialmente llamativa es la escena donde Mar-vell se abraza a la muerte y toma su mano para dirigirse “hacia la luz”, una analogía judeocristiana que se refuerza con el comentario de Thanos (“La Muerte nos enseñará que esto no es el final, sólo el principio”).

Todo esto mientras vemos literalmente como su corazón late cada vez mas lentamente, y en el mundo “real” el monitor muestra una línea plana, y uno de los amigos de Mar-vell tapa su cuerpo mientras musita “se ha ido». Sin duda, un final extremadamente radical para un comic de superhéroes.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Esta obra es otro ejemplo de que los cómics son mucho más que entretenimiento para niños. Hablar de cáncer a través de  superhéroes, que puede servir para atraer a lectores legos en la materia, usando además un enfoque muy “humano”, con reacciones con las que podríamos identificarnos fácilmente.

Pone también sobre el tapete el tema de la muerte, intentando llegar a lo que sería un “buen morir”. Esto podría facilitar conversaciones sobre la muerte, un tema que tanto nos cuesta tratar. Es interesante cómo hace  analogías con el “más allá” y que «la muerte no es el final», sino solo el principio, una idea con la que muchos lectores pueden estar de acuerdo.

Esta obra es una excelente reflexión sobre el cáncer, nuestras reacciones frente al mismo y sobre la muerte. Demuestra una manera de enfrentarse al final, viviendo de forma positiva y sin desesperación nuestros últimos días entre los vivos.

Un cómic irrepetible que no debiera faltar en discusiones sobre la muerte.

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Cuéntalo

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: Laurie Halse Anderson y Emily Carroll..
Número de páginas: 388.
Fecha de publicación: 25 de octubre de 2018.
Editorial: La Cúpula Ediciones
ISBN: 978-8417442163

TEMA
Melinda es una chica de trece años que pasa al Insituto. Allí debe empezar de cero, no conoce a nadie y tiene que hacer nuevos amigos. Pero arrastra consigo un secreto que la consume por dentro: Un chico mayor, en una fiesta, la agredió sexualmente. Ni su mejor amiga, que ahora le da de lado por intentar entrar en el grupo de chicas populares; ni sus padres, absortos por sus propios asuntos; ni unos nuevos compañeros que la miran mal porque en la fiesta donde sufrió el abuso llamó a la policía, y todos piensan que intentaba boicotearla.

PUNTOS FUERTES
Una obra contada desde el punto de vista de la chica, con un tono directo y duro. Utiliza mucho el simbolismo, en todos los sentidos, tanto literario, con muchas frases donde representa cómo se siente la joven («Solo necesito tiempo para que cicatrice mi nueva piel».«Arrastro las hojas de mi garganta».) como visual, con numerosas escenas en las que vamos a ver cómo la protagonista intentar literalmente borrase la cara al lavársela; o cómo ella y su depredador se convierten en un conejo y un zorro; o cómo sus padres se convierten en volcanes en erupción mientras discuten. Otro recurso, a tenor de sus clases de arte, será la identificación con el cubismo en cuanto a la sensación de despersonalización que vive Melinda.

Pero no solo con las metáforas impacta el dibujo de Emily Carroll, sino también a la hora de representar sensaciones de pánico o esa durísima secuencia de la violación, que comienza narrada como un relato de amor, con las ondas del pelo de la chica como marco de viñetas, rostros amables y dulces, y cómo se van pasando a viñetas de bordes angulados, masas de negro o manchas de tinta, y rostros que se desdibujan consiguiendo, sin necesidad de ser explícito, una secuencia realmente aterradora.

La obra está contada con un lenguaje cercano a los jóvenes, sin caer en la superficialidad, ni dar la sensación de aparentar lo que no se es. Se centra en la sensación de aislamiento y en un secreto cada vez más ácido, que corroe su contenedor y al que hay sacar fuera cuanto antes.

Adapta la obra del mismo título y autora, finalista al National Book Award en 1999. En España se editó como Cuando los árboles hablen.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Vemos una chica con un claro estrés postraumático tras una agresión sexual. Eso la lleva a autolesionarse, le produce insomnio y distorsión de su propia imagen corporal. No solo tiene secuelas físicas sino sociales y psicológicas: Le cuesta relacionarse con los demás, y se aisla: se fabrica un refugio en un cuarto abandonado de la limpieza, donde encerrarse para no necesitar hablar con nadie. Tiene miedo a que la toquen, incluso cuando piensa en otros chicos en sentido romántico. Por otro lado, tiene un ánimo depresivo, con crisis de llanto y la citada necesidad de aislarse.

Esta obra puede y debería usarse con jóvenes, de manera docente. Muestra que una vivencia así hay que denunciarla siempre, incluso aunque haya rechazo por parte de los propios compañeros. También puede servir para mostrar lo mal que puede llegar a pasarlo una persona en esa situación, lo cual debería sensibilizar a esos jóvenes sin una clara percepción de cuándo el No es un No.

Útil para cualquier profesional sanitario que trate con niños y jóvenes.

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Pelucas

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: José Manuel Serrano Cueto y Francisco Asencio
Número de páginas: 114
Fecha de publicación: Mayo 2016
Editorial: Ediciones Mayi
ISBN: 978-8494460920.

TEMA
Esta obra incluye dos hitorias: Pelucas y Cicatrices.  Pelucas, el storyboard del corto que adapta el cómic, y Cicatrices, que adapta un guión de cortometraje que no se llegó a realizar. Ambas historias giran en torno al cáncer. Pelucas cuenta la historia de una actriz con cáncer que tiene que ir a recoger un premio a un acto y no se encuentra en un buen momento. El hecho de que la quimioterapia haya provocado que se le caiga todo el cabello la desanima a acudir. Su pareja intentará, a través de la risa y la complicidad, que vaya a dicha ceremonia.

Por otro lado tenemos Cicatrices, la historia de una relación casual entre dos personas. Cuando llega el momento de desnudarse, él teme porque le han intervenido de un cáncer de testículo y no sabe cómo reaccionará ella.

PUNTOS FUERTES
Ambas historias giran en torno a la inseguridad que produce el cáncer. Se esté luchando aún contra él (Pelucas) o habiéndolo superado (Cicatrices), la enfermedad afecta a mucho más que el terreno físico. Produce miedo, inseguridad, y vergüenza. Lo bonito de las historias, y se habla específicamente de ello en la introducción, es que se intentan mostrar historias emotivas, desde un punto de vista realista y sin edulcorar una situación traumática y devastadora. Ambas historias buscan que el lector acabe esbozando una sonrisa, pero en ningún momento se trata el tema de manera frívola o irreal. De hecho hay una línea de diálogo en el relato Cicatrices en la que se deja claro que a pesar de buscar la cara amable o reírse de las propias desgracias… la enfermedad es algo terrible.

El dibujo es amable, centrado en la historia, sin recursos que puedan desviar la atención de lo importante que es la historia y las emociones que se busca transmitir, con una narrativa innegablemente cercana al lenguaje cinematográfico, que para eso adapta lo que adapta.

Pelucas adapta el cortometraje del mismo nombre, escrito y dirigido por José Manuel Cueto. El realizador escribió la historia a raíz de la enfermedad que padeció su propia esposa, y lo han presentado a numerosos certámenes y se han destinado las ganancias a la asociación El jardín de mi Hospi.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Ambas historias inciden en la enfermedad desde el punto de vista del paciente. Se hace hincapié en la vivencia de la inseguridad del paciente de cáncer: En la primera historia desde el desánimo de una persona que por su trabajo debe mostrarse siempre fuerte y animada, aunque el cuerpo no acompaña en todos los momentos de igual manera. El apoyo de las personas cercanas es fundamental para intentar apoyarse y conseguir levantarse cuando falten fuerzas.

En la segunda historia se muestra la inseguridad de aquel que sufre las secuelas de una cirugía y  quimioterapia y tiene que enfrentarse a una persona que no conoce su historia. Tiene miedo de sentir el rechazo por parte de ella. La moraleja de la historia busca la normalización de la enfermedad.

Puede ser de utilidad para pacientes y cuidadores o familiares de pacientes.

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Ediciones MAYI
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Breve diccionario enciclopédico ilustrado de mi cáncer

FICHA TÉCNICA
Nombre de la autora: Josune Urrutia Asua
Formato: 26 tarjetas
Fecha de publicación: 2017
Editorial: Another Press (bajo licencia creative commons)

TEMA
Recopilación de 26 tarjetas ordenadas por orden alfabético. Cada una de ellas recoge una idea o descripción ilustrada  en relación con el cáncer sufrido por la propia autora.

DESCRIPCIÓN
Esta reseña es algo diferente de las otras pues no se trata de un cómic sino más bien de un paquete de cartas ilustradas en autoedición. Se presentó al congreso de Medicina Gráfica como comunicación y nos pareció apropiado reseñarlo aquí.

Este breve diccionario ilustrado es tremendamente inusual y atractivo. Cada una de sus tarjetas de cartulina blanca (14x11cm) contiene una letra del abecedario, una palabra que comienza con esa letra, una ilustración en grises y rojos y un pequeño texto. Y cada una de estas tarjetas de forma individual son una pequeña obra de arte.

La estética es impecable, muy atractiva y llena de personalidad. Las ilustraciones (pequeñas acuarelas) son inquietantes, algunas son láminas anatómicas, otras vistas supuestamente al microscopio, o gráficas de evolución, hay caras, paisajes, instrumentos médicos, mapas, autoretratos y mucho más. Los textos son cortos, apenas unas palabras, escritos en negro a mano y con mayúscula. Se ha respetado incluso algún tachón.

Cada tarjeta transmite con enorme fuerza su mensaje. En algunas habla de sensaciones, en otras realiza descripciones de complicaciones médicas o de partes del tratamiento, efectos secundarios, pensamientos e incluso citas.

Es una serie de retazos de su vivencia muy íntima. Son pequeños mensajes individuales que hablan de sobrevivir, de superarse, de aguantar, de sufrimiento, desesperanza y de esperanza. Algunos son desgarradores por la tristeza  que transmiten otros son casi poéticos. Nos cuenta la importancia de la familia, la música e incluso los cómics en el proceso de la enfermedad. Nos cuenta cómo se siente por dentro y por fuera. Describe cicatrices (las visibles y las que no lo son), enemas, cambios de peso, reservorios de quimioterapia, histerectomías y hasta el sabor metálico en la boca. Lo hace desde una aparente simplicidad que hace de las tarjetas muy fáciles de leer y asimilar. A pesar de que es una obra corta, impresiona que al acabar entiendes el sufrimiento de su autora y el viaje que ha recorrido.

El Breve Diccionario Enciclopédico De Mi Cáncer de Josune Urrutia Asua es una lectura muy recomendable para cualquier profesional sanitario que trate a pacientes con cáncer y puede resultar de consuelo o apoyo para muchas personas  que atraviesen el duro camino de esta enfermedad y su tratamiento.

Según nos dice la autora, se puede adquirir en Madrid en Panta Rhei, en Barcelona en La Caníbal y en Bilbao en ANTI. También contactando con ella  a través de su página web: www.josunene.com

Lucille

FICHA TÉCNICA
Título: Lucille
Autor: Ludovic Debeurme
Editorial: Norma Cómics
Páginas: 544
ISBN: 9788498470840

TEMA
Lucille es el relato de dos personas solitarias que se topan y acaban compartiendo sus vidas. Ella, una adolescente anoréxica con una madre posesiva y él, un joven con un trastorno obsesivo, hijo de un padre alcohólico. Juntos huyen de sus familias con la esperanza de encontrar la tranquilidad y el amor que anhelan.

PUNTOS FUERTES
Al leer Lucille conmueve como su autor, Ludovic Debeurme, haya podido crear un cómic capaz de tratar temas tan delicados como la anorexia, los abusos a las mujeres, las distocias sociales y familiares, el trastorno obsesivo-compulsivo, el alcoholismo y el suicidio sin que sea superficial y banal. Transmite una idea real, verdadera, profunda y llena de emociones que atrapan al lector. En las más de 500 páginas de la novela nos logra capturar dándonos la sensación de cercanía con ellos. Consigue que empaticemos con sus vidas y suframos con ellos.

Lucille es una joven con un trastorno de la imagen corporal que se encamina hacia la anorexia. Aún después del alta hospitalaria sigue obcecada en perder peso desmejorando su situación. La convivencia con su madre es complicada, por lo que no facilita el proceso de recuperación. Con el personaje de Arthur, el autor nos muestra muchos más detalles de su vida. Tiene un trastorno obsesivo-compulsivo muy evidente. Arthur convive en una familia de pocos recursos económicos. La madre es una mujer totalmente desinteresada en el cuidado de sus hijos, y el padre un marinero agresivo y alcohólico.

Las relaciones disfuncionales de los protagonistas con sus familias y la aceptación mutua derivan hacia la decisión de escapar de sus hogares y emprender un viaje en busca de felicidad y de comprenderse a sí mismos.

En la narrativa, Debeurne es capaz de presentar un equilibrio entre la lentitud de algunas escenas y la rapidez de otras. La simplicidad del dibujo y de la escritura es el gran protagonista del cómic. Logra que texto, dibujo y espacios vacíos expresen el contenido en cada página, sin ser viñetas encuadradas al estilo clásico. A nivel gráfico, emplea un dibujo sencillo, de trazo limpio, sin colores. Solo contiene los detalles esenciales, pero en una sola línea transmite toda la información para que a ojos del lector nos recreemos en los sentimientos de los protagonistas. Los dibujos de los personajes son ligeramente tortuosos exagerando alguna característica, pudiendo querer expresar con la deformidad de sus cuerpos la parte desequilibrada de sus personajes.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Arthur y Lucille tienen problemas de salud probablemente derivadas de ciertas experiencias sufridas en la niñez que aunque no sean la causa primaria, influyen como desencadenantes de su enfermedad.

Estamos ante una novela gráfica que engloba muchos aspectos que hacen que sea de gran interés para los profesionales sanitarios y la población en general.

Las relaciones disfuncionales entre padre/madre y hijo/hija se perciben como un factor determinante en la personalidad de los protagonistas. Así pues, las distocias familiares y sociales que descubrimos en estas páginas pueden ayudar a empatizar con muchas personas que la sufren y acercarnos a entrever las consecuencias a nivel de salud.

La anorexia es otra de las estrellas del contenido de este cómic, no solo por tener algunas viñetas en el ámbito hospitalario, sobretodo porque consigue descifrar los sentimientos, los deseos, los sueños y las angustias de una persona que vive con esta enfermedad.

El trastorno obsesivo-compulsivo está en cada una de las viñetas que acompaña a Arthur, comprender sus manías, sus ofuscaciones y su malestar es fácil con la lectura de esta novela.

El alcoholismo y las consecuencias a través de la vida del padre de Arthur sobresalta. Descubrimos influencias patológicas tanto a nivel personal como social, que también influye en la vida de sus familiares, hijos y amigos. La agresividad asociada y la apatía generalizada se expresan a la perfección en estas páginas, como también en la toma de decisiones que genera.

Pocas novelas muestran de una forma tan abrumadora el suicidio. Es uno de los grandes problemas sanitarios y sociales en los países desarrollados, y en esta novela podemos apreciar como factores psicosociales y de baja autoestima pueden gestar la ideación suicida.

La sexualidad y los abusos a las mujeres, aunque no sea un detalle que se manifieste en todo el cómic, hay alguna escena que revela esta problemática entre Lucille y Arthur. Es muy reveladora el tipo de relaciones íntimas que surgen entre esta pareja y como se encauzan en función de la capacidad decidir como hombre o mujer.

Lucille es pura expresividad de emociones y sentimientos a través de personajes que viven sus realidades sociales y patológicas con angustia y desesperación, aunque con un resquicio de esperanza ante el amor que experimentan el uno por el otro y la aceptación mutua.

PREMIOS
Premio René Goscinny en el año 2006 (Ganadora)
Nombrada una de las 5 novelas gráficas “esenciales” del Festival Internacional de Cómics de Angulema

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Norma Editorial
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Duermo mucho

FICHA TÉCNICA
Nombre de la autora: María Manonelles Ribes
Número de páginas: 88 páginas
Fecha de publicación: Noviembre 2018
Editorial: InVisible (Fragile Movement)
ISBN: 978-84-17719-02-2

TEMA
María es una joven estudiante de ilustración que ingresa en una planta de psiquiatría durante un mes por un trastorno psiquiátrico. Durante su ingreso realiza dibujos que después convierte en un libro auto-editado y que finalmente es publicado por una editorial.

PUNTOS FUERTES
Duermo Mucho es una novela singular. Es difícil describirla como novela gráfica, no es un cómic, probablemente es más un libro ilustrado pero lo que sí está claro es que aporta como Medicina Gráfica, es decir como herramienta útil en el mundo sanitario. Sin duda el punto más fuerte es el hecho de ser autobiográfica.

Mezcla texto e ilustración de manera irregular y algo anárquica, dando el tono adecuado  a la historia que relata. Los dibujos son todos a lápiz negro con algún toque azul oscuro y los objetos y espacios tienen más detalle que las figuras humanas, que suelen carecer de algunos rasgos faciales. No son muy cuidados, como bocetos que nunca llegan a completarse y es precisamente eso lo que transmite de una manera sensacional el estado de ánimo de la autora. Su estilo es muy personal y atractivo. Son llamativas las manos, que tienen un aspecto algo fantasmal en algunos dibujos. Uno se pregunta si María, como ilustradora siente que son sus manos la mejor expresión del estado de ánimo.

Algunas frases aparecen escritas a mano y el resto es un texto tradicional, organizado en párrafos más o menos largos y con una fuente sencilla (Arial tamaño 12 ) Hay un par de páginas en las que utiliza la desorganización del texto para describir desorganización mental, saliendo la frase del borde de la página. «No puedo, no puedo, no puedo…» desembocando en una página de tachones negros que transmiten una sensación muy real de angustia al lector.

Este libro es una mezcla de reflexiones, sensaciones, descripciones y análisis de un ingreso psiquiátrico en primera persona. Algo poco frecuente en la literatura.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Las enfermedades psiquiátricas continúan siendo un  tabú para la sociedad. Más aun, un ingreso a una planta de psiquiatría suele conllevar un halo de misterio, y de situación siniestra. El relato de María, su personal tono de humor, sus dibujos y el aire de normalidad con que relata su historia es un soplo de aire fresco a todo este misterio.

Duermo Mucho tiene mucho que ofrecer en lo que llamamos Medicina Gráfica. En primer lugar desmitifica un ingreso psiquiátrico, lo hace transparente; esto puede ayudar mucho a pacientes y familiares en esta situación. María habla de cosas positivas, de las amigas que hace (a quien dedica su libro), del compañerismo entre los pacientes, describe las rutinas y los espacios que habita e incluso la preciosa vista desde las ventanas de la planta. Por supuesto parte de las descripciones hacen referencia a un lugar «oprimente y opresor» pero sin duda nada que ver con la imaginería que acompaña siempre a la imagen de un psiquiátrico. Pero no solo eso, el ver que María a pesar de haber atravesado esta experiencia, es ahora una mujer que se presenta al mundo como autora de libros. Sin duda aporta es una razón para el optimismo a otros pacientes. Es una clara demostración en contra del estigma que esto supone.

Por otro lado, Duermo Mucho conlleva una interesante crítica al funcionamiento de las plantas de psiquiatría. Por ejemplo a las visitas médicas tan cortas que se realizan a veces durante estos ingresos. Como ella describe «Si la unidad psiquiátrica es la UCI de los enfermos mentales ¿cómo podía ser que los médicos nos atendieran tan solo diez minutos al día?». Dedica al principio tambien un par de páginas al pijama de hospital, «el uniforme de loca» como ella dice. Demasiado grande, cerrado con esparadrapos y al que no se permiten cordones. Por cierto, María no se anda con eufemismos y se refiere a todos los pacientes y a ella misma como «locos» y llega a decir «todos estamos como regaderas». De alguna manera, la falta de «corrección política» de este tipo de expresiones nos acercan a las propias sensaciones de algo muy íntimo. Se intuye una búsqueda de que cambiando algunas palabras, cambien algunas actitudes.

Este libro ilustrado contiene tambien alguna llamada de atención a la comunicación y nivel de empatía de los profesionales. Es interesante que María, muy bondadosamente lo justifica y dice «los psiquiatras, como los locos, no dejan de ser personas: con algunos conectarás y con otros no» Hay una ilustración muy llamativa en el que hay una médico y una paciente cara a cara. La paciente ve a la médico como un robot y esta ve a la paciente como un caso clínico. Esta imagen por si misma es excelente para la reflexión individual o compartida.

Hay varias ilustraciones muy descriptivas que ayudan a ponerse en la piel de paciente. quizás las más potentes son la de María con la cabeza llena de voces y una intensamente negra con palabras tachadas, cuya solo visión transmite ansiedad y depresión marcada.

María nos hace pensar también en la importancia de amigos y familia y de las relaciones humanas que establece dentro del hospital. Y para establecer estas relaciones curiosamente le ayuda el dibujo, una herramienta que le facilita hacer retratos de los compañeros «a cambio de su confianza». La ilustración parece ayudar a la autora como una manera de desahogo también y sin duda como una manera de pasar el tiempo.

Duermo Mucho es sin duda una obra muy recomendable e inusual.

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Nadie dijo desde donde

FICHA TÉCNICA
Nombre de la autora: Sandra Díaz Sierra
Número de páginas: 64
Fecha de publicación: septiembre de 2018.
Editorial: autoedición impresa en Gráficas Marí Montañana, Valencia.
ISBN: 978-84-09-00109-5

TEMA
“Nadie dijo desde dónde” es la historia de amistad de Laura y Sandra, dos almas gemelas que nacen un 14 de enero. Como lectores, las acompañamos en sus primeros juegos infantiles, en su sueño y promesa de crear cuentos juntas, en la decisión de sus futuras profesiones y en el momento del diagnóstico de cáncer de mama de Laura. A partir de entonces, la historia toma otro ritmo y asistimos a un canto a la amistad y a la vida por encima de las circunstancias, el tiempo y por qué no, el lugar.

PUNTOS FUERTES
Este relato se presenta en formato de álbum ilustrado (tal y como lo define la autora), hecho que nos recuerda las posibilidades de la Medicina Gráfica más allá del cómic.  Las ilustraciones, dibujadas con trazo grueso y sencillo, van acompañadas de breves párrafos de texto.  El color y el diseño de los fondos va acorde con las escenas; así aparece lleno de títulos de canciones cuando nos habla de su afición por la música, de interrogaciones en el momento del diagnóstico, completamente negro cuando Laura se marcha y lleno de nubes e imágenes cuando Sandra se recompone y encaja lo vivido.

Llama la atención el estilo con el que están dibujados los ojos. Son realmente expresivos, dan la apariencia de pequeñas pantallas cuadradas que reflejan el mundo interno de los personajes. Se muestran con notas musicales, en forma de lágrimas, con un remolino de alegría cuando Sandra se corta el pelo para acompañar a Laura…Otras veces llevan un moteado blanco que simula un brillo en los ojos que parece incluir “la pólvora huidiza que enciende la mecha de la vida”, de la que habla Sandra en la introducción de la obra.

En cuanto a las metáforas que enriquecen la obra, podemos destacar las siguientes:

  • En el principio del cuento, aparecen ambas dentro de la silueta de la tripa de sus madres. La autora hace referencia al “cordón umbilical” que separaba a las amigas antes del nacimiento y que termina por desaparecer cuando pasan tanto tiempo juntas tras el diagnóstico de Laura.
  • Una de las imágenes más potentes del libro es la ilustración en la que aparecen los brazos de Sandra, ya vestida con su bata de médico, sosteniendo en un lado un lazo rosa y en otro, los manuales del examen MIR. En este momento nos cuenta cómo le influyó esta vivencia personal para “encajar las piezas del puzzle” y entender su vocación. Actualmente Sandra es cirujana de patología mamaria.
  • Antes de marcharse, cuando ambas eran conscientes del final, Laura escribe una carta a Sandra. Laura es representada como un Principito, con su correspondiente cicatriz en el pecho, encima del planeta al que afirma que va a marcharse.
  • Tras la marcha de Laura, la tristeza y soledad de Sandra es representada como un personaje arrinconado, pequeño y encogido, que llora bajo un fondo negro.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Esta obra puede ser útil para familiares de pacientes con cáncer. La autora dedica en su web el álbum a “aquellos que se quedan en tierra mientras sus seres queridos emprenden el vuelo hacia las nubes”.

El relato ofrece mucha información sobre la vivencia de enfermedad en el marco de una amistad. Una enfermedad con apariencia de “mal sueño” que les hizo aprender a vivir más despacio e intensamente, a hacerse “adictas a los amaneceres”, a darse cuenta de que “el tacto, así como el olfato, puede ser el preludio del recuerdo”. Nos enseñan cómo construirnos un rincón en nuestra memoria al que acudir cuando rememoremos a los que no están.

Además, ilustra con claridad lo esencial, lo que perdura y es necesario en momentos complicados de enfermedad: “Léeme”, le pedía Laura en las sesiones de quimio. Vemos como el arte puede ayudar a consolar y evadirse de la enfermedad.

Asimismo, es un ejemplo de gestión emocional del duelo, ya que la autora integra esta experiencia como un proceso de aprendizaje vital que seguramente le haga mirar la vida y su profesión desde una posición mucho más rica y empática.

Por otro lado, puede ser útil para estudiantes y profesionales sanitarios, ya que el hecho de que Sandra haya actuado como amiga teniendo como trasfondo su trabajo como sanitaria, hace que haya guiños que nos inviten a mejorar nuestro trabajo. Al final del álbum, en la carta de despedida que le escribe a Sandra y que comparte con nosotros, aparece la siguiente recomendación: “Cuando se siente delante de ti alguien con una enfermedad como la mía, trátalo como si fuera yo. Olvídate de la bata blanca, manda a paseo los tecnicismos. Y por favor, cógele las manos, aunque no sepas qué decirle”.

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Réquiem por Damian

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Peter Tomasi, Patrick Gleason, Cliff Richards.
Número de páginas: 176.
Fecha de publicación: Diciembre 2013 (rústica), Febrero de 2018 (cartoné).
Editorial: ECC Ediciones.
ISBN: 978-8417354459.

TEMA
Fruto de un enfrentamiento contra un villano, Robin (Damian Wayne, hijo de Batman) pierde la vida. Bruce Wayne/Batman atraviesa cada una de las fases de duelo, intentando asumir la pérdida de un ser querido. No es la primera vez que tiene que ver cómo alguien con el uniforme de Robin pierde la vida luchando contra el crimen, pero esta vez se trata de su propia sangre, su hijo.

PUNTOS FUERTES
Batman es un personaje oscuro, introspectivo y aparentemente parco en sentimientos. Ver cómo atraviesa las cinco fases del duelo con una personalidad tan hermética como la suya es interesante, pero mucho más si cada capítulo se centra en una de ellas y permite recapacitar y prestarle su debida atención. El guionista añade un plus a esta planificación de la obra, y es que coloca a un personaje del Universo Batman en cada uno de los capítulos/fases. La elección es una muestra de lo bien que conoce a estos personajes, pues cada uno en cierto modo representa los sentimientos que se atraviesan en dichas fases.

Tim Drake, el anterior Robin, uno de los mejores que se han enfundado el traje y que se vio desplazado tras la llegada de Damian acompaña a Bruce en el capítulo/fase Negación. Jason Todd, el ex-Robin que murió a manos de Joker y que ahora se hace llamar Capucha Roja lo hace en Ira. Barbara Gordon, quien durante muchos años haya sido una mujer anclada a una silla de ruedas, que ha servido de enlace y apoyo técnico al mundo superheróico protagoniza la Negociación. Catwoman, la eterna media naranja de Batman lo acompaña en la Depresión. Por último, Dick Grayson, Nightwing, quien fuera el primer Robin acompaña a Batman durante la fase de Aceptación.

El dibujo va acorde con el tono de la historia, y del personaje en general, con bastante uso de escenas sombrías y ambientaciones lluviosas y oscuras.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Una manera muy interesante de trasladar las fases del duelo a una historia de superhéroes, sin caer en un mero tópico con fases que se atraviesan en cuestión de minutos. Dedica un capítulo a cada una de las fases y transmite esa sensación de dificultad de avanzar en cada una de ellas. Transmite también la importancia del apoyo de amigos y familiares para ayudar a superar un evento con tanta carga emocional

A pesar de tratarse de una historia enmarcada en un género como el superheróico, el autor sabe aparcar bien la pompa y transmitir las sensaciones que se pueden atravesar en cada una de las fases de duelo. Es una manera de tocar un tema así a unos lectores que, tal vez por edad, no hayan tenido mucha relación con situaciones de este tipo.

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La levedad

FICHA TÉCNICA
Nombre de la autora: Catherine Meurisse
Número de páginas: 133 págs.
Fecha de publicación: Abril de 2017
Editorial: Impedimenta, colección El chico amarillo.
ISBN: 978-84-16542-85-7

TEMA
La levedad es el relato de recuperación emocional de Catherine Meurisse, periodista gráfica que perdió a sus compañeros de redacción la mañana del atentado en Charlie Hebdo, el 7 de enero de 2015. Ella salvó su vida por llegar tarde a la reunión de redacción de los miércoles, pero el shock por la pérdida de los amigos, la desmesura de la violencia a la que fueron expuestos y el consiguiente sentimiento de vacío interior y bloqueo creativo, la llevarán a buscar en la belleza del arte, la levedad del ser que le fue arrebatada.

PUNTOS FUERTES
En La levedad, el hilo narrativo lo marcan los sentimientos y los recuerdos que la protagonista va recuperando; no existe por tanto, una temporalidad que guíe la historia, hay saltos al pasado, conversaciones imaginarias con sus compañeros, fotogramas de pesadillas nocturnas…

En cuanto al estilo, la autora utiliza un trazo ligero con el que es capaz de transmitir el estado emocional de los personajes, especialmente el suyo propio. Con líneas ondulantes, progresivamente mal definidas y más cercanas al garabato, da cuenta del nerviosismo, la ansiedad y el miedo que llegó a sentir. Hay que destacar también la atención que presta a la expresividad facial de los personajes; en momentos en los que el humor y la sátira sobrepasan la realidad, solo vemos la sonrisa en la cara de Catherine y sus compañeros.                               En la última parte de la novela se produce una mezcla de estilos, ya que se representa en grandes lugares de arte durante su viaje a Roma (sencillo para los personajes y realista para las obras de arte, pinturas y esculturas).

El color va cobrando protagonismo a lo largo de la historia, reservando su uso para los momentos en los que la autora se siente más serena y encuentra los lugares que necesita para recuperarse: una isla desierta en la que estar sola, una excursión a la montaña con una amiga,  Roma y sus innumerables rincones de arte y por último, el museo del Louvre. También predomina el color en las escenas de mayor shock emocional, como el atentado de la sala Bataclan, que la llevó a revivir muchas sensaciones del 7 de enero.

Podemos apreciar las siguientes metáforas en el transcurso del relato:

  • Tras el atentado, como periodista que es, a Catherine le toca trabajar en el nuevo número de Charlie Hebdo. Entonces se da cuenta de sus dificultades para crear, que nos transmite a partir de la imagen de un cerebro desconectado: aparece sujetando un cable con cada mano, representando la desconexión entre el hemisferio izquierdo (pensamiento racional) y el derecho (emociones y percepciones). Dice encontrarse en un bloqueo creativo: tiene ideas pero le resulta difícil llevarlas al dibujo: “no consigo situar a mis personajes en el espacio, acertar con las proporciones, con la perspectiva. Noto que mi cerebro tiene una zona afectada”.
  • Después de unos días emocionalmente complicados (trabajo en la redacción sin los de siempre, manifestación del 11 de enero contra el terrorismo, escolta policial continua…), Catherine echa de menos “un abrazo especial”, un momento en el que dejarse llevar y expresar lo que realmente le pasa, que sencillamente es que no puede más. Aparece así una secuencia de imágenes en las que se hunde en el abrazo de su compañero y poco a poco, su cuerpo se convierte en una fuente de lágrimas. Percibimos cómo se derrumba y lo importante de tener personas a tu lado que te sostengan en esos momentos.
  • Por cuestiones de seguridad, es sometida a vigilancia continua incluso de noche. Esto le hace sentir que ha perdido su libertad; “mi libertad ha muerto”, grita repetidamente, hasta que toma una dosis de psicofármacos y un peso enorme cae sobre ella y la aplasta.
  • El nuevo ataque terrorista en la sala Bataclan provoca un resurgimiento de sentimientos que, aunque no la pillan desprevenida esta vez, atraviesan como un rayo al personaje.
  • Durante su retiro a la Residencia de los Medici, Catherine asocia obras de arte que reflejan agonía o sufrimiento con escenas de los atentados: su percepción se ve condicionada por el trauma. De hecho dice reconocer en las esculturas a todas las víctimas de los ataques, estableciendo incluso puentes entre el pasado y el presente. Así denomina “joven decapitado” a una obra que representa a una mujer dormida, se pregunta si un control de bolsos podría haber salvado a Mesalina (tercera esposa del emperador Claudio) de su asesinato, o compara las etiquetas del inventario de estatuas del almacén con las etiquetas de triaje del Servicio de Emergencias.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Esta novela gráfica podría ser de utilidad para pacientes que hayan vivido una situación traumática, así como para sus familiares, además de para profesionales sanitarios y estudiantes. Ilustra con la sinceridad de quien lo ha vivido el proceso de un shock postraumático y lleva al lector a empatizar con la reacción que experimentan las víctimas ante la barbarie.

A lo largo del relato aparecen situaciones en las que podemos identificar síntomas clínicos del trastorno por estrés postraumático, lo cual sería de utilidad para profesionales y estudiantes en la elaboración de clases o seminarios sobre el tema, así como para pacientes para identificar su vivencia de enfermedad. Algunos de estos rasgos son:

  • Amnesia postraumática: Catherine asegura perder la memoria tras trabajar en el número de la revista posterior al atentado. En los días sucesivos trata de recordar las últimas conversaciones que mantuvo con sus compañeros fallecidos y le faltan fragmentos.
  • Terrores nocturnos: afirma tener siempre la misma pesadilla; huye de su casa en bicicleta hasta caer por un precipicio del que logra salir a flote perdiendo su equipaje, “10 años de equipaje”. Es lo que en términos clínicos se denomina reexperimentación persistente.
  • Afasia postraumática: mientras que ella creía haber transmitido a su familia la idea clara de “en Charlie ha ocurrido algo, estoy en un lugar seguro, no encendáis la tele”, su madre pasado un tiempo le confiesa que dijo “ha ocurrido algo seguridad tele no encendáis”. Ambas concluyen que el terrorismo es el enemigo declarado del lenguaje.
  • Disociación: en una escena con el psicólogo, este le explica que es víctima de un shock postraumático, que le ha llevado a sufrir anestesia sensorial, emocional y amnesia: “el estrés genera tanta adrenalina y cortisol que podría resultar mortal. El reflejo de supervivencia del cerebro en tales situaciones consiste en ponerse en estado de disociación”.

Hay un momento en que Catherine dice que los psicólogos les han advertido de que “nadie, (ni familiares ni amigos, por mucha voluntad que pongan), entenderá lo que les ha ocurrido y se sentirán muy solos”. Es un hecho que percibimos en el transcurso de la historia; la labor de familiares y amigos es acompañar, pero el recomponerse es una experiencia y tarea individual.

Por otro lado, ofrece una crítica a la imposición de un duelo social. Frente al minuto de silencio tradicional, asegura que “necesitamos un siglo de gritos y de cabreo”.

Uno de los aspectos más interesantes de la obra es el valor terapéutico que supone la belleza para Catherine. En un principio encuentra alivio en “ver”: ver el mar, los árboles, el cielo, la pintura, la luz…Frente al vacío y el bloqueo en el que se encuentra, piensa que experimentar el síndrome de Stendhal (el desmayo sufrido frente a un aluvión de belleza) puede salvarla. Por ello decide marcharse a Roma, lugar de belleza, arte y memoria, que son sus carencias tras el episodio del atentado. Así concluye al final de la novela, ya serena en una luminosa playa, haber experimentado el síndrome de Stendhal al revés: primero, el desvanecimiento por el shock; segundo, la obsesión por la belleza al despertar; y por último, la reanimación de la razón y la recuperación del equilibrio, la percepción y la memoria.

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La historia de mis tetas

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Jennifer Hayden
Traductor: Manuel Viciano
Número de páginas:352
Fecha de publicación: 2016 (en EUA en 2015 en inglés)
Editorial en España: Reservoir Books
ISBN:8416195900

SINOPSIS
La vida de la protagonista es el hilo conductor sobre el que se desarrolla una historia de crecimiento, penas, alegrías y descubrimientos. «Las tetas» de Jennifer son el punto de partida y el final, pero hay mucho más. 

PUNTOS FUERTES DE LA OBRA
La estructura de 4 viñetas por página se mantiene a lo largo de toda la obra, y la mezcla de diálogos (en menor medida) y reflexiones o descripciones (la autora es omnipresente) funciona muy bien. Es un libro plagado de metáforas y con personajes de gran fuerza visual. Hace un uso excelente de los claro-oscuros y cada viñeta está cargada de detalle y con no poco texto. La lectura que requiere es lenta, reposada y no es un libro que se lea de una sentada. Este punto es muy de agradecer en un cómic.

Es de destacar el gusto de Hayden por los pequeños detalles, señalando breves observaciones en relación a algunos personajes u objetos que no hacen sino enriquecer la descripción. Es interesante la presencia de un pájaro que actúa como “reflejo” o conciencia de la autora, con observaciones que se mueven de lo serio a lo chistoso.

La principal fortaleza de la obra es su carácter autobiográfico en el que los problemas de salud ocupan solo parte del relato. Su autora deja claro que su historia, su vida, no se define por sus problemas de salud ni los de su familia, sino que forman parte de ella, como también la forman su vida de pareja, su desarrollo profesional y sus relaciones familiares.

Es una obra amena en la que el humor y los momentos de ensoñación o pensamiento onírico de la protagonista toman mucha fuerza y un rol preponderante. Una de dichas escenas más relevantes a lo largo de la obra, es el “noli me tangere”, con el que tanto su madre como su suegra son representadas tras sus diagnósticos de cáncer.

Por último, el medio gráfico ayuda a la autora a transmitir de manera más rica sus vivencias, ayudando al lector a empatizar de forma más completa y compleja con la protagonista, en eventos intensos y a veces doloroso, pero sin perder por ello el sentido del humor. Ofrece una visión de la vida que no se hace oscura o pesimista sino todo lo contrario.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Aunque es una obra biográfica que se extiende mucho más allá de la ocurrencia del cáncer  en varios de sus protagonistas, es innegable que los cuidados de la salud y  la enfermedad  tanto a la protagonista como de sus familiares y seres cercanos, ocupan un rol central.

Somos testigos de cómo afecta el cáncer primero a la madre de la protagonista y el efecto que ello tiene en sus relaciones  y en su propio desarrollo personal. Posteriormente, su “segunda madre”, su suegra, es también diagnosticada con cáncer de pulmón. Esta etapa marca profundamente a la protagonista. Por último es la propia Jennifer quien es diagnosticada de cáncer de mama, aunque en etapas iniciales.

Una de las ventajas de esta obra frente a otras que también tocan el tema del cáncer es sin duda la variedad de aristas a las que se refiere; no solo en la “narrativa de crecimiento” o búsqueda (quest narrative) de la autora, sino que se acerca a temas variados relacionados con la salud.

La lista es larga: problemas de autoimagen en adolescentes, pubertad atrasada, métodos anticonceptivos, diagnóstico y pronóstico del Ca de mama, factores de riesgo, mastectomía, Ca de pulmón, síntomas y diagnóstico, cirugía, decisiones informadas sobre tratamientos, miedo ante la enfermedad, mamografía, parada cardio-respiratoria, cuidados paliativos, sedación paliativa, dificultad con lactancia, blues post-natal, biopsia de mama, mastectomía bilateral preventiva, post-operatorio (físico y psicológico), drenajes, cirugía reconstructiva, médicos amables ( y otros no tanto) y más. Es casi un compendio de diversas áreas de la medicina (oncología, ginecología, obstetricia, endocrinologia, psiquiatria).

Es de particular interés el análisis realizado sobre la imagen corporal de la paciente respecto a si misma cuando es removida parte de lo que ella sentía en su infancia como definitoria de su femineidad. El utilizar el pecho y su evolución como hilo conductor de la novela resulta inusual y atractivo.

Es una obra con enorme potencial en educación sanitaria, para pacientes y para la reflexión y docencia de profesionales. Es tal la variedad de aportaciones que resulta difícil de clasificar.

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A Silent Voice

FICHA TÉCNICA
Título Original: Koe No Katachi
Nombre de la autora: Yoshitoki Ōima
Páginas: 196 x 7 volúmenes
Fecha de publicación: Agosto 2013 hasta Noviembre 2014 (Japón), Febrero 2015 hasta Febrero 2016 (España)
Editorial: Milky Way ediciones
ISBN: 978-84-943540-14 (volumen 1)

TEMA
Shôya Ishida es un estudiante de primaria que pasa los días con sus compañeros de clase buscando nuevas formas de matar el aburrimiento. Un día, Shôko Nishimiya, una niña con discapacidad auditiva desde su nacimiento, es transferida a su clase, pasando ésta a ser el principal foco de su atención. Una historia en formato Manga donde se nos muestra el bullying (acoso escolar) desde todos sus ángulos.

PUNTOS FUERTES
La autora, Yoshitoki Ōima, nació en Marzo de 1989 en Ōgaki (Japón). El trabajo de su madre como intérprete de signos le sirvió de ayuda para la creación del personaje de Shôko, dando lugar a una imagen fiel de la discapacidad auditiva y todo lo que gira en torno a ella. En una entrevista reconoció haberse basado en distintas situaciones que presenció durante su infancia.

El origen de la obra que nos ocupa se encuentra mucho antes de su publicación final, pues fue en 2008 cuando se publicó el manga piloto o one-shot (historia de un sólo capítulo), galardonado con el Premio Anual Shonen Magazine a nuevos autores, que serviría de base para la creación de este manga de siete volúmenes años después. 

Aunque existen numerosas historias acerca del bullying, casi siempre suelen contarse desde el punto de vista de la víctima. En esta obra, será su protagonista, Shôya, el que ejerza el papel de acosador, al menos en su inicio. Esto ya la dota de algo especial pero, lejos de quedarse ahí, veremos reflejados cada uno de los engranajes que forman parte de este fenómeno social (compañeros de clase, profesorado, familia…), sus acciones, el intercambio de roles, cómo una misma situación puede afectar de manera distinta a diferentes personas, etc.

La habilidad de su autora con los lápices es tan buena como su capacidad narrativa, dotando a la historia de realismo y crudeza (aunque la historia vaya avanzando hacia un tono positivista) pero también de diversión y entretenimiento cuando es necesario. Sorprenden algunos recursos y metáforas gráficas para reflejar cómo los personajes ven a los demás, el aislamiento social, la ansiedad, etc. que no describiré para dejar que sea el propio lector el que las descubra.

Decir que es simplemente un manga sobre acoso escolar no le haría justicia, “A Silent Voice” es una obra muy rica de la que se pueden extraer numerosos matices: trata sobre la amistad, sobre las relaciones sociales, los sentimientos, la pérdida, la superación… sobre la vida misma.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Acerca a través de un lenguaje atractivo para la audiencia más joven, como es el manga, un elemento que les toca de cerca, el acoso escolar. De esta manera, podemos llegar a los principales implicados, ayudándoles a empatizar con las víctimas, pero también con las demás personas que completan este fenómeno, sin olvidar todo aquello que puede derivar de estas conductas: ansiedad, depresión, evitación, aislamiento, ideas autolíticas…

También es destacable cómo nos muestra la discapacidad auditiva, el lenguaje de signos, audífonos… lo que pueden sentir estas personas y cómo es su día a día, ayudando al lector a conocer más acerca de esta enfermedad.

PREMIOS Y MENCIONES:
Premio Cultural Osamu Tezuka 2015 (Ganador)
Premio Manga Taishō 2015 (Nominada)
Premio Eisner 2016 (Nominada)
Premio Rudolf-Dirks a mejor guión 2017 (Ganador)
Premio Max & Moritz en 2018 (Nominada)
Premio Daruma d’Or 2018 (Ganador)

El manga fue adaptado por Kyoto Animation a  película de animación en Septiembre de 2016.

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Zita cabeza de seda

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: ZIDROU (BENOÎT DROUSIE) y  SERGE ERNST (ERNST).
Número de páginas: 48 pags
Fecha de publicación: 2013
Editorial: ROSSELL (Rossell Fantasy Works S.L.)
ISBN: 978-84-939210-3-3

TEMA
Zita es una adolescente de casi trece años que vive en un hospital debido a una leucemia que no termina de curarse. Está ingresada en una planta destinada a enfermos “accidentados o incurables”, donde todos la llaman “Cabeza de Seda”, por el aspecto suave de su cráneo como efecto de la quimioterapia recibida. Zita está preparando su propia fiesta de cumpleaños, que celebrará en la planta del hospital, y el reparto de las invitaciones escritas es el recurso argumental para llevarnos de paseo por el microcosmos de la institución.

PUNTOS FUERTES DE LA OBRA
A pesar de que su argumento gira en torno a una niña institucionalizada por larguísimo plazo, y a sus carencias, es una obra optimista y amable. Se trata de un tebeo de humor sobre un poso de amargura. La omisión intencionada de detalles escabrosos sobre la enfermedad permite centrar el relato, narrado con dibujo humorístico, en las relaciones entre los personajes, con el foco en diversas escenas de tinte cómico que harán su lectura atractiva para el público infantil.

En esta época en que andamos tan escasos  de tebeos para niños, Zita lo es. Es un tebeo con cuya protagonista podrán identificarse los niños hospitalizados, quienes, de esa forma, podrán compartir un poco de su alegría en el infortunio. Resultan destacables las escenas con las que los autores presentan al lector, de forma brillante, la cotidianeidad de la vida en el hospital: la ambulancia llegando al área de urgencias, la sala de estar de los profesionales donde la médica saliente de guardia apura su café por la mañana, el control de enfermería, los traslados de enfermos en sus camas por pasillos y ascensores, el reparto de bandejas de desayuno, el aseo con toallitas jabonosas del enfermo postrado, el agotamiento del acompañante asiduo del enfermo, …

Resulta también acertada la imagen que se ofrece de los profesionales sanitarios: personas no siempre de buen humor, a veces cansados, a veces, exhaustos, con evidentes dificultades para conciliar su vida familiar con sus responsabilidades laborales, pero siempre desviviéndose por ofrecer a sus pacientes el cuidado que necesitan. Unos profesionales cercanos, solícitos, amistosos, volcados con los niños, prestos a dejarse caer por el hospital, si la situación lo requiere, sin reparos, incluso en su día libre.

Presentar, con esos elementos, una planta de hospital específica para niños con problemas graves de salud como un escenario amable, sin tergiversar para ello su esencia, es un logro inusual que merece ser destacado.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA.
Tres son los aspectos que deben ser destacados en esta obra desde el punto de vista de la medicina gráfica:

– La hospitalización prolongada. La estancia prolongada en un hospital es una circunstancia que tiene implicaciones de tipo relacional y de necesidades de expansión y desarrollo que deben preverse y, en su caso, cubrirse. Tales implicaciones son especialmente relevantes en niños y adolescentes, por encontrarse en periodo de aprendizaje continuo y de formación de la personalidad. El hospital que aparece en esta historia tiene servicios y recursos que, cada vez más y de forma más estable, podemos encontrar en un hospital real cuyos pacientes son niños. Los autores han liberado a Zita de sueros, sondas u otros artilugios, para que pueda moverse por la planta a su antojo, mostrándonos así que hay en ella peluquero, actividades lúdicas y formativas asistidas, sala de lectura, e incluso la posibilidad de celebrar allí una fiesta con participación de pacientes y cuidadores. Esta aproximación al hospital como hábitat es la faceta del cómic que permitirá que los niños ingresados puedan identificarse con los protagonistas de la historia, y llegar, incluso, a sentirse un poco más cómodos en el entorno en que se ven retenidos.

No es de extrañar, entonces, que Serge Ernst, el dibujante de la obra, tuviera, tras la publicación original de Zita, la idea de poner en marcha una campaña para conseguir donaciones con el objetivo de obsequiar 2000 álbumes a los niños hospitalizados en Francia, Bélgica y Suiza: una proyecto bautizado como 2000 BD, que fue un éxito rotundo gracias a la participación solidaria, pues la percepción de quienes hubieran leído la historia sería, muy probablemente, que no solo podrían distraer un rato a los pequeños enfermos hospitalizados, sino que la lectura dejaría en ellos un poso que les permitiría afrontar su situación con una mayor fortaleza de ánimo.

– Las necesidades afectivas del niño institucionalizado. La hospitalización infantil es una experiencia estresante, que puede dar lugar a alteraciones  de  tipo  conductual, emocional y cognitivo en los pacientes pediátricos ingresados. A pesar de la excelente adaptación de Zita a su entorno (llega a decir que el hospital es su hogar, y se comporta de forma congruente con ello), de su autosuficiencia y de la ilusión con que afronta su día a día, hay una ausencia que la atormenta: la de la persona que más le importa, con quien tampoco esta vez podrá contar. Dentro del hospital (incluso más que fuera del mismo, pues, por mucho que los profesionales sanitarios intenten compensar, la sensación de desamparo es inevitable), los niños necesitan la proximidad de sus padres. Las instituciones sanitarias son conscientes de ello, y no escatiman esfuerzos para conseguir que los niños ingresados estén acompañados por su madre o su padre, prácticamente en todo momento. Este cómic puede ayudar a los familiares de los niños ingresados a entender las reacciones adaptativas que estos puedan presentar, y hacerles más llevaderas las manifestaciones de angustia, miedo o irritabilidad que a veces su situación desencadena.

La somatización. Finalmente, Zita aporta un elemento de reflexión sobre el fenómeno de la somatización: en ocasiones, aparecen síntomas en el organismo que solo pueden explicarse como respuesta a una reacción emocional. El corazón, especialmente sensible a estímulos neurológicos u hormonales, es uno de los órganos que con más frecuencia pueden acusar las consecuencias de reacciones de ese tipo. Eso es lo que parece pasarle, en más de una ocasión, a Zita (o eso es lo que los autores quieren transmitirnos, aumentando, en una licencia argumental, la intensidad de esa supuesta respuesta hasta hacer que el corazón de su personaje se pare); y esa circunstancia justifica el título de esta primera aventura suya: “Pequeño corazón frágil”, traducción libre del título original en francés (cuya literalidad es “Pequeño corazón parado”), la cual, lamentablemente, pierde el matiz alusivo (muy probablemente, intencionado) al carácter disruptivo o suspensivo que una hospitalización prolongada puede suponer para cualquier proyecto vital. Las pérdidas de conocimiento de Zita no son simuladas, como atestiguan las lesiones traumáticas (por los golpes de las caídas) con que despierta, o el propio doctor Semoun, que en alguna ocasión ha podido constatar la ausencia de actividad cardiaca durante las mismas, y que manifiesta su frustración por no ser capaz de relacionarlas con alguna anomalía orgánica que él pudiera tratar con fármacos.

PREMIOS
Prix du Conseil Général au Festival BD de Blois (noviembre de 2012). (Ganador)
Prix Échappée Lecture Jeunesse du Conseil – Général de la Nièvre (abril de 2013). (Ganador)
Prix Livrentête Catégorie Juniors de l’Union Nationale Culture et Bibliothèques Pour Tous (Mayo de 2013). (Ganador)
Prix du livre Jeunesse du Festival BD de Cherbourg (mayo de 2013). (Ganador)
Prix des Lecteurs de Sablé-sur-Sarthe (junio de 2013). (Ganador)
Prix « Jeunesse » du Festival BD de Chambéry (octubre de 2013). (Ganador)
Prix du Musée de l’Alta Rocca au Festival BD d’Ajaccio (noviembre de 2013). (Ganador)
Prix littéraire Jeunesse Égalité Fille Garçon du Conseil Municipal des Enfants de la ville de Toulouse (2013). (Ganador)

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Manicomio

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: Montse Batalla y Xevidom
Editorial: La Cúpula
Número de páginas: 168
Fecha de publicación:.Enero 2019
ISBN: 978-84-17442-29-3

TEMA
Clara es una universitaria sana, estudiosa, extrovertida y activa. Sin causa aparente comienza con insomnio y dificultad para concentrarse; en pocos días su salud mental se deteriora con un cuadro de bradipsiquia, paranoia, dificultad para leer o hablar y requiere un ingreso en una planta de psiquiatría. Manicomio cuenta la evolución de su enfermedad y su lucha por un diagnóstico correcto.

PUNTOS FUERTES
Lo primero que impacta de esta novela gráfica es la dureza de su portada. La imagen de la protagonista atada a la cama tiene una gran fuerza visual. Las letras del título rotas y la cara desencajada de la paciente completan una sensación angustiosa antes incluso de abrir el libro.

Manicomio cuenta una historia que es fácil de leer y engancha rápidamente. Las primeras hojas describen la vida de una estudiante con la que cualquier universitaria se podría sentir identificada. Muy ocupada, entusiasta con sus estudios y proyectos, con buenas amigas, una familia estupenda y en una relación amorosa con altos y bajos. Nada hace prever la tormenta que se está desencadenando en su mente. La absoluta normalidad de las primeras páginas te permiten acercarte a Clara como «persona sana» antes de ser testigo cómo se convierte en Clara «persona con enfermedad mental». Este acercamiento progresivo crea en el lector la idea de que esto podría pasarte a ti y te mantiene pegado a sus páginas.

Es una novela gráfica en blanco y negro con una distribución de comic tradicional de cajas y bocadillos. Los escenarios y los personajes están dibujados con bastante detalle, son realistas. Las expresiones de miedo, insomnio, angustia o dolor de la protagonista ponen un gran peso en la expresividad de los ojos. Es interesante fijarse en esa mirada ligeramente «ida» que consigue el dibujante durante todo el cuadro agudo y compararlo con la mirada despierta y brillante de antes y de después. La amabilidad o en su contra, la dureza de los personajes que van apareciendo tiene también su mayor fuerza en los ojos. Hace un uso interesante de las sombras en varios escenarios por ejemplo la de un médico de comportamiento algo siniestro.

Al comienzo del ingreso hospitalario se ven ventanas con una reja tupida. La imagen, ya solo de la reja pasa a ser una constante en muchas escenas y aparece de forma persistente mezclada con la historia. Crea un paralelismo muy visual entre un ingreso hospitalario y uno carcelario. Provoca una sensación de frustración y angustia patentes.

Las imágenes repetitivas de una mano con pastillas o la visión de las salidas de aire en el techo son muy efectivas en transmitir una rutina casi aplastante carente de todo estímulo.

Una de las fortalezas de este libro es el hecho de ser autobiográfico. Montse Batalla cuenta su propia experiencia con la enfermedad mental ayudada por la complicidad de un ilustrador que es además su pareja y parece entender muy bien los sentimientos y sensaciones de la protagonista.

Manicomio no es solo la descripción de una enfermedad mental aguda con un ingreso en una planta psiquiátrica; Manicomio es una novela con fuerte intención de denuncia contra el trato casi inhumano recibido durante la misma, contra las contenciones físicas  así como el difícil trayecto en busca de un diagnóstico y su tratamiento.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Manicomio demuestra una cantidad enorme de contenido valioso para  ser clasificada como medicina gráfica. Es una historia contada por una paciente que nos abre una ventana a la vivencia en primera persona.

-Manicomio puede ser un libro de gran interés para quien se esté formando en psiquiatría y psicología clínica. Tiene un gran componente de descripción de síntomas y tratamientos. Lo que comienza como un cuadro psicótico  es finalmente diagnosticado como «psicosis cicloide». En el relato Clara es tratada con varios fármacos: diazepam, olanzapina y fianlemte litio. Sufre tremendos efectos secundarios con la olanzapina (tortícolis intensa, temblor incontrolable y fiebre).

– La sensación general durante el ingreso es que Clara no está en un área de salud sino en una cárcel. Las rutinas, las colas para recibir la medicación o la comida y el trato generalizado de todo el personal hacia los pacientes suena terrible. Lo único positivo de todo esto es que parece crear una solidaridad y una camaradería entre todos ellos que suponen un soporte importante para sobevivir a un ambiente tan tóxico. Tal y como aparece en otros relatos de pacientes ingresados con patología psiquiátrica,  la relación con los otros enfermos y el convertirse en parte de esta peculiar familia, lo hacen tolerable. Son muchas las viñetas en este libro que nos deben servir para la reflexión sobre la importancia de la empatía y la compasión. Un libro imprescindible para la docencia de buena comunicación y ética entre el personal sanitario.

El contraste entre los médicos duros que no escuchan, que no miran, y a los que no parece importarles nada Clara con el psiquiatra amable y humano que finalmente alcanza un diagnóstico e instaura un tratamiento es inmenso. La comparación entre sus actitudes y la diferencia que esto supuso para la recuperación de la paciente son llamativos.

– Manicomio es un buen recordatorio de la importancia de escuchar a los pacientes, de creer su historia. Existe casi una obsesión en insistir que Clara «oye voces», algo que ella siempre niega, también se intuye el prejuicio hacia una mujer joven con síntomas de enfermedad mental de quien siempre se sospecha el uso de drogas de recreo.

– El apoyo y acompañamiento que hace la familia, la fortaleza y cariño de los padres, las amigas son una parte importante a la recuperación de Clara.

– Manicomio es una llamada a voces a considerar con inmenso cuidado si la contención física de un paciente es necesaria o apropiada. En este caso y según lo describe la protagonista, la razón por la que ella es atada a la cama no está en absoluto justificada. Manicomio puede ser de gran ayuda en este proceso de sensibilización tan necesario ante un tema tan sensible.

– Esta novela gráfica ayuda a la desestigmatizar  la enfermedad mental. Hablar de ella, visibilizarla, demostrar que puede ocurrir a cualquiera y que a pesar de todo, la vida sigue…es fantástico.

-La protagonista aparece también como paciente empoderada que investiga su patología, que estudia, que se informa. Este es el perfil de paciente que vemos ya con frecuencia y que según va desapareciendo la brecha digital se va convirtiendo en la normalidad.

En conjunto Manicomio es una obra cargada de información y de crítica lo cual le convierte en una patografía gráfica de inmenso valor para profesionales y pacientes.

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Nuestros Miedos Ocultos

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Franz Krause
Número de páginas: 144 págs.
Fecha de publicación: 27 abril 2017
Editorial: Sapristi.
ISBN: 9788494556838

TEMA
Fran Krause se propuso ilustrar y publicar sus miedos más irracionales en su blog. Poco a poco, sus lectores más fieles le fueron enviando en respuesta sus propias historias y miedos, que se convirtieron en esta novela gráfica. “Nuestros miedos ocultos” recoge 101 miedos de lo más diversos y originales; durante la lectura te sorprenderás reconociéndote en más de uno.

PUNTOS FUERTES
La novela está compuesta por historias estructuradas en su mayoría en cuatro viñetas, acompañadas de texto no enmarcado. El autor utiliza un estilo sencillo, optando por dibujo a mano con trazo en tinta china (con la que compone las sombras, muy importantes a lo largo de la novela acompañando los momentos más tenebrosos) y color en acuarela.

En el mundo del comic, la disposición en cuatro viñetas utilizada en esta novela se viene denominando “haiku gráfico”. Y es que la forma de describir cada miedo tiene algo de poesía e incluso de micro-relato: se presenta la situación, el conflicto/miedo y finalmente la actitud de defensa contra él, o bien la consecuencia directa (imaginada) del miedo. Esto hace que la lectura sea bastante ágil, aunque merece la pena detenerse a reflexionar sobre cada miedo individualmente y dejarse invadir por las impactantes ilustraciones.

No hay metáforas que describir en esta novela, el autor ilustra de forma literal y visceral cada miedo, materializando ideas que si no fueran acompañadas del dibujo, no llamarían tanto nuestra atención por su alto componente irracional.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Esta novela gráfica es interesante para reflexionar como sanitarios por un lado, acerca de la raíz de los miedos; vemos como muchos se originan en la infancia, otros como consecuencia de la soledad y el aislamiento social, por falta de información, o en relación con los enigmas de la muerte.

Dentro de la infinidad de temas tratados vemos como hay ciertos miedos que parten de la desinformación en materia de salud. Esto nos recuerda la importancia de informar bien a nuestros pacientes e incluso esforzarnos por desmentir bulos que en la era de las redes sociales es fácil que se difundan, sembrando temores infundados. Así por ejemplo leemos la historia de una chica que siempre duerme sobre su lado derecho por miedo a que sus órganos aplasten su corazón, otra que teme arrancarse la córnea en lugar de quitarse las lentillas, un niño que cree que si pisa una aguja esta viajará directamente al corazón vía venosa y una niña que confunde el fenómeno entópico de campo azul visual con parásitos oculares, entre otras historias.

Por otro lado, los relatos muestran las consecuencias de acumular tantos miedos: muchos de ellos conducen a “rituales” de actuación (que podrían encajar con trastornos obsesivo-compulsivos), fobias, conductas de evitación, ideas obsesivas, etc.

El tono humorístico con el que están escritos e ilustrados desestigmatiza el hecho de tener miedos tan divergentes; lo cierto es que el autor parece haber creado un ambiente de suficiente confianza con su trabajo como para que sus lectores sigan enviándole sus miedos, que continúa ilustrando y posteando en su blog. Este trabajo puede ser ejemplo de la actitud de apertura y escucha que debemos tener los sanitarios ante los miedos de nuestros pacientes, por muy descabellados que nos parezcan. Los ingredientes para combatirlos, por lo tanto: información, y por supuesto, humor.

PREMIOS Y MENCIONES
Premios Eisner en la categoría de Mejor Cómic de Humor. (Nominada)

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Editorial Sapristi
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Una Herida en el Corazón

FICHA TÉCNICA
Nombre de la autora: Henny Beaumont.
Traductora: Ana Isabel Pérez Ocaña
Número de páginas: 288
Fecha de publicación: 2016
Editorial: Alianza Editorial. Colección Alianza libro singular.
ISBN: 978-84-415-3837-5

TEMA
Novela gráfica escrita y dibujada por Henny Beaumont, ilustradora británica. En Una Herida En El Corazón relata cómo afronta, junto con su esposo, el nacimiento y la crianza de su hija Beth. Un relato sincero y emocional centrado en la lucha de una madre que se enfrenta a la realidad de tener que cuidar a una niña con síndrome de Down y su determinación por conseguir la inclusión educativa y social. 

PUNTOS FUERTES
La novela engancha desde el principio y conmueve. Un relato en primera persona que dota a la obra de credibilidad y gran fuerza emocional, siendo este uno de sus puntos fuertes. Es imposible no sentirse reflejado en alguna de sus viñetas, empatizar o sentir vergüenza por esos prejuicios que nos acompañan.

La novela se estructura en cinco partes. La primera se centra en el nacimiento, la comunicación a los padres de que Beth “puede tener síndrome de Down”, los sentimientos de rechazo que esta inesperada situación genera en los progenitores y la incertidumbre. La segunda parte relata la angustia por los cuidados y la cirugía a la que hay que someter a Beth por sus problemas cardíacos congénitos… y la aceptación. La tercera parte refleja la lucha por la inclusión educativa, los padres de Beth deciden que la niña vaya al mismo colegio que sus hermanos, una lucha por la integración en una sociedad repleta de prejuicios. En la cuarta y quinta parte Beth va creciendo, ya tiene más de diez años, su personalidad aflora, va progresando en sus relaciones y alcanzando metas.

La autora utiliza pocas viñetas por página, no más de tres, y recurre a la ilustración a página completa para conseguir un mayor impacto emocional.

Aunque el dibujo es realista, la autora no duda en utilizar metáforas gráficas para dejar patente su estado emocional como las lágrimas que llegan a inundar la viñeta, la magnificación o la distorsión de las figuras cuando lo considera necesario. Dibujando un médico “enorme” frente a unos padres “pequeños y vulnerables”, la autora nos está exponiendo de forma gráfica el autoritarismo y la falta de empatía.

Henny, maneja en sus viñetas el blanco y el negro de manera magistral. Utiliza el claroscuro para reflejar el estado de ánimo, el negro lo inunda todo en las situaciones de máxima angustia, los grises acompañan a la tristeza, la incertidumbre o la desesperanza y el blanco predomina cuando hay que trasmitir esperanza, el cariño de sus hermanos o la alegría de ver a Beth progresar.

Quiero resaltar la parte de la obra que resume el espíritu del relato. Se trata de las viñetas en las que la Henny del futuro, del año 2015, visita a la angustiada Henny del 2001, año en el que nace Beth, una madre sumida en la oscuridad por la angustia, la desesperanza y el sentimiento de “incapacidad” de amar a su hija recién nacida. Ambas establecen un diálogo, “el camino no será fácil” dice la Henny del futuro, y comenta que todo cambió cuando la personalidad de Beth comenzó a aflorar: “Dejé de ver solo la parte de Down que había en ella, y empecé a verla por si misma”.

En definitiva, es una obra que, aunque tiene momentos dramáticos, nos trasmite la esperanza y la alegría de vivir. Y es que las personas con síndrome de Down nos conquistan desde el corazón y por eso es imposible no quererlas.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
La novela es medicina gráfica por muchos motivos, pero el principal es que habla sobre el síndrome de Down desde la perspectiva del cuidador, la madre. En la obra encontramos información sobre esta condición desde los primeros signos clínicos que se presentan en el recién nacido a sus complicaciones más frecuentes. Una de ellas es la cardiopatía congénita que afecta a Beth.

En el relato se hace un repaso a los signos clínicos que configuran lo que denominamos síndrome de Down, así como a los métodos de detección precoz y se hace mención a la alteración genética que lo provoca, la réplica del cromosoma 21, que hace que en lugar de dos haya tres cromosomas, lo que se denomina trisomía 21.  Henny a la pregunta de su hija mayor: “¿Por qué Beth tiene el síndrome de Down?” contesta de una manera sencilla: “Una pizca de material genético de más se pegó a uno de sus cromosomas”

En la novela se retrata el comportamiento de algunos sanitarios al enfrentarse  a comunicar malas noticias. Desde el personal de enfermería comprometido, que intenta que se procure una información adecuada ante una situación difícil, hasta el médico esquivo que prefiere “salir huyendo” sin dar excesivas explicaciones, dejando a los padres sumidos en la angustia que provoca la incertidumbre.

En el retrato que hace la autora de su experiencia, los profesionales de la salud no salimos especialmente bien parados. Esto nos tiene que servir para reflexionar y para mejorar en la comunicación con los pacientes y sus familiares. Me quedo con la reflexión de Robert Yates, cardiólogo del Hospital para Niños Great Ormond Street reseñada en la contraportada de la novela: “Me he sentido avergonzado de cómo solemos comunicar este tipo de noticias. Me ha hecho llorar por la angustia que tuvieron que sentir. Me he esperanzado con todo lo que Beth ha logrado. Esto debería ser de lectura obligatoria para cualquier pediatra en formación.”

El afrontamiento de una noticia devastadora para unos progenitores que van a ver como su vida cambia de manera inesperada y el proceso de adaptación se ve reflejado también a lo largo de la novela. Los prejuicios y las ideas preconcebidas, la inclusión educativa y social de los niños con necesidades especiales es uno de los temas que se tratan y pone sobre la mesa algunas carencias del sistema educativo en este sentido. Carencias que pueden ser cruciales en el desarrollo de estas personas.

En definitiva una obra de obligada lectura para pediatras, docentes y padres.

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Sana, Sanita

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: Armando Bastida y Raquel Gu.
Número de páginas: 120.
Fecha de publicación: 21 de marzo de 2019.
Editorial: Grijalbo.
ISBN: 9788425356537

TEMA
Salva es enfermero y comienza a cubrir la prejubilación de una enfermera de Pediatría de un centro de salud. Proviene de Atención Hospitalaria y el cambio a la Primaria resulta algo complicado. Maneras de trabajar muy diferentes, poca actualización profesional, y falta de familiaridad con atención a urgencias por la poca frecuencia con que tienen que atenderlas. La adaptación será dura y el protagonista tendrá que debatirse entre llevarse bien con unos compañeros con poca recepción al cambio, y mantener su integridad y aplicar los conocimientos actualizados que tiene.

PUNTOS FUERTES
Sana, sanita es una obra valiente, que pone en la palestra temas muy delicados: desde la intrusión de la industria farmacéutica y cómo algunos profesionales pueden llegar a anteponer sus intereses personales a ceñirse a las guías de práctica clínica con sus pacientes; hasta cómo algunos otros profesionales, ante una situación de estrés por atender una urgencia y no sentirse preparado para ello, suplen la falta de conocimiento con malos modales con los compañeros o los familiares de los pacientes.

De hecho, el principal problema que puede presentar la lectura de esta obra es si el lector es médico o padre primerizo/sobreprotector, puesto que, con la clara intención de llegar a transmitir el mensaje, el guionista muestra unos personajes muy exagerados que puede hacernos dar por aludidos. Es inevitable que cuando se refleja a alguien de nuestro gremio o en una situación similar, nos sintamos objeto de la crítica, aunque nuestro proceder sea diametralmente opuesto al del personaje en cuestión. Todo está al servicio de una crítica constructiva y de poder reflejar el duro proceso de adaptación de dos medios sanitarios que, a pesar de todo, son tan diferentes, tanto en manera de trabajar como de plantillas de personal y responsabilidades del equipo.

El dibujo es limpio, agradable y con un diseño de página que busca evitar la monotonía. Usa recursos como eliminar el marco de la viñeta, cambiar el tamaño y el número de viñetas para modificar el ritmo de la escena cuando proceda, y todo acompañado de un color muy sutil, de tonos suaves, que en ningún momento distrae la atención de la lectura. La dibujante proviene del terreno del humor gráfico, y se nota, por lo bien que sabe transmitir momentos cómicos, y por el uso de recursos paródicos como puede ser usar el póster de la película Uno de los nuestros para criticar los malos modos de los médicos protagonistas para salvaguardar sus intereses con la industria farmacéutica, o esa «anatomía de la mombie (madre zombie)».

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Sana, sanita es Medicina Gráfica porque narra el día a día de una consulta de enfermería de pediatría, sin dejar de lado la relación imprescindible del equipo con el médico. Toca temas de interés que afectan al funcionamiento de este tipo de consultas además de temas de Gestión Clínica y Dirección Sanitaria.

Narra la relación del enfermero con los padres de los niños que acuden a la consulta de una manera divertida y paródica, poniendo en evidencia, con humor, algunos comportamientos sobre-protectores de los padres, y reflejando muy hábilmente lo importante que es la confianza en estas consultas específicamente.

Y como siempre, esta obra debe servir a los profesionales para hacer un poco de autocrítica, saber reconocer malas prácticas, la falta de ética médica y profesionalidad, la necesidad de actualización clínica y la importancia de construir un buen ambiente para el trabajo en equipo, especialmente en la Atención Primaria. Es un libro estupendo, divertido pero a la vez muy crítico y necesario.

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El Teatro del cuerpo humano

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: Maris Wicks
Editorial: Norma Editorial
Número de páginas: 240
Fecha de publicación: Abril 2017
ISBN: 978-84-679-2635-4

TEMA
El gran teatro del cuerpo humano es un comic en el que se representa  una obra de teatro en once actos, orquestada por un esqueleto como maestro de ceremonias que nos explica todos los entresijos de la compleja maquinaria que conocemos como nuestro cuerpo. Desde los huesos hasta el intercambio alveolo capilar de los  pulmones pasando por las sinopsis neuronal.

PUNTOS FUERTES
Es obvio que no nos encontramos ante un texto académico y que la finalidad de este cómic es divulgar, es decir, explicar de forma sencilla y atractiva un tema para generar interés sobre el mismo y que sea más tarde el lector aquel que decida cuanto desea ahondar en la materia.

Para enfrentarse a la, a priori, árida tarea de narrar la complejidad de la anatomía y la fisiopatología de nuestro cuerpo, la autora se vale de dos recursos maravillosos:

Un dibujo amable, de línea clara y colores planos que podríamos englobar dentro del género “cartoon” muy atractivo visualmente, y un narrador omnisciente en forma de esqueleto director del espectáculo  que nos explica de una manera sencilla la fisiopatología humana.

La estructura del cómic es tradicional basada en viñetas y globos aunque se alterna en ocasiones con páginas completas que nos recuerdan a los tradicionales atlas de anatomía o infografias explicativas de revistas científicas.

Otro gran acierto consiste en la antropomorfización de cada uno de los elementos, ya sean órganos, elementos, células,  partículas..etc dotándoles de expresiones faciales y corporales así como de diálogo que permiten la asimilación con más facilidad del contenido así como una narración más fluida.

Teniendo en cuenta todo lo anteriormente mencionado podría pensarse que se trata de una obra orientada a público infantil juvenil y aunque de hecho es una buena manera de acercar a lo más pequeños al complejo micro-universo que forma el cuerpo humano no deja de estar repleto de información que sorprenderá y entretendrá a adultos por igual.

Otro aspecto positivo a destacar es lo bien estructurada que se encuentra la obra con una separación por temas dignas de un libro de texto pero con un hilo narrativo conductor que facilita su lectura y dota de sensación de continuidad.

En definitiva se trata de un cómic MUY disfrutable y muy recomendable tanto desde el punto de vista visual como de su contenido

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Sin duda es una obra que acerca al público en general conocimientos del área de la salud de una manera amena que la hace muy disfrutable.

Además, la obra, no solamente contiene información completa de fisiología humana sino que se mencionan algunas de las patologías más comunes e incluso aventuran la explicación de mecanismos fisiológicos que aún no están del todo claros como el del bostezo o el hipo.

Los dibujos podrían servir de inspiración para que los profesionales sanitarios se atrevan a explicar con simplicidad y a través de sus sus propios dibujos algunas enfermedades

Finalmente, podría tener su utilidad como base para explicar a los niños, ya sea como profesional de la salud o como padre, procesos fisiopatológicos de forma que pueden entenderlos, asimilarlos en incluso aceptar mejor las consecuencias o tratamientos derivados de estos.

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Habla María

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Bernardo Fernández (Bef)
Número de páginas: 154
Fecha de publicación: 2018 (en España 2020)
Editorial: Catalonia (en Chile) Astiberri (en España)
ISBN:978-6075277646/978-8417575946

TEMA
La irrupción de María en la vida de BEF marca un antes y un después. No solo como padre, sino como padre de una persona que padece autismo. Un viaje maravilloso acerca de este trastorno y de cómo afecta a la gente que lo padece y a quienes le rodean.

PUNTOS FUERTES
Esta obra es una auténtica maravilla, que logra conectar con el lector desde la primera página.

Es una obra que estéticamente es simple, no tiene viñetas en general con mucho contenido o dialogo, pero cada viñeta logra atrapar al espectador. El dibujo es sencillo y de gran potencia estética con trazo negro muy marcado. Las caras de los personajes son muy expresivas y algunas algo cómicas con grandes narices y gafas y ojitos que son apenas un trazo.

El autor hace un interesante uso del color, con un predominio inicial del azul, que representa la melancolía pero es además el color elegido para las campañas sobre el autismo. Expresado en palabras del propio autor: «La primera parte del libro viene en ese color, porque esta condición es un universo azul para los pacientes. Pero en el libro llegamos a un punto en el que el psicólogo Diego Reza nos dijo: hay todo por hacer, y entonces todo se llena de colores, tal como nos sucedió a nosotros». Los colores como expresión de las emociones tienen enorme fuerza en Medicina Gráfica.

Se establece desde el primer momento una conexión intima entre el lector, la pequeña María y su padre BEF. La voz que escuchamos principalmente a lo largo de la obra no es la de la protagonista, sino la de su padre; un enfoque propio de la medicina narrativa, donde lo importante es explorar la vivencia de enfermedad del paciente y la de su medio más cercano.

Otro punto fuerte de la obra es que logra un gran impacto emocional  mostrando con gran destreza las reaciones y emociones de BEF o su mujer. El mejor ejemplo es el descenso a la oscuridad del autor y su levantamiento progresivo, una secuencia quizás fantástica pero entendible y muy significativa.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Es un gran ejemplo de medicina narrativa gráfica, por medio de las imágenes podemos incorporar y entender mejor la experiencia de enfermedad, del paciente y su entorno. Es una obra estupenda para que los profesionales sanitarios que tratan a personas con autismo sepan entender no solo a los pacientes sino  la vivencia compleja de sus familiares. Una vez más una novela gráfica como esta sería un complemento excelente a cualquier libro de texto médico que trata sobre el tema. Enseñar a ver a la persona, más allá de la enfermedad.

Por otro lado, es una reflexión muy interesante de la importancia de “quien cuenta la historia”, puesto que la de Maria no la cuenta ella sino su padre. Esto añade perspectiva, complejidad y riqueza. Quizás seria un relato distinto si lo hubiera escrito la propia María o su madre. En el libro queda muy claro que la experiencia de paternidad de BEF esta marcada por su propia infancia, lo cual afecta sin duda a la manera en que cuenta la historia de su hija (y en parte su propia paternidad).

Habla María es una una demostración de esperanza para todas las personas que tienen familiares con esta condición. Funciona visibilizando el autismo y ayudando por tanto a desestigmatizarlo.

El autor ha comentado que la creación de este cómic le ha supuesto tambien una forma de aprender a afrontar el reto personal de tener una hija diferente, aportándole un gran efecto terapeútico.

«El amor tiene muchas formas y en este caso tiene forma de libro» ha dicho de él Liniers.

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Llamadme Nathan

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: Catherine Castro y Quentin Zuttion.
Número de páginas: 144.
Fecha de publicación: 28 de marzo de 2019.
Editorial: Astiberri.
ISBN: 9788417575274

TEMA
Lila es una niña que desde su infancia no se siente cómoda con ropa femenina y que, a medida que la pubertad comienza a cambiar su cuerpo, es consciente de que se siente hombre. Lila tendrá que dejar paso a Nathan, que intenta salir de ese cuerpo femenino y llegar a uno con el que se sienta identificado. Llamadme Nathan cuenta el paso de la infancia a la mayoría de edad, donde por fin podrá llevar a cabo ese cambio con tratamientos médico-quirúrgicos y conseguir su identidad de género civilmente.

PUNTOS FUERTES
Llamadme Nathan es una obra que aborda con franqueza y sin necesidad de usar ningún tipo de tabú el tema del transgénero en la infancia/adolescencia y de la propia disforia de género que suele acompañar en mayor o menor medida a este tipo de personas. Lo hace en primera persona, con la fortuna para nuestro protagonista de que su familia lo apoya. De hecho, una de las cosas que más interesante  resulta son unas pocas páginas intercaladas en la historia en las que cada miembro de la familia cuenta cómo vive la situación, sus miedos e inquietudes.

La imprescindible y dura lucha por los derechos LGTBI puede llegar a dar la sensación de que el que un familiar sienta angustia, por no saber afrontar la situación, no se puede tratar para evitar dar la sensación de que no es una ansiedad comparable. Los autores lo cuentan de manera aparte, pero me parece bien que muestren también ese «no saber llevar la situación». Hay una escena en la que el hermano pequeño lora porque no quiere «dejar de tener una hermana» que me parece entrañable.

La obra tiene un dibujo muy sencillo, con un diseño de página muy simple y nada llamativo, que se centra en la historia y no pretende «distraer» al lector. Pero hay momentos muy concretos en los que se percibe todo lo contrario: Zuttion recurre a escenas, generalmente a doble página, en las que se busca el impacto en el lector, bien sea con Nathan arrancándose unos pechos que le espantan, o una viñeta en la que, tras una visita al vestuario de chicas, se siente asfixiado entre los voluminosos pechos de las adolescentes, o una representación gráfica de toda la cirugía a la que se tendrá que someter el protagonista.

La obra está basada en un caso real, conocido de la guionista, y se nota que busca contar su historia y su proceso a lo largo de los años contando lo bueno y lo malo. Es una historia que puede tender a necesitar contar solo lo malo para conseguir más impacto en el lector, pero sin embargo también cuenta buenos momentos con amigos o familiares, así como la aceptación de personas que le rodean y que llegarán a defenderlo frente a la ignorancia habitual que hay acerca de estos temas.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
A pesar de que según el CIE-11 la disforia de género ya no se considera enfermedad, son muchos los procedimientos que hay que atravesar para el cambio de sexo: endocrinólogos, psicólogos… Todo esto se ve reflejado en las páginas de esta obra: el proceso hormonal, los tratamientos médicos y quirúrgicos que se necesitan son tratados con mayor o menor profundidad.

Además, el trastorno de identidad de género que vive Nathan va acompañado de una serie de síntomas que sí son patológicos: se escarifica los brazos como rechazo/autocastigo, y vive momentos de ansiedad y ánimo depresivo, así como irritabilidad por la sensación de incomprensión de su entorno.

No solo es importante el manejo médico-quirúrgico de la reconversión física sino el acompañamineto psicológico de un proceso que puede llevar años.

Es importante que el profesional entienda la carga mental y el estrés que esto puede suponer para pacientes que comienzan este camino.

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God Country

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: Donny Cates y Geoff Shaw
Número de páginas: 184
Fecha de publicación: 28 de febrero de 2019
Editorial: Panini Cómics
ISBN: 9788491676430

TEMA
Emmett Quinlan es un anciano con enfermedad de Alzheimer que progresa exponencialmente. Vive sólo, tras la muerte de su esposa, y solo tiene a su hijo, que vive con su mujer y su hija. El comportamiento cada vez más violento de Emmet se vuelve insostenible. Un día, un tornado sobre su pequeño pueblo traerá una criatura demoníaca. El anciano se hará con una espada mitológica que, además de permitirle luchar contra todos los desafíos que se avecinan, le cura por completo su enfermedad. A continuación, la historia se llenará de enfrentamientos con dioses y todo tipo de criaturas, en una aventura que gana en épica a cada página que pasemos.

PUNTOS FUERTES
La obra es muy interesante por cómo mezcla temáticas y conceptos muy variados, lo hace con habilidad y consigue construir un buen relato con algo que se podía haber ido de las manos con suma facilidad. Mezcla temática de aventuras, de conflictos familiares (probablemente el tema principal de la obra) y de fantasía y mitología.

Su narrativa es rápida y directa, dando poca tregua al lector, y construyendo unos cliffhangers para cada final de capítulo que «obliga» a continuar la lectura.

Los personajes están inteligentemente construidos, con muy buena dosis de realismo, pese al marco fantástico y dando una serie de motivaciones a cada uno de ellos que, independientemente de que empaticemos o no con ellos, son comprensibles hasta cierto punto, actúan de manera lógica.

El dibujo de Shaw aporta realismo y suciedad a partes iguales, que casan muy bien con el escenario de ese pueblo sureño estadounidense. Con una preferencia por viñetas apaisadas, da una curiosa sensación cinematográfica, que nos evoca a las historias disfrutadas en pantalla grande.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Esta obra es eminentemente fantástica y la inclusión en nuestro catálogo puede parecer discutible. Pero es muy interesante cómo está tratada la enfermedad de Alzheimer desde el punto de vista del cuidador… pero también desde el del propio paciente.

La enfermedad supone un problema para la familia del hijo, que ve cómo su padre está cada vez más violento, rechaza la ayuda y no reconoce el problema de escaparse en mitad de la noche y montar escándalos con sus vecinos. El hijo no sabe gestionarlo, y su esposa se muestra cada vez más reacia, viendo que el comportamiento violento de su suegro empieza a afectar a su propia hija. Es una situación real, que afecta a muchas familias que se debaten entre la necesidad de cuidar a sus familias y la incapacidad de poder hacerlo en condiciones.

Es interesante y novedoso ver un punto de la historia en el que el protagonista es consciente de su enfermedad y de que los poderes concedidos por la espada le «curan».  Es comprensible cómo aquellos cuidadores que se ven superados por una situación que no saben gestionar puedan llegar a dejar en segundo plano la propia vivencia de la enfermedad de su familiar enfermo, y aquí se recuerda con sutilidad y resulta especialmente impactante.

Una peculiar obra para reflexionar sobre la manera en que la enfermedad de Alzheimer afecta no solo al individuo sino a toda la familia e incluso grupo social más amplio.

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María Cumple 20 años

FICHA TÉCNICA
Nombre de autores: María y Miguel Gallardo
Número de páginas: 66
Fecha de publicación: Marzo 2015
Editorial: Astiberri ediciones
ISBN:978-8415685937

TEMA
A la protagonista de esta obra, María, ya la conocimos años atrás. Nos la presentó Miguel Gallardo, su padre, en “María y yo” (que cuenta con su propia reseña en Medicina Gráfica). Miguel Gallardo nos relata ahora el paso a la edad adulta de su hija, que padece autismo.

PUNTOS FUERTES
“María cumple 20 años” puede interpretarse como una continuación de “María y yo”, pero con logros propios. En su estructura y planteamiento son similares. Desde un punto de vista gráfico, la obra se presenta en tres colores (blanco,negro y azul) aunque en el aspecto puramente formal las páginas difieren entre sí. En algunas páginas los marcos de las viñetas están más cuidados y el dibujo más detallado, en otros casos los primeros se construyen a base de trazos múltiples o desviados, los dibujos aparecen abocetados, y la rotulación intencionalmente irregular, construyendo con todo ello un efecto de espontaneidad o apresuramiento. Se consigue así que el lector, además de conocer la situación en que se encuentran los personajes, se identifique con las sensaciones y la experiencia. Gallardo utiliza técnicas expresionistas, como emborronar completamente la cara de María para describir gráficamente las conductas repetitivas de carácter obsesivo que él llama “bucles”, o una referencia perfectamente identificable a “El Grito” de Munch con su propia hija como protagonista.

Gallardo nos cuenta también cómo la música y el dibujo se han convertido ahora en intereses importantes para María, quien se vale de ellos para comunicarse. El libro incluye reproducciones de muchos de los dibujos que María hace. También deja constancia de cómo ha convencido a muchas de las personas que la rodean para que utilicen el dibujo como una herramienta de comunicación con ella misma.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Si en “María y yo” Gallardo conseguía que conociéramos el mundo psíquico y relacional de su hija con autismo, en “María cumple 20 años” consigue hacer que lo compartamos. Más allá de las anécdotas, el mayor valor de esta obra desde el punto de vista de la medicina gráfica es el modo en que el autor plasma la forma de ver y vivir en el mundo, de una persona con trastorno del espectro autista. Permite al lector experimentar  vivencias y sensaciones que él mismo, como padre, tiene en su compañía.

La referencia a la necesidad de María de comunicarse mediante el dibujo no resulta sorprendente, pues es sabido que muchas personas con autismo tienen más facilidad para acceder a los conceptos e ideas mediante su representación gráfica que mediante su más abstracta y convencional representación escrita. Queda patente que el dibujo como herramienta de comunicación es extraordinariamente útil. Gallardo, que como autor de cómics lleva décadas comunicándose con dibujos, nos cuenta aquí el modo en que esa herramienta es relevante, de forma bidireccional, para facilitar y complementar la comunicación con María y dedica atención y espacio en la obra a describir y representar el tipo de dibujos que les resultan útiles.

En una reflexión final, Gallardo presenta de un modo absolutamente explícito su preocupación (su angustia) por el futuro de su hija cuando sus padres ya no estén. Una preocupación común a todo padre o madre de una persona con capacidades diferentes. “El futuro que pensábamos que no llegaría nunca”, dice, “ya está aquí y es ahora”. “No hay un manual de instrucciones, y en la siguiente parada sólo habrá más preguntas”. Centra sus expectativas, sus esperanzas, en todas las personas que, además de sus padres, quieren a María: lo que él llama su Red de cariño.

Tras la experiencia de “María y yo”, Gallardo es consciente de que está haciendo Medicina Gráfica: es decir, de que su experiencia, presentada del modo en que la cuenta, permitirá a sus lectores entender mejor a las personas con trastornos del espectro autista, y que ello repercutirá favorablemente en la calidad de vida de estas personas y de quienes se preocupan por ellas. No en vano el epílogo del libro está escrito por la jefa de la Unidad de Salud Mental Infanto-Juvenil del Hospital Universitario Mutua de Terrassa, quien, en su último párrafo, destaca la responsabilidad de todos en conseguir que el camino a la edad adulta, y en la edad adulta, de personas con capacidades diferentes, sea un camino luminoso que permita el desarrollo de todo su potencial con los apoyos necesarios, y deje de ser fuente de angustias e incertidumbres para sus padres.

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Mía se hace mayor | Bruno se hace mayor

FICHA TÉCNICA
Autora:Mònica Peitx Triay
Ilustradora: Cristina Losantos Sistach
Mía se hace mayor-Editorial Juventud, S.A.;
Edición: mayo 2016  ISBN: 978-8426143563
Bruno se hace mayor-Editorial Juventud, S.A.;
Edición: septiembre 2018 ISBN: 978-8426144843

TEMA
Dos libros independientes que tratan sobre los procesos puberales que afrontan por separado un chico y una chica: Bruno y Mía.

PUNTOS FUERTES
Estamos ante libros que por su estructura no encajan exactamente en el formato “cómic”  aunque tampoco se contextualiza en un típico libro ilustrado. Podríamos decir que tiene un formato mixto. En su diseño, vemos como juega con las diferentes tipografías para dar a conocer quien está hablando, por una parte adapta una tipografía básica para explicar algún proceso o contextualizar (como si fuera una voz en Off), y por otra emplea otra tipografía simbolizando la conversación que se produce en primera persona por parte del o la protagonista o de la profesional. Al mismo tiempo, en cada página nos encontramos con dibujos tipo viñetas ilustradas en un único dibujo o en varios, con bocadillos de texto.

El relato es fácil y sencillo, marcando cada uno de los cambios puberales que surgen en la chica y el chico. La forma como es capaz de reflejar toda la información de una forma plana y asequible para un lector infantil o adolescente es muy de agradecer, cada página hace hincapié a alguna característica del cambio que experimentan los protagonistas. Toda esta información revelada en el libro es gracias a la pediatra Mònica Peitx especializada en endocrinología, quien de una forma llana y natural expone la información deseada y necesaria para que el lector adquiera una perspectiva de todas las modificaciones esperados durante los años de desarrollo puberal.

Cristina Losantos ilustra cada página con unos dibujos que encajan a la perfección con el texto y como es habitual en ella expresa estéticamente en cada ilustración un cúmulo de detalles que hacen que el lector se sienta a gusto, cada objeto o elemento que introduce en el dibujo es planteado como si tuviera vida propia, mantienen alguna funcionalidad, ello hace que uno se pueda recrear en cada viñeta suscitando sensaciones de diversión, intriga, risas,…  o despertando curiosidades que se acoplan perfectamente al texto.

En conjunto se da respuesta a todos los cambios que va a sufrir el cuerpo, no solo físicos si no también sociales y psicológicos. Y lo hace en apenas 50 páginas, sin enredarse en contenidos superfluos o de relleno, es un material para informar a adolescentes y familias. 

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Hacerse mayor es un impacto que no deja de sorprender aunque sea un momento esperado tanto para las chicas como para los chicos. A pesar de que estamos en una época que es sumamente fácil encontrar información, sorprende ver todavía la ignorancia y el pudor para hablar de estos temas entre los jóvenes y sus familiares. Este libro está dirigido a las personas jóvenes pero también es una muy buena fuente de conocimiento para padres, madres, otros familiares y para hermanos y hermanas. Es fácil iniciar conversaciones para hablar de las variaciones corporales que se producen durante la edad puberal teniendo de referencia este libro.

Hay respuestas a preguntas naturales como: ¿Pechos? ¿Barba? ¿Tops? ¿Cambios de humor? ¿Sostenes? ¿Dormir más? ¿Pelos? ¿Depilarse? ¿Regla? ¿Compresas? ¿Tampones?, preguntas simples que afronta la juventud y necesitan respuestas comprensibles, que para muchos padres y madres pueden crearles angustia en cómo contestarles.

Es un recurso muy útil para los profesionales de la salud que establecen vínculos con jóvenes de entre 8 y 14 años, sea cual sea el ámbito asistencial o profesional. Es un material que de la primera a la última página trata sobre informaciones útiles para chicos o chicas en edad de los cambios puberales. Al ser un concepto natural y normalizado, es una buena obra para recomendar en cualquier campo de actuación, ya que de forma transversal puede facilitar conocimientos a los jóvenes atendidos sea cual sea el motivo de consulta o circunstancia por el que es atendida.

Es un buen álbum de contenido ilustrado que aligerará las inquietudes a más de una chica o chico que pase por esta fase de su desarrollo, y que simplificará la labor del profesional para proporcionar la información adecuada al proceso de cambio o resolver cualquier duda que puedan presentarle.

A pesar de no ser patografías gráficas, tal  y como solemos reseñar, es sin duda un material útil en consultas. Existe material similar pero por su sencillez y la credibilidad profesional de la autora, nos parecía digno de revisión aquí.

PREMIOS
Premio Crítica Serra D’Or, 2017 (Ganador)
Premio Jaume Aiguader i Miró (divulgación y educación sanitaria), 2017 (Ganador)
Mejor libro para más de 9 años, Salón del Llibre Infantil i Juvenil de Catalunya, 2017 (Ganador)

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Mi heroína

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Toni Carbos, Javier Cosnava.
Número de páginas: 112 págs.
Fecha de publicación: diciembre de 2018.
Editorial: Dibbuks.
ISBN: 978-84-936880-1-1

TEMA
“Mi heroína” es la historia de la relación de dependencia y sumisión de Toni, un dibujante muy volcado en su trabajo, con la heroína. La soledad, sumada al duelo por la muerte de su padre y el ambiente de mala gestión emocional familiar le hunden progresivamente en el abismo, haciéndole muy difícil abrir los ojos y conducir su vida hacia el sueño de ser un gran dibujante de cómics.

PUNTOS FUERTES
La historia se divide en seis capítulos. Cada uno está compuesto por una serie de ilustraciones acompañadas de texto y un breve comic al final. Las ilustraciones, dibujadas con trazo grueso y pintadas con colores grises y azules, consiguen transmitir el mundo frío y anodino que percibe el personaje. En ellas aparece el protagonista acompañado de una mujer que personifica a la heroína, mostrando el mundo interno del personaje. El texto que acompaña las ilustraciones comienza repitiendo una misma frase por cada capítulo, como si de un responso se tratara: “la heroína es mi maltratador, mi amante soñada”, “la negra parca me está dando alcance”, “me enfrentaré de una vez por todas al silencio”, “la droga ha intentado convertirme para siempre en su prisionero”, “lo peor que puede ocurrir es que mi sueño se cumpla”, “me hundo irremediablemente en la profundidad del abismo”. Por último, con los fragmentos de comics se da voz al protagonista y entramos su realidad; su desmotivación con el trabajo, la relación con madre, su ambiente familiar y sus sueños en soledad. Tienen gran importancia los silencios, apenas hay diálogos, mezclándose varios puntos de vista en torno a una acción que nos hacen tener la sensación de que suceden en un tempo lento.

Algunas de las metáforas que incluye el autor a lo largo de la historia:

  • La primera se encuentra en la portada: la heroína sostiene entre sus manos el cerebro de Toni, que corre tras ella para recuperarlo.
  • Hay una imagen que se repite a lo largo de la historia y es la de Toni con grapas en los ojos, que le impiden ver la realidad. Asegura que la realidad ha dejado de significar gran cosa para él, y la droga le confunde y gobierna. No duerme bien, no puede dibujar, no sueña…se ve reducido a la nada. Llega un momento en que decide abrir los ojos y “chillar el dolor que callan otros, aunque duela”; no soporta el silencio que sepulta a su familia y la mantiene inmersa en el dolor por la muerte de su padre.
  • La heroína, en forma de bella mujer, se mira al espejo y recibe como reflejo la imagen de la muerte, el final que le espera a nuestro protagonista, que aparece reflejado en la guadaña en la ilustración siguiente.
  • Al final aparece una marioneta del cuerpo de Toni sostenida por la muerte, imagen de cómo la heroína ha controlado los hilos de sus movimientos y acciones.
  • Tras su muerte, Toni se encuentra con Anubis, el conductor de las almas; encuentro que esta vez sí, es inundado por el color. De pronto se da cuenta de cómo la sabiduría y los excesos que acumuló no le sirvieron para cumplir su sueño de ser dibujante. El dios egipcio le convierte en el ser más elevado de la creación: un niño, dándole la oportunidad de empezar de nuevo.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Este relato puede ser útil para profesionales de la salud que trabajen con pacientes drogodependientes a la hora de organizar talleres, o bien que organicen campañas de prevención,  ya que muestra con bastante crudeza (tanto por las palabras como por el estilo de dibujo) cómo ante una adicción tu vida deja de ser tuya.

Hay un momento en el que el autor se dirige al lector directamente, al más puro estilo “choose life” de Mark Renton, recomendándole huir de la pesadilla, ya que él no puede: “tú aún puedes levantarte de tu asiento y abandonar el salón de los sueños. Hazlo por favor. Mi puerta se ha cerrado. Ya no puedo escapar a mi destino. Pero tú podrías”. Si bien en uno de los capítulos anteriores había tenido la fuerza suficiente para enfrentarse a su adicción y al silencio contando su historia por medio de un cómic (“me enfrentaré de una vez por todas al silencio”), al final Toni lo único que ve posible es aconsejar a otros que huyan en cuanto puedan.

En definitiva, “Mi heroína” refleja como ciertos factores de riesgo pueden hacer caer en una adicción. Nuestro protagonista los identifica como “fracaso, soledad, bloqueo del dibujante, autor inmaduro”. Todo ello, sumado al asilamiento social, el descuido de las relaciones personales y la autoexigencia laboral le llevan a aliviar sus inseguridades y vacíos internos en compañía de la heroína, que al representarse personificada nos hace ver cómo llega a ocupar el puesto de pareja sentimental de Toni.

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Kiwi

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Abel Ippólito
Número de páginas: 64 página (24 x 32 cms)
Fecha de publicación: 2017
Editorial: Africa Edita/Verkami
ISBN: 978-84-697-8058-9

TEMA
Una sociedad supersticiosa regida por tres mandatos sagrados que deben ser cumplidos. El primero de ellos es que el nacido maldito será sacrificado por el rey. Svlak, un rey estricto y orgulloso, debe matar a su hijo recién nacido, un maldito, pero su mujer antes de morir le pide que no lo haga. El rey esconde a su hijo, pero años después debe hacerse cargo de él.

PUNTOS FUERTES
El Rey Svlak debe matar a su hijo recién nacido, pero la última voluntad de su mujer es que no lo sacrifique. Su mujer muere tras el parto y el rey simula un incendio en la cabaña para esconder a su hijo, «un maldito», y dejarlo a cargo de la hechicera-partera lejos del poblado. El rey incumple uno de los mandatos sagrados en una sociedad supersticiosa que predice grandes desgracias y maldiciones si alguno de estos mandatos se incumple.

La historia utiliza como trasfondo la superstición que en los pueblos antiguos provocaba el nacimiento de niños con alteraciones  y/o malformaciones, en este caso “el maldito” es un recién nacido con rasgos que caracterizan al Síndrome de Down. La tradición de ese pueblo guerrero, enmarcado en un periodo cercano a la edad media y en la cultura nórdica, establece que todos los niños con Síndrome de Down sean asesinados nada más nacer, pues si este mandato no se cumple maldiciones y desgracias recaerán sobre el pueblo.

Años después del nacimiento del hijo de Slav, el pueblo vive una situación de escasez y hambruna y los habitantes buscan un culpable a sus desgracias. El rey decide autoexiliarse para cuidar a su hijo, ya que la hechicera que lo cuidaba fallece. El rey se tiene que hacer cargo de un hijo al que repudia, un hijo al que no acepta, un hijo sin nombre…un maldito. Pero la convivencia con su hijo, Kiwi, hará cambiar de opinión al exiliado rey, aceptándolo como compañero de viaje, pero tiene que esconder el rostro de su hijo bajo una capucha para no levantar sospechas.

La historia nos transporta a un mundo pasado, en una sociedad llena de prejuicios ante el nacimiento de un niño con Síndrome de Down, siendo el punto fuerte de esta obra la reflexión de si en nuestra sociedad actual todavía existen esos prejuicios. Reminiscencias de un pasado arraigado en las sociedades.

Abel Ippólito utiliza un estilo que recuerda a los comics de aventuras de tradición franco-belga. Con trazo limpio y rasgos sencillos hace que los personajes, aunque están enmarcados en una sociedad cruel, hagan el relato más amable. Realiza un inteligente uso del color en las viñetas predominando un tono u otro según el estado de ánimo que quiere trasmitir.

Esta obra fue editada a través de una financiación colectiva (plataforma Verkami) lo que le da un  mayor valor social y colaborativo.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Se cree que el Síndrome de Down ha existido durante toda la historia de la humanidad, aunque hay muy pocos registros arqueológicos de este síndrome. El síndrome de Down fue descrito por primera vez por el médico británico John Langdon Haydon Down en 1866 y el genetista francés Jérôme Lejeune en 1958 descubrió la alteración cromosómica que lo producía, la trisomía del del par 21.

La novela trata un tema repetido a lo largo de la historia de las civilizaciones, el rechazo que provocaba en las diferentes culturas el nacimientos de niños con algún tipo discapacidad y/o malformación. Era habitual el infanticidio cuando se observaban anormalidades en los niños y niñas. Si eran adultos se los apartaba de la comunidad, ya que se los consideraba incapaces de sobrevivir, aunque en la historia de la medicina también existen excepciones a esta norma.

La obra que estamos analizando nos expone esta cruda realidad en una sociedad ficticia y nos llama a reflexionar sobre los estigmas sociales que la discapacidad provoca en la sociedad tanto a lo largo de la historia como en la sociedad actual.

Aunque el relato está enmarcado en una sociedad con unos valores muy distintos a los nuestros, el autor nos muestra un atisbo de esperanza en el ser humano, en la capacidad de cambiar y de aceptar al otro en su diversidad, en la figura de un rey fuerte, orgulloso y estricto que es capaz de saltarse las normas por el amor a un hijo y aceptarlo en su discapacidad… solo una pega a la obra de Abel Ippólito, te deja con ganas de que la historia continúe ¿para cuando la segunda entrega?

Una obra fantástica para la reflexión.

 ENLACES DE INTERÉS
Africa Edita

Mi vida en Barco

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: TadaoTsuge.
Número de páginas: 624.
Fecha de publicación: Mayo de 2019.
Editorial: Gallo Nero.
ISBN: 978- 8416880843.

TEMA
KentaTsuda es un escritor que saltó a la fama por ganar un premio de novela hace muchos años. Desde entonces ha publicado algunas otras obras sin demasiado éxito, y se mantiene gracias a la tienda de ropa que gestionan su mujer y sus dos hijos. En busca de la inspiración para una nueva novela, compra una barca donde se dedica a pescar y a pasar días viviendo aislado del resto del mundo pensando en su vida, la pesca y otro buen número de temas, propiciado también por la gente que se va encontrando y que va conociendo en su nueva vida. Pero su salud se va resintiendo cada vez más y las jornadas de aislamiento en su barca le propician algún que otro susto.

PUNTOS FUERTES
Mi vida en barco es un manga para adultos (seinen manga), contada en un tono muy sosegado y tranquilo. Cuenta el día a día de la vida de Tsuda, sin ninguna trama concreta, ni ningún hilo argumental claramente identificable. Se puede incluir en obras de tipo slice-of-life en las que la acción acompaña a un personaje en su vida diaria, haciéndonos testigos de la gente que se cruza en su camino, y las cosas que le van sucediendo a diario.

Obra de corte realista, en la que se nos presenta a un personaje más bien egoísta, que en lugar de centrarse en su carrera como escritor o ayudar a su familia a llevar la tienda, prefiere irse a pasar largas jornadas de pesca en su barco y obsesionarse por pescar una carpa legendaria de más de 60 cm. Sin embargo, el autor es capaz de hacer interesante la historia de un personaje que, en más de una ocasión, nos provocará rechazo.

Para el lector occidental, que no esté muy familiarizado con la cultura oriental, algunos pasajes le pueden resultar algo ilógicos o incoherentes. Cuando el protagonista es diagnosticado de una infección crónica por hepatitis C, y este se muestra pasivo ante la enfermedad, la familia respeta esa decisión, incluso viendo que está realmente enfermo. Igualmente en otras escenas vamos a ver un excesivo respeto por las decisiones del cabeza de familia por parte de su familia, que en occidente veríamos impensables.

El dibujo es muy sencillo, carente de sombreados o tramas muy poco elaboradas, lo cual contribuye bastante a ese tono intimista de la obra, y favorece ese carácter del protagonista, muy pasivo y con tendencia a la procastrinación en su día a día. El cierre de la revista donde se estaba publicando obligó al autor a modificar el final del último capítulo para dar un final coherente y satisfactorio, aunque da la sensación de que nos queda más por saber de lo que sucede con Tsuda.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Para ser sinceros, la Medicina Gráfica ocupa apenas 40-50 páginas de las 624 de toda la obra. Está en muy segundo plano, y vamos a ver en sus primeros capítulos cómo el protagonista sufre dolores abdominales, intolerancia digestiva y malestar, llegando a presentar cuadros de mareo y debilidad que incluso le conducen a padecer ciertos delirios que podrían deberse a fiebre alta.

Pero en la segunda parte de la obra vamos a ver el diagnóstico de la infección por hepatitis C y se nos presentan las teorías sobre cómo pudo contagiarse, puesto que en cierto momento el protagonista trabajó con muestras de sangre para transfusiones. Está explicado de una manera muy detallada, y muestra además las pocas medidas profilácticas en la manipulación de este tipo de muestras que se exigían hace algunas décadas. Es pues interesante desde el punto de vista de contar la sintomatología como el de llamada a la reflexión sobre la autonomía del paciente y la importancia en la prevención de estas enfermedades de transmisión.

La enfermedad no es el centro de la obra, y se puede decir que es una más de las aventuras que van sucediendo en su día a día para el protagonista, en lugar de un punto de inflexión que condicione a ninguno de los personajes. Al ser una obra del año 2000, sí permite ver un poco con contexto histórico los avances en cuanto a tratamiento en las últimas dos décadas.

Referencias externas:
Gallo Nero Editorial 
Tienda de Amazon 

El club de las batas blancas

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Yo, Doctor (Guido Rodriguez de Lema y Juan Sánchez-Verde)
Número de páginas: 152
Fecha de publicación: Junio de 2019.
Editorial: Plan B
ISBN: 978-84-17001-92-6

TEMA
Bruno, residente de primer año de Medicina de Familia es invitado a cenar por un grupo de residentes de otras especialidades del hospital en el que hace guardias de Urgencias. La cena transcurre entre anécdotas clínicas y críticas a profesionales y pacientes. Solo al final de la comida descubre Bruno cuál es la verdadera razón para esta reunión.

PUNTOS FUERTES Y POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
«El Club de las Batas Blanca es un comic que no deja indiferente. Serán los médicos que han pasado por la experiencia de realizar el MIR los que más “jugo” le sacarán, pero esto no quiere decir que sea un cómic solo para médicos, ni mucho menos, el público general va a disfrutar con un relato divertido y que desmitifica la profesión médica, en ocasiones demasiado idealizada.

En el cómic encontraremos anécdotas de todo tipo, algunas algo escatológicas, crítica y humanidad. El médico aparece como ser humano en todas sus dimensiones»

Rafa Marrón

 

«El Club De Las Batas Blancas construye un grupo de personajes creíbles y redondos cuyas anécdotas sirven de trampolín para conectar con el lector. Es fácil, si eres sanitario, sentirte identificado con ellos o ver en ellos a algún compañero. El libro, de una forma u otra, no deja títere con cabeza, pues, aunque es principalmente crítico con la actitud de algunos pacientes (incluso podría usarse como educación sanitaria) también lo es en algún caso con el comportamiento de algunos médicos. Nos muestra la realidad de la Medicina, alejándose de la imagen idealizada del médico al que estamos acostumbrados en la ficción, para dar un enfoque más de «a pie», pero siempre intentando darle un toque de humor (con la escatología a la que muchos sanitarios estamos acostumbrados). Divertido y de lectura amena, también sabe tocar la fibra sensible cuando toca. La obra, tanto por su forma de narrar como por la construcción de personajes, sorprende que venga de la mente de unos «primerizos» en la materia. Una maravilla que ningún sanitario debería perderse y que tampoco le iría mal leer a más de un paciente… ¡Ah!, y para los frikis del lugar, no olvidéis mirar los cuadros del fondo, reconoceréis más de un logo…»

Daniel Sender

 

«El Club De Las Batas Blancas aporta una mirada al ámbito médico absolutamente desnuda de prejuicios. Si uno colocara a un niño sin temor a describir lo que ve en un servicio de Urgencias, saldría la esencia de este libro. Los médicos aparecen desmitificados, sin poderes sobrehumanos, con sus miedos, su cansancio, sus errores, su asco a lo escatológico, su sentido crítico y su sentido del humor. Los pacientes, mientras tanto, descargan sus problemas y con frecuencia sus miserias en el medio sanitario. El infantilismo social, las expectativas incumplibles y el abuso del sistema son constante. Una descripción con tanta sinceridad y transparencia convierte este libro en una absoluta bomba sin precedentes. Existen comentarios y conversaciones frecuentes entre médicos que de alguna manera nos ayudan a mantener la cordura en un medio tan agresivo como la Urgencia. Verlo convertidos en un cómic para lectura general resulta inquietante…¡como si nos dejaran desnudos!.

Esta novela gráfica conlleva una enorme madurez de Juan y Guido, como ilustradores y como médicos. Como ilustradores, la estética del libro es impecable. Utilizan viñetas en tonos de grises y con tamaños variables y con personajes muy expresivos y fáciles de reconocer. El hilo conductor es un menú de restaurante que le aporta gran originalidad. La calidad del dibujo es excelente, muy bien acabado. Como médicos, su capacidad crítica hacia si mismos, colegas y pacientes es admirable. Y todo sin perder la esencia del humanismo. Uno de los mensajes más potentes de El Club De Las Batas Blancas y que se desvela más bien al final es el miedo intenso a hacer daño que tenemos los médicos y el terror a las consecuencias de nuestros inevitables errores. Esta novela gráfica puede resultar ofensiva a pacientes y a médicos pero una vez superada esta sensación, es una libro magnífico para la reflexión sobre el uso del sistema sanitario y la dureza de la profesión del médico.

Es un privilegio tener a los componentes de Yo Doctor como miembros del equipo de Medicina Gráfica»

Mónica Lalanda

 

«Quiero destacar las dos páginas en las que los autores analizan la tipología de familiares y acompañantes del enfermo con los que los sanitarios deben interactuar durante un ingreso hospitalario. Bajo lo que se presenta como una crítica mordaz, se ofrecen posibilidades de reflexión a los profesionales sanitarios sobre su propio abordaje y manejo de la situación de inseguridad y, a veces, indefensión con que los familiares afrontan la que, sin duda, puede ser una de las situaciones más estresantes de sus vidas. ¿Por qué los familiares se angustian ante situaciones que no representan un riesgo real, como que transcurran unos minutos antes de que se cambie un suero vacío? ¿Por qué son incapaces de discriminar la información relevante de la innecesaria? Todo ello no es más que fruto de la desconocimiento, que el profesional sanitario podrá ir paliando con paciencia y comprensión. ¿Por qué el familiar no se atreve a interrumpir para preguntar algo, y espera en las proximidades del profesional a que se presente una oportunidad ideal que nunca llega? ¿De verdad cabe atribuir a simple comodidad el hecho de que se inhiba en el hospital ante actividades de cuidados básicos del enfermo que en el domicilio realiza con asiduidad, o más bien es una manifestación bienintencionada de inseguridad, de no querer tomar iniciativas que, en su ignorancia, considera que podrían interferir o distorsionar el plan de cuidados diseñado para el enfermo? Cualquiera que alguna vez haya estado en un hospital acompañando a un ser querido podrá verse reflejado en alguno de los comportamientos que los autores atribuyen a los familiares. Porque, sin duda, el principal síndrome que describe a la mayoría de acompañantes en el hospital es una variante, matizada por la forma de ser de cada cual y por su capacidad o habilidad para manejar situaciones estresantes, del síndrome de Estocolmo, traducido en una obsesión por colaborar sin causar molestias adicionales con quienes tienen los conocimientos y los medios para acortar o aminorar el sufrimiento de su ser querido y, con ello, la angustia que les atenaza.»

José Luis de la Fuente

 

La técnica del dibujo, me fascina. Son trazos rápidos y muy característicos de ellos dos. Inspirarán a muchos profesionales a intentar hacer con dibujos sencillos algunas viñetas de su cotidaneidad. El argumento, me encanta. Han elegido unas tramas llenas de anécdotas que reflejan bien los dramas del día a día, tanto para pacientes como para médicos. Quizás se echa un poco de menos la presencia de otros actores del medio sanitario (enfermeras, auxiliares, celadores…etc).

Explica muy bien la evolución social de la figura del médico que ha pasado de ser varón, raza blanca, nacional y heterosexual a ser simplemente representativo de una sociedad variada y multicultural así como a la nueva posición de la mujer.

El Club de la Batas Blancas es ya un libro de referencia en Medicina Gráfica. el número de obras creadas por profesionales sanitarios crece y crece.

Tolo Villalonga

 

Una obra con todos los ingredientes para proporcionar un rato de lectura muy entretenido. Permite ver al profesional sanitario desde otro punto de vista que, difícilmente se tiene en cuenta cuando se acude a la urgencia. Una forma muy inteligente de reunir las anécdotas dándole una forma historiada e incluso un sentido a esa sucesión de historias llamativas y divertidas y con una moraleja final muy entrañable. Una obra brillante y muy bien estructurada. Algunos recursos narrativos muy originales. Permitir ver a los sanitarios desde otra perspectiva y sin duda habrá sido terapeútico para los autores. El club de las batas blancas es la novela gráfica de Yo Doctor, aunque viendo lo bien que se han desenvuelto en ella, nadie diría que se trata de una ópera prima.

Alejandro Martinez

ENLACES DE INTERÉS
Web del Autor
Editorial Penguin Random House
Tienda de Amazon

El Club de las canguro

FICHA TÉCNICA
Autora: Raina Telgemier
Páginas: 152
Fecha de publicación: 2019
Editorial: Maeva Young
ISBN: 978-84-17708-01-6

TEMA
El secreto de Stacey se trata del segundo tomo de El club de las canguro, colección de cómics destinada a todos los públicos. Su protagonista es Stacey, una adolescente que padece diabetes y que se muda a otra ciudad. Allí pasa a formar parte del «club de las canguro», un grupo de chicas que en su tiempo libre cuidan niños.

PUNTOS FUERTES
Estamos ante una novela gráfica ágil, sencilla, de fácil lectura y con una trama de aventuras de adolescentes. Técnicamente es una novela con un dibujo agradable, manteniendo un estilo clásico en su composición, nada complicado. Conserva una estructura de viñetas encuadradas en general de 5 o 6 cuadros por página. El dibujo es colorido, con un pequeño volumen de sombra que acompaña a las figuras. Las escenas de cada recuadro están cuidadas o con algún fondo que sitúa el contexto de la historia o mediante un fondo del mismo color.

El grupo de las canguro pasa por un momento de apuros al aparecer la competencia inesperada de otro grupo de jóvenes que montan una sofisticada agencia de canguros. La historia cuenta numerosas adversidades que se irán resolviendo desde la fuerza del grupo. Entre medias, durante toda la novela, el lector acompaña a la protagonista en el manejo de su diabetes. Stacey se muestra natural en todos las circunstancias de su vida como adolescente, incluyendo la sobreprotección de la familia o la incomprensión de su mejor amiga del anterior colegio. De refilón aparecen diferentes actitudes comunes en el tratamiento médico para la diabetes, algunos sin  evidencia científica y otros con recursos actualizados al manejo de esta enfermedad y tratados con empatía y asertividad.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
La protagonista de esta novela gráfica convive con su diabetes. Empieza con el proceso del debut diabético y el momento en que se diagnostica e informa de la enfermedad. Es interesante este punto, ya que aunque se perciba una tesitura bien resuelta en el proceso de diagnóstico, tratamiento, cuidados e información, la familia se muestra insatisfecha y busca alternativas o segundas opiniones. Así pues, esta disconformidad familiar del padre y la madre de Stacey hace que se replanteen soluciones a la enfermedad a través de otros médicos. La aceptación familiar ante el diagnóstico de una enfermedad crónica como la diabetes, se manifiesta en el cómic como dificultosa, generando estados de sobreprotección que conlleva a momentos de angustia y a la pérdida de autonomía en la gestión de la enfermedad por parte de la protagonista.

Aun siendo una enfermedad conocida, esta novela revela una secuencia interesante. La mejor amiga de la protagonista no comprende la enfermedad y empieza a excluir a Stacey. Muestra pinceladas de bullying o procesos dificultosos de aceptación por parte de los grupos de iguales aumentando la carga emocional de las personas que sufren la enfermedad.

Hay algún detalle interesante de Stacey en lo referente al control de la enfermedad, hay situaciones en que la joven está tentada a comer algún dulce y se contiene en beneficio de su salud.

Aparece un elemento fundamental que se resuelve satisfactoriamente en esta novela, y es el de la búsqueda constante de soluciones al problema de la enfermedad por parte de los padres, aunque sea a través de terapias alternativas o programas de dudosa eficacia. En general, pone en evidencia dos tipos de conductas frente al manejo de la enfermedad. Una de ellas se entrevé como pseudociencia, sin validez científica. Y otra, actualizada en el tratamiento integral de la enfermedad. Es muy interesante observar cómo se establecen las conversaciones entre los distintos médicos y la protagonista o la familia. Dos ejemplos son: la comunicación empática de la médica, madre de una niña que cuida Stacey, y la comunicación asertiva del médico especialista que resuelve la problemática generada ante la incertidumbre familiar.

El Club De Las Canguro es medicina gráfica no sólo por la enfermedad que padece Stacey, si no también por ser una novela en la que podemos apreciar cómo persevera el estatus de grupo entre la adolescencia y sus influencias. Esta novela gráfica conlleva reflexiones útiles para quien trata con adolescentes y sus problemas vitales.

Centrándonos en el recurso que se obtiene de esta novela de forma paralela al manejo de la diabetes, vemos como un grupo de adolescentes es capaz de resolver conflictos entre iguales de forma pacífica, sin entrar en ningún tipo de violencia, convirtiéndose en un ejemplo claro para adquirir esta habilidad. Los numerosos ejemplos que se acompañan en las viñetas ponen de manifiesto el valor de la buena amistad como factor protector en la adolescencia. La influencia del grupo se muestra de forma positiva tanto en la ideación de soluciones a los conflictos como en la toma de decisiones mediante el pensamiento creativo y crítico que se establece entre amigas. Por todo ello, la convierte en un cómic cuya trama ofrece un recurso promotor de la salud y en adquisición de habilidades entre jóvenes para prevenir conductas de riesgo.

Es un cómic que sin tener una intención directa de plantear la enfermedad de la diabetes, refleja algunos detalles que pueden ayudar a tomar conciencia entre la población en general y las personas con diabetes y sus familiares. Un libro para recomendar a familias con un hijo recién diagnosticado. Podría disminuir la ansiedad comprobando que se puede llevar una vida absolutamente normal.

RECURSOS DE INTERÉS
Editorial MAEVA
Tienda de Amazon

Bezimena

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: Nina Bunjevac.
Número de páginas: 224.
Fecha de publicación: 5 de septiembre de 2019.
Editorial: Reservoir Books
ISBN: 978-8417511906

TEMA
Benny es un chico introvertido, con unos instintos carnales aflorados desde muy niño, y que viene de una buena familia que le han dado la mejor educación que pudieron. De adulto, encuentra trabajo en un zoo, donde vuelve a ver a su amor platónico de la infancia. Ve que olvida un cuaderno de dibujo donde encuentra todo tipo de perversiones sexuales entre los que él interpreta que son ellos dos. Cree que es un mensaje de ella, dándole indicaciones de qué es lo que quiere que haga, y él lo llevará a cabo.

PUNTOS FUERTES
La obra nos pone en la mente de un agresor sexual. Lo muestra como un tipo tranquilo, educado, amable, aunque introvertido y poco sociable. Muestra cómo vive él esas pulsiones sexuales y cómo justifica sus actos por lo que entiende como señales. Incluye muchas escenas de sexo explícito, que son mostradas desde una perspectiva de juego, y casi romántica en ocasiones, lo cual adquiere toda su crudeza en nuestra mente, cuando realmente sabemos qué es lo que ha pasado.

Además, la obra concluye con un epílogo escrito por parte de su autora, en la que relata su infancia y cómo sufrió abusos sexuales siendo casi violada en dos ocasiones, en una época en la que se avecinaba una guerra en su país natal (Serbia) y en la que ese tipo de agresiones sexuales se podían llegar a justificar por las condiciones que se vivían en su país. Eso aporta una capa más de lectura a la obra, puesto que en una primera lectura, uno podría llegar a pensar que casi justifica al agresor, o lo disculpa, cuando realmente lo que hace es poner la voz de alarma y adentrarse en la psicología de un agresor sexual.

El dibujo es hiperrealista, con muchas masas de líneas y un sombreado puntillista que aportan un aspecto muy impactante. Usa una narrativa más cercana al relato ilustrado, con páginas con un par de bocadillos de texto seguido por una ilustración a toda página, aunque en determinados momentos sí vamos a ver alguna secuencia de imágenes, bien sea por varias viñetas a toda página con una secuencia de imágenes, o alguna página con varias viñetas.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Estamos ante otra de esas obras en las que la catalogación dentro de Medicina Gráfica resulta como mínimo, delicada. De hecho, este tipo de obras en las que se muestra poco del protagonista y de una manera tan simbólica e insinuada, deja mucho a cargo del propio lector. Sín embargo, aporta una visión  original de las agresiones sexuales, puesto que se muestra desde el punto de vista del agresor. Ilustra esa distorsión de la realidad que pueden llegar a vivir, y muestra una visión que puede interpretarse erróneamente como empática o disculpando sus actos, pero que realmente lo que intenta es hacer hincapié en lo patológico de muchos de esos casos (que no todos), en los que el agresor sexual es  (aunque no necesariamente como causa)  un enfermo mental.

Al ser un tema de impacto social, siempre se tienen reacciones viscerales que pueden hacernos pasar por alto que podemos estar ante una enfermedad, y creo que es lo que la autora intenta: poner la voz de alerta sobre aquellas personas que son tan normales como cualquiera pero que pueden suponer un peligro para la sociedad, en ese tipo de personas en los que convive el comportamiento criminal con una enfermedad mental.

Al depender mucho de la imagen y mostrar los sentimientos del agresor, cualquier interpretación que se haga, es una mera hipótesis; para hacer un diagnóstico como tal nos haría falta mucha más información. Se puede pensar en una psicopatía, por no saber discernir entre el bien y el mal; podríamos presuponer un trastorno de personalidad esquizoide, por esa falta de interés social y restricción de emociones que muestra el personaje; incluso yendo un paso más allá, habría que plantearse una esquizofrenia en cuanto a esos síntomas psicóticos, de distorsión de la realidad. Pero evidentemente sería muy frívolo dar un diagnóstico rotundo con la información proporcionada por la autora. Por otro lado los estudios en este aspecto aseguran que no hay más delitos sexuales en esquizofrénicos que en la población general. Bezimena es un buen punto de partida para la reflexión de temas tan sórdidos y complejos como este.

En otro punto tenemos ese gran valor que tiene la Medicina Gráfica en cuanto a terapia por parte de los autores. La autora ha vivido dos casos de intento de violación, con el consecuente estrés postraumático, sentimiento de culpa, y ha vivido además de cerca cómo algunas compañeras han pasado por lo mismo y se han visto inmersas en una «romantización» de la agresión llegando a sentirse realmente enamorada de su agresor. Esta obra supone un exorcismo de Nina Bunjevac sobre todos esos fantasmas que la han estado acosando durante muchos años y a los que ahora deja salir.

ENLACES DE INTERÉS
Reservoir Books (PRH)
Tienda de Amazon

Quiéreme BIEN

FICHA TÉCNICA
Título: Quiéreme bien
Traductora: Matuca Fernández de Villavicencio
Autora: Rosalind B. Penfold
Páginas: 256
Publicación: 2018
Editorial: Astiberri
ISBN: 978-84-16880-44-7

TEMA
Quiéreme bien es el relato autobiográfico de una mujer autónoma y exitosa en su carrera profesional, que se enamora de un hombre viudo con cuatro hijos. Mantendrá una historia amorosamente desenfrenada que con el paso del tiempo desembocará en maltrato.

PUNTOS FUERTES
Rosalind B. Penfold es el pseudónimo utilizado por la autora, una mujer canadiense que sufrió maltrato por parte de su pareja. Lo cuenta en un cómic publicado a partir de los dibujos que ella misma realizaba como consuelo y desahogo mientras vivía con él. El resultado es una novela gráfica autobiográfica, sincera, directa, sin filtros, muy espontánea, con unas viñetas y un dibujo rápido, casi como si fueran esbozos.

La autora comenta que a partir de los dibujos realizados pudo editar el libro, añadiendo algunos más para poder contextualizar las historias. Así pues, vemos un dibujo con un gran valor emocional, de trazos libres y francos, dando importancia al negro como color predominante. Si uno ojea el libro rápidamente en una tienda, no es un tipo de grafismo que agrade visualmente, pero junto a la narrativa que le acompaña se convierte en un cómic del que no puedes despegarte.

Su lectura provoca sentimientos y emociones capaces de conmovernos profundamente. En algunos momentos hasta podemos percibir estados de incomodidad, fastidio, hasta dolor por lo que está viviendo la protagonista. El estilo permite al lector identificarse fácilmente con la protagonista.

En esta obra se describe muy bien la figura del maltratador. Vemos cómo Brian manipula las situaciones, cómo controla a Rosalind, cómo la engaña y se escuda en excusas.

Los capítulos nos acompañan como una línea temporal de diez años de duración en la que la historia de maltrato se va desenvolviendo ante nuestros ojos.

-El primer capítulo “Comienzo: Luna De Miel”, Brian promete el mundo entero a Rosalind, le hace sentir hermosa, bella, querida, necesaria… y en poco tiempo.

-En el segundo “Confusión: Jekill y Hide”, empiezan a aparecer insultos, inicialmente de forma sutil, después de forma descarada. Rosalind entra en incertidumbre de si Brian la quiere o la odia.

-En el tercer capítulo “Dolor: Resistir”, aun con claras señales de engaño por parte de Brian, ella es incapaz de verlo, o más bien, no está dispuesta a aceptar la realidad. Y curiosamente, aunque haya infidelidades por parte de él, aparecen los celos si Rosalind establece algún vínculo con otras personas.

-El cuarto “La Salida: Soltar” nos lleva unos momentos de duda e inseguridad en las decisiones tomadas. Rosalind tiene la esperanza de que todo pueda cambiar, que Brian justifique lo imposible, que admita su error. Esta situación es tan sensible que recae en manos de él.

-Último capítulo, “La Vuelta al Hogar: Encontrarme A Mí Misma”, es el momento en que la protagonista empieza a experimentar de nuevo su propia vida, a reconocer su propia persona con ayuda de profesionales expertos, amistades y familia.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
La historia que nos narra esta autora canadiense bajo el pseudónimo de “Rosalind B. Penfold” nos ayuda a descubrir qué siente una mujer sometida a la discriminación por violencia de género.

Esta novela nos explica perfectamente cuál es el proceso de la violencia de género en el marco de la pareja y puede ayudar muy bien tanto a profesionales como a la población en general a entender cómo las mujeres tienen dificultades para escapar y librarse de su maltratador. Lo más típico, como bien se aprecia en el cómic, es la aparición de la violencia de forma progresiva, comenzando con conductas restrictivas y controladoras que se disimulan amorosamente (celos, control de ropa, etc) y que hacen que Rosalind se sienta confusa y no las perciba como violentas y, progresivamente cede autonomía a Brian, hasta dudar si realmente es ella la culpable de la situación.

Se observan claramente muchas de las tácticas utilizadas por los maltratadores, en este caso por “Brian” para tener a “Rosalind” sometida y no abandone la relación. La más clara es el papel de víctima que juega Brian y que hace sentir culpable a Rosalind. Y a la vez, él empieza a no tener en cuenta su opinión, la sobrecarga de las tareas del hogar, chantaje emocional (principalmente en relación a sus hijos), no tiene en cuenta sus objetivos de desarrollo personal y laboral sin reconocer sus necesidades ni valor sus cualidades o éxitos, la menosprecia, la miente, le promete cosas que nunca se cumplen, la castiga con el silencio, y el distanciamiento emocional, por ejemplo cuando ella decide abortar. Todo esto son claros ejemplos de violencia psicológica que de forma muy gráfica podemos apreciar en esta novela. Aparece también otro tipo de violencia, que es la de aislamiento de la familia y amistades, que son su mayor apoyo. Le hace dejar el trabajo, manifestándose la violencia económica para que dependa económicamente de él. Y como no, sin ser las primeras manifestaciones de violencia de género, aparecen la violencia física y sexual.

Podemos afirmar que la historia de esta novela gráfica es de “manual” porque describe perfectamente el ciclo de la violencia en pareja o ex-pareja (Lenore Walker, 1979), comenzando por la fase de acumulación o de generación de tensión que se caracteriza por una escalada gradual de esa tensión que se manifiesta en actos que aumentan la fricción y los conflictos en la pareja. “Rosalind” intenta calmar la situación en la creencia irreal de que ella tiene algún control sobre la agresión. Después, inevitablemente aparece la fase de agresión o de descarga de la tensión apareciendo la violencia, sea psicológica, física o sexual. Cuando aparece esta fase, las mujeres maltratadas (como también se ve en Rosalind) tienen más posibilidades de escapar. Pero después aparece la fase de “luna de miel” o reconciliación a la cual “Brian” parece que se arrepiente y hace promesas de cambio. “Rosalind” ve el lado bueno de su pareja, intentando engañarse a ella misma y hace un intento de volver a confiar. La muestras de arrepentimiento generan los sentimientos de culpa y se ve en la obligación de no fallarle, de volver a probar nuevamente la relación. En el cómic también se observa que con la repetición de estos ciclos, esta fase llega a desaparecer y al final el uso de la violencia es continua.

Para acabar, “Quiéreme bien” nos transmite lo que realmente necesita “Rosalind” para salir de la relación, lo mismo que necesitan todas las mujeres en situaciones similares: recuperar la autoestima y el valor que le han hecho creer que no tenía, empoderarse y decidir por ella misma lo que quiere hacer, ver por ella misma el daño que le está haciendo. Es una historia semejante a muchas otras historias que tristemente también son reales y que viven muchas mujeres en silencio, junto a sus hijos o hijas.

Cualquier profesional sanitario debe estar alerta y entender que para muchas mujeres el único lugar donde podrían hablar del maltrato que sufren, es la consulta. Esta novela gráfica puede crear mayor sensibilidad y entendimiento. Por otro lado, una vez más como hemos visto por ejemplo en «De Tripas y Corazón» aparece el dibujo como herramienta para sobrellevar situaciones vitales extremas.

ENLACES DE INTERÉS
Editorial Astiberri
Tienda de Amazon 

Epiléptico

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: David B.
Traductor: Lorenzo Díaz
Número de páginas: 376
Fecha de publicación: 1996-2003 (Único Volumen: 2011)
Editorial: Salamandra Graphics
ISBN:  8416131481

TEMA
Epiléptico, cuyo título original en francés es “La Ascensión del gran mal”, narra en primera persona la convivencia del autor y su familia con la enfermedad de su hermano: la epilepsia. Una enfermedad incurable y  con muy malas connotaciones en la sociedad francesa de mediados del siglo XX.
Durante la novela se aprecia la lucha de los personajes por comprender, tratar de curar y finalmente asumir este “gran mal” y cómo  no solo afecta al enfermo sino también a todo su entorno cercano.

PUNTOS FUERTES
A lo largo de los 6 volúmenes que componen la obra, David B utiliza magistralmente texto e imagen fusionándolos en perfecta simbiosis al servicio de la narración.

En el abordaje  de esta obra debemos asumir que el autor la utiliza como un ejercicio de introspección, de autoanálisis y de desahogo. Es por esto que el lector no se siente como receptor del mensaje sino como espectador del diálogo intimista que se produce entre el autor y sus recuerdos.

Al tratar de narrar su infancia se alterna la descripción sobria de eventos importantes con la  inclusión de fantasías, sueños y otros recursos que plasman sentimientos y sensaciones, dotando a la obra de un halo nebuloso, onírico y en muchas ocasiones opresivo.

Epiléptico es un comic sobre una enfermedad que alterna periodos de calma en los que puedes llegar a tener la esperanza que ha desaparecido con ataques violentos que poco a poco merman a quien los sufre, tanto física como psicológicamente. Es por esto que se trata de una novela predominantemente oscura tanto en fondo como en forma.

La obra incluye aspectos tan interesantes como la maduración del autor a la vida adulta y su relación en constante evolución con su familia.  Asistimos así mismo a una detallada descripción del ambiente sociocultural en que se mueve una familia con formación predominantemente artística y a las distintas corrientes políticas y espirituales de la época.

No obstante el autor de manera casi obsesiva nos recuerda que alrededor de todos estos temas hay enroscada un dragón que lo envenena todo: la epilepsia.

Esto se refleja en el desprecio y rechazo por parte de la sociedad y en la falta de afectividad dada por los médicos y que hace presa a la familia de sanadores y gurús.

También se aprecia en los conflictos familiares y la ira que les genera. Podemos ver como afecta a la fe en la religión y la espiritualidad y por último compartimos la resignación del propio enfermo y finalmente del resto de la familia, que no pudiendo sanar a su ser querido, finalmente, se dejan llevar.

Acompañando a la historia el dibujo es también oscuro gracias a un magistral uso del blanco y negro, siendo el negro predominante en los momentos más asfixiantes con algunos respiros de claridad.

Otro elemento característico es el de las metáforas visuales que traducen el entorno y las fantasías del joven Pierre François en algo hostil de lo que debe defenderse siendo predominante la figura de un dragón de estilo precolombino para referirse a la enfermedad de su hermano y bastante común el uso de monstruos y criaturas para definir las partes de la personalidad que ayudan y acompañan al autor.

El autor además transforma las facciones de los protagonistas conforme su estado en cada momento: las facciones de su hermano cambian a un rostro desollado cuando sufre los ataques epilépticos, y los rostros de los protagonistas se tornan cadavéricos cuando son presa de la ira o la ansiedad.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Epiléptico tiene gran cabida en Medicina Gráfica por diversos motivos.

Hay que tener en cuenta que pese a estar desactualizada en lo médico y científico, lo que si es extrapolable es la vivencia de cualquiera que tenga la desgracia de padecer una enfermedad: crónica, limitante y a día de hoy incurable.

Los pacientes y familiares encontraran en esta novela afinidad al sentimiento de impotencia cuando la medicina moderna no aporta soluciones, el rechazo que genera la enfermedad incurable en la sociedad e incluso entre los profesionales médicos, la búsqueda infructuosa de una cura, mas allá de los científico, la rabia, el sentimiento de culpa, la depresión… y finalmente la aceptación.

Desde el punto de vista del profesional médico este cómic puede ayudar a empatizar y ponernos en la piel de estos enfermos y sus familias, tanto para entender su desesperanza y la percepción que tienen estas de la atención médica brindada por los sanitarios.

Desde el punto de vista social esta novela gráfica tiene una vigencia extrema, ya que en ella se ven las falsas esperanzas y el engaño que trasmiten las pseudociencias, así como el coste de tiempo, dinero y esfuerzo que acarrean.

Si  bien es cierto que en una primera aproximación destacan mucho más los negros que los blancos y puede dejar una sensación de pesimismo frente a la enfermedad, no obstante en un releído se puede llegar a apreciar que los blancos, aunque más discretos, también abundan equilibrando la obra en un perfecto yin-yang presentándose así como una obra muy humana, que si bien nos hace ser conscientes de nuestra fragilidad también nos deja ver que por muy alta que sea la montaña de la enfermedad al final siempre se llega a la cima.

PREMIOS Y MENCIONES
2000 – Premio de Alph’Art du scénario en el Festival de Angoulême
2003 Premio de la Ciudad de Ginebra por el Tomo 6
2008_ Premio Max y Moritz a la mejor publicación
2012: Puesto 8 en la clasificación de la Revista francesa Lire como los 50 esenciales del año
2016: Premio Eisner al mejor comic extranjero

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Web de la Editorial de David B.
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Espuma

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: Ingrid Chabbert, Carole Maurel.
Traducción: Albert Agut Iglesias
Número de páginas: 88.
Fecha de publicación: Marzo de 2020.
Editorial: Planeta Cómic
ISBN: 978-8413410708

TEMA
Tras varios años intentando tener un hijo, una pareja por fin consigue la tan deseada gestación, pero en la fase final del parto la madre sufre un aborto. La obra explora el proceso de duelo ante el aborto y la fase de recuperación y vuelta a la normalidad.

PUNTOS FUERTES
Espuma es una obra con muchísimos recursos gráficos. Desde el uso de metáforas y sueños con una alta carga representativa, hasta recursos puramente visuales de uso del color para ilustrar el estado de ánimo y la evolución tras el duelo y cómo se van consiguiendo pequeños avances.

Por ejemplo, vamos a ver un recurso frecuente, llegando incluso a la propia portada, en la que la protagonista se siente perdida en una barca en medio del océano. Se aferra a su amor por su hijo en forma de globo al que llegará un momento en que tendrá que dejar que vuele. Esa metáfora sirve para representar esa sensación de pérdida, de caer al océano y de tener que luchar por subir a la barca y mantenerse a flote. La madre se hunde en su pena como si lo estuviera haciendo en el agua.

El color es otro de los recursos más utilizados, bien sea en escenas puntuales, en una viñeta concreta,  y tanto de manera positiva (una buena noticia hace que se pierda cualquier fondo de viñeta porque todo lo demás deja de tener importancia) o de manera desfavorable con ese paso de la viñeta al modo negativo (como si de un negativo fotográfico se tratara) cuando llega un mal recuerdo o las fuerzas fallan.

Pero el que más llamativo es el uso del color en cuanto al estado de ánimo. Tras la pérdida del embarazo, la obra pasa a estar en blanco y negro. Sin embargo, hay pinceladas de color, como la psicóloga que ayuda a la pareja, y a medida que avanza la historia, todo va cobrando lentamente color, como si el proceso de duelo fuera atravesando las diferentes fases.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Espuma gira en torno al proceso de duelo en un aborto. Lleva el caso al extremo con una pareja que lucha mucho por conseguir la gestación y la pérdida es especialmente sentida. Además, sucede en la fase final del embarazo, por lo que la sensación de pérdida y la conexión con el hijo perdido ha tenido mucho más arraigo. La recuperación lleva tiempo y puede requerir ayuda externa incluso.

Puede servir para ayudar a comprender las sensaciones vividas en una situación así, y el tiempo que requiere la recuperación. El sentimiento de culpa por parte de la madre («debería haber hecho algo más para protegerlo»), su inestabilidad emocional y la necesidad de paz, empatía y tiempo son muy evidentes para cualquier lector.

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Editorial Planeta Comic
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Si te pudiera decir Gracias

FICHA TÉCNICA
Nombre de la autora: TAKINAMI Yukari
Nombre Original: “ARIGATÔ-TTE IETANARA”
Traducción: Víctor Illera Kanaya
Número de páginas: 184
Fecha de publicación: Febrero 2020 (2017 en Japón)
Editorial: Ponent Mon
ISBN: 978-84-17318-71-0

TEMA
“Este manga cuenta con honestidad el proceso en el que la narradora y su madre enfrentan el anuncio de una enfermedad dentro de una relación complicada. La madre, una mujer de carácter enérgico, descubre que tiene cáncer de páncreas y que solo le queda un año de vida. ¿Cómo enfrentar esta prueba?»

PUNTOS FUERTES
Yukari Takinami, nace en Kushiro, Hokkaido (Japón) en 1980, ilustradora, mangaka, ensayista y colaboradora de radio, comenzó la publicación de esta historia en la revista digital CREA Web de la editorial japonesa BungeiShunju. Su estilo, desenfadado y caricaturesco, más propio de una historia de humor que de una autobiográfica con el cáncer como tema central, podría chocar en primera instancia, pero lejos de eso, la dota de naturalidad y frescura, de la misma forma que lo hace su estilo narrativo, el cual apuesta por la sencillez y lo ameno, mostrándonos la vida misma de una manera más real, más honesta, con sus claroscuros, su humor incluso en tiempos difíciles y reflejando los sentimientos de sus personajes sin rechazar los que se omitirían en una historia más idealizada. Esto hace que sea más fácil empatizar con lo que se nos cuenta.

La relación de Yukari con su madre, Chieko, no es a la que estamos acostumbrados a que se nos muestre en esta clase de historias y esto le da un toque extra de interés. Su madre se presenta como una mujer fuerte, llena de energía y de carácter difícil, la cual se aleja de la imagen de la madre dulce, comprensiva y amable que muchas veces se nos enseña en otras historias. La propia autora se mofa de ello en una de sus viñetas.

No solo veremos su relación y cómo irá evolucionando a lo largo de la historia desde el diagnóstico de la enfermedad hasta el final de la obra, sino también la de otros miembros de su familia, destacando los hermanos de la autora y, en especial, su hermana, enfermera, la que acabará convirtiéndose en la cuidadora principal de su madre, sin dejar de lidiar con su trabajo, sus hijos, etc. Esto nos permite ver otra de las realidades que se viven en este contexto. Además, este personaje, es usado al comienzo para explicar qué es el páncreas, dónde está, en qué consiste la enfermedad y su tratamiento de forma directa, amena y más o menos detallada.

Pocas veces se nos muestra una realidad tan dura de forma tan natural. Es una obra que hace sencillo y ameno lo a priori complicado, al menos a la hora de contarlo, y es un punto realmente a tener en cuenta por su interés divulgativo.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA:
El carácter autobiográfico de la obra siempre dota de interés a esta clase de historias. En este caso, se nos muestra un claro ejemplo de “patografía gráfica”. A lo largo de sus páginas veremos mostrada la realidad de una familia golpeada por un diagnóstico tan duro como es el cáncer de páncreas avanzado; cómo afloran sentimientos en cada uno de los miembros de la familia, cómo se enfrenta cada uno de ellos a esta situación y cómo va evolucionando tanto la enfermedad como las relaciones familiares y su manera de vivirlo.

Desde el momento en que la hermana de la autora le comunica a ésta por teléfono el diagnóstico, veremos a su madre, aunque a través de los ojos de su familia, enfrentarse a la realidad de la enfermedad terminal, al momento del diagnóstico y el impacto de recibirlo a través de la médico, enfrentarse al propio tratamiento y, en el caso de Japón y su sistema sanitario, al coste de este, veremos síntomas, signos, sentimientos y relaciones interpersonales, el conflicto, las noches interminables, el agotamiento físico y mental, el rechazo, las dudas, la despedida… y lo que queda tras esta.

Es una obra que puede ser especialmente interesante para personas que hayan vivido o estén viviendo procesos similares, así como, para cualquier persona que desee reflexionar sobre el final de la vida y sobre la importancia de la empatía.

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Editorial Ponent Mon
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Albert contra Albert

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Arnau Sanz
Número de páginas: 128 págs.
Fecha de publicación: 2013.
Editorial: AIA Editorial
ISBN: 978-841594403-4.

TEMA
Albert contra Albert es un cómic autobiográfico que narra la relación entre un hijo y un padre. Arnau (autor de la obra) nos conduce a través de sus recuerdos y vivencias,  ilustrando cómo cambia su vida y la relación con su padre desde la infancia. Con apenas 27 años se invierten los roles y es Arnau el que tiene que cuidar de su progenitor, al que tras una vida de abusos de droga y alcohol le diagnostican un trastorno bipolar.

PUNTOS FUERTES
Uno de los puntos fuertes es sin duda el hecho de que es autobiográfico, lo cual aporta enorme credibilidad y fuerza a la historia

Es una novela gráfica a priori de ilustración esquemática y sencilla pero llena de detalles sutiles. Cuenta con unas ilustraciones minimalistas trazadas con lápices de colores y algún toque de acuarela. Llama la atención la facilidad del autor para representar espacios y lugares tan llenos de detalle, como calles y edificios, con tan solo unos cuantos trazos de lápiz de color, consiguiendo ilustrar mucho con muy poco.

El color, otro recurso que no podemos pasar por alto y con un sentido especial a la par que peculiar en esta obra. Con apenas seis colores, marrón, rojo, verde, amarillo, azul y negro, se ilustran momentos y circunstancias de la vida pasada y actual en la que transcurren los acontecimientos, dando tonalidades inusuales como un cielo amarillo. Lápices de colores y acuarela dan carácter y sentimiento a la piel de los personajes, utilizando tonos de color nada habituales. El hijo (Arnau) colorea su piel de negro y a su padre (Albert) en verde, los abuelos paternos, en rojo. En la obra se suceden saltos en el tiempo, las diferentes tonalidades de la piel de los personajes nos pueden ayudar a seguir la trama más fácilmente. Además, se puede apreciar el cambio de color de la piel en Arnau, cuando apenas era un niño, no colorea su piel, y se va tiñendo de oscuro según trascurre la historia, quizás queriendo ilustrar de alguna forma su madurez sobrevenida.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
La novela gráfica comienza con una breve introducción sobre la enfermedad que sufre Albert, el trastorno bipolar. Un texto corto que explica los síntomas, los diferentes estados anímicos tan representativos de esta enfermedad, el tratamiento tanto farmacológico como psicológico, en definitiva, una descripción sencilla y sin tecnicismos que pone al lector en antecedentes para comprender mejor el comportamiento de los personajes durante la historia.

Arnau, con apenas 27 años, tiene que asumir un rol que no le corresponde. El cuidado de su padre, pero no solo centrado en la enfermedad, si no en todo lo que le concierne a la unidad familiar, la economía, las relaciones con otros miembros de la familia, sus adicciones… Nos enseña como asumió errores del pasado y como tendrá que aceptar la enfermedad a largo plazo. En definitiva, nos puede ayudar a entender a las personas que sufren esta enfermedad como el epicentro de un todo, y no solo centrarnos en su patología.

Aprender a valorar y cuidar, al cuidador, tantas veces olvidado y tenerle presente, pues este cómic habla sobre el padre de Arnau, pero también habla de los sentimientos de este y de cómo afronta los problemas sobreañadidos a la enfermedad de su padre con una absoluta madurez. Se da a conocer una historia real, de compartir pensamientos y sentimientos a través del cómic, con el objetivo de compartir su historia y quien sabe, quizás ayudar a otros que pudieran estar en su misma situación.

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Un mal Médico

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Ian Williams
Traducción: Mónica Lalanda
Número de páginas: 226 págs.
Fecha de publicación: abril 2020.
Editorial: SaludArte Ediciones.
ISBN: 9788412134704

TEMA
El Dr. Iwan James es Médico de Familia en un área rural de Gran Bretaña. Presenciaremos algunas de las consultas de su centro de salud, conociendo a los pacientes de su particular cupo. Como el trabajo no queda en consulta (al menos para Iwan) le acompañaremos en sus pensamientos sobre ruedas al final del día, en un momento en el que le revisitan ciertos fantasmas del pasado, concienciándonos de la importancia de cuidarse como sanitario.

PUNTOS FUERTES
Una de las grandes fortalezas de esta obra es que su autor  Ian Williams, no solo es Médico de Familia sino que además, como ha relatado en innumerables ocasiones, sufre en primera persona de un TOC (Trastorno Obsesivo Compulsivo). Contar la historia de un médico rural que sufre un TOC desde su perspectiva no solo le da credibilidad sino que supone un acto de valentía muy a tener en cuenta.

La historia se organiza en viñetas no enmarcadas y está coloreada en gama de grises. A lo largo del relato aparecen varias ilustraciones de página completa.

Se cuidan mucho los primeros planos para remarcar las reacciones de los pacientes y la reflexión del médico durante la entrevista clínica, incluyendo varias viñetas con leves cambios en la expresión facial que nos hacen intuir lo que están pensando ambos, aprovechando el recurso de la transición momento a momento.

A veces aparecen elementos que salen de la viñeta y nos hacen pararnos a observar ciertos detalles de la historia a un ritmo diferente, como unas gotas de sangre que van dejando rastro a lo largo de la página hasta llevarnos al paciente accidentado, o la escena en que un paciente se desmaya y las viñetas se van estrechando poco a poco para representar la caída.

La historia en el presente combina saltos a la infancia y adolescencia de Iwan para explicarnos el debut de su trastorno obsesivo compulsivo (TOC). En estas escenas el dibujo se vuelve más realista y la diferencia de estilos ayuda al lector a orientarse temporalmente.

Los recuerdos o pensamientos relacionados con la imaginería simbolista-satánica de infancia y juventud (que son el trasfondo del origen del TOC de Iwan), se incluyen en piezas hexagonales, incluyendo el número 6 (asociado al mal) de forma gráfica. En relación con los dibujos relacionados con esta temática, dan idea de condensar mucha información y de esconder mensajes ocultos, y de haber seguido un diseño meticuloso y planificado. Probablemente sean reflejo de la complejidad y la estructuración de los pensamientos obsesivos del joven Iwan, una especie de puzzle mental en el que, tras muchas vueltas, todo encaja en el equilibrio que solo su concentración parece poder mantener. De alguna forma estas imágenes dan sensación de orden y profundidad; quizás a una persona con TOC le produzca alivio y le dé sentido ver sus pensamientos y vivencias tan bien ordenados, como si nada pudiera salir mal porque racionalmente, está todo perfectamente pensado por sí mismo.

La tipografía cambia en función de si las palabras se refieren al diálogo de los personajes o a los pensamientos de Iwan, ayudándonos a reconocer cuándo nos encontramos ante la voz de su mundo interno.

En el transcurso de la historia aparecen algunos recursos empleados por el autor a modo de metáfora, que comentamos a continuación.

  • Desde bien iniciada la historia se nos presenta la imagen de Iwan teniendo la visión de auto-dispararse con un revólver en la boca. Estas visiones no aparecen en momentos de especial tensión, pero sí tras un cúmulo de circunstancias que nos hacen sospechar que no se encuentra bien.
  • Cuando era joven le asaltaban imágenes similares en momentos en los que le era imposible librarse de pensamientos obsesivos; tal era la angustia que le provocaban que imaginaba ser decapitado por una guillotina como única vía de detenerlos y así evitar hacer daño a quienes le rodeaban (“córtame la cabeza para detenerlo”). Vemos por tanto, la doble vertiente de las obsesiones: que incomodan al paciente al no poder librarse de ellas y que le hacen temeroso de hacer daño a otros, por ese sentido de la responsabilidad estricta hacia el entorno que padecen.
  • Imágenes de los pensamientos obsesivos. Aparecen varias ilustraciones (en función de su momento vital) en las que se representan todos los factores de los que se siente responsable Iwan, en perfecto equilibrio brotando de su cabeza: la responsabilidad de la seguridad de la familia, responsable por la muerte de su perro Sammy tras haber escuchado música de Ozzy Osbourne, el bienestar de los gemelos… “La concentración evita el desastre”, reza una de las frases. Las ideas aparecen en viñetas hexagonales (con el simbolismo que ya hemos comentado), a modo de flashes que le angustian y que percibe como contaminantes hacia el entorno. Se la circunstancia de que un día mientras cocinaba le invaden estos pensamientos y se ve obligado a tirar el guiso, representándose así una compulsión.
  • Conocemos a un paciente del cupo de Iwan que sufre TOC, a quien se dedica una página completa en la que vemos su compulsión de cerrar la puerta de casa de cierta manera en función de la hora. Comete un error que le lleva a reiniciar su ritual, utilizándose las transiciones momento a momento para reflejar la reiteración del acto. Con esto percibimos cuánto de limitante puede ser este trastorno en el día a día de una persona.
  • Iwan tiene la costumbre de montar en bici al final del día, y en uno de los paseos reaparecen pensamientos obsesivos alrededor de la rueda de la bicicleta, representando la “rumiación” interna del personaje.
  • En la portada aparece una ilustración de Iwan sujetando una calavera como hiciera Hamlet en su discurso sobre el “ser o no ser”; esta imagen podría ilustrar la idea del médico como persona que toma responsabilidades sobre las vidas de los demás y que duda antes e incluso después de tomarlas.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Esta novela gráfica puede ser de interesante lectura para sanitarios, estudiantes de ciencias de la salud y población general. Se muestra la parte menos amable del trabajo como sanitario y la repercusión que pueden tener la presión laboral y los factores individuales en tu salud mental. Es una historia que puede abrir conversaciones entre sanitarios al sentirse reconocidos en el personaje de Iwan, ya que se muestra la parte más humana del médico: el médico como paciente que tiene una historia y que necesita cuidarse para poder cuidar. A los estudiantes les puede servir como alarma de aquello que no hay que tolerar como sanitario y de la importancia de reconocer las debilidades propias y ponerlas remedio, así como para hacerse a la idea del trabajo que realiza un especialista en Medicina de Familia y Atención Comunitaria. A la población general le abriría los ojos hacia una imagen más terrenal del médico, desmitificando así el status de superhéroes (que tan de moda está en nuestros días) que trae consigo altas exigencias y responsabilidades hacia los sanitarios.

Podemos resumir los temas más importantes en dos: la consulta de Atención Primaria y el personaje de Iwan como médico y humano. De manera secundaria su lectura puede resultar útil para entender el funcionamiento de un centro de Atención Primaria en el sistema nacional de salud británico (NHS)

La Consulta de Atención Primaria

Se nos abre la puerta a la consulta de Iwan, en la que presenciamos escenas de consultas en el centro de salud y en el área extrahospitalaria, que dan cuenta de lo variopinto que puede ser un día como médico de familia.  De hecho hay una frase clave en la novela que refleja que el médico tiene que tener la mente abierta a cualquier posibilidad, pues en su silla se sientan todo tipo de vidas: “los médicos, al igual que los artistas, tenemos que estar familiarizados con el diablo, si no estaremos ignorando una gran parte de la realidad de la existencia”.

A lo largo de la historia aparecen distintos prototipos clásicos de pacientes de la consulta de atención primaria: paciente demandante, paciente difícil, paciente en situación terminal, paciente pluripatológico…además de situaciones propias de esta especialidad como urgencias extrahospitalarias, la comunicación de malas noticias, la gestión del duelo, etc.

Hay algunos ejemplos que recuerdan la importancia de ejercer la prevención cuaternaria, el “no hacer”. Uno de ellos es un paciente anciano, interno en una residencia, que padece degeneración macular desde hace años y que parece estar desarrollando una enfermedad de Charles Bonnet (el cerebro genera alucinaciones visuales tras años de ceguera); en los últimos días se visualiza dentro de una catedral en lugar de en la residencia. El paciente defiende su cordura rotundamente y a la pregunta de si le causa molestia tal síntoma responde que “es mejor estar en una catedral que en una residencia”. Es un buen ejemplo de cómo orientar la intervención: aunque exista un diagnóstico si al paciente no le causa malestar, la estrategia puede ser no hacer.

Se presenta un debate sobre ciertas responsabilidades administrativas del médico de familia como la expedición de la licencia de armas. En la mente del paciente es más sencillo, ya que “los médicos ganan un sueldazo, para asumir responsabilidades”.

Se muestran también las distintas actitudes que puede presentar un médico ante un conflicto médico-paciente. Ante el caso de una paciente que acude consultando un supuesto diagnóstico de trastorno límite de la personalidad, uno de los médicos del centro de salud cree tajantemente que es cierto por el hecho de estar en la historia clínica. Iwan se toma el tiempo de revisar la historia y encuentra una anotación confusa que no deja claro que la paciente lo padezca.

Otros temas de interés son la falta de confidencialidad en las salas de descanso del centro de salud y el maltrato del profesional sanitario, ejemplificado en un momento en que Iwan es grabado con una cámara atendiendo una urgencia (vulnerando así su privacidad).

La historia de Iwan.

Con la historia de Iwan podemos apreciar la incapacidad que produce el TOC en la vida de una persona: te vuelve esclavo de tus pensamientos, generando malestar psíquico y rutinas que afectan al transcurso normal de un día, de tus relaciones sociales…Además, al presentarse el desarrollo del trastorno desde su origen hasta el momento presente, podemos ver los factores que pudieron contribuir a su origen (educación religiosa y quizás estricta aunque no se mencione literalmente, personalidad responsable, estudiante de Medicina, paternidad precoz…) y los matices que han quedado en su personalidad tras la curación (inseguridad ante toma de decisiones, duda permanente sobre decisiones del pasado y con ello de su propia biografía).

Un día en consulta Iwan logra el mayor nivel de empatía posible con un paciente, confesándole que padece él mismo padeció un TOC. El paciente se sorprende y con la confianza que se genera en la entrevista clínica, acepta acudir a terapia por recomendación suya.

Hacia el final de la novela, habiendo visitado el pasado de Iwan y viendo su comportamiento presente, queda claro, y él mismo llega a reconocerlo, que no se encuentra bien. De alguna forma se ha producido un cambio en sus obsesiones para dar lugar a ideas obsesivas que empiezan a mellarle. Un amigo le comenta con toda naturalidad “¿y cómo es que tú no estás en terapia?”. Esto es reflejo de cómo los sanitarios soportan muchas presiones día a día que van arrastrando y se olvidan de sí mismos.

En el momento de crisis sanitaria que atravesamos es interesante revisitar historias como esta, que nos recuerden que los sanitarios no son héroes, y que tienen una vida, una familia y unas aficiones que cuidar al salir por la puerta del trabajo, aunque muchas veces el trabajo y la vida sean dos mundos difíciles de disociar si vives en una comunidad tan cercana como la de Iwan y si tienes momentos de inseguridad que te hagan dudar de las decisiones que tomas.

Con este volumen se inaugura la editorial SaludArte, fruto del trabajo editorial de nuestro compañero José Luis de la Fuente y de la traducción de nuestra coordinadora Mónica Lalanda, que traerá más Medicina Gráfica en español de aquí en adelante.

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Editorial Saludarte
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Así son nuestras reglas

FICHA TÉCNICA
Autora: Escarlota
Número de páginas: 113
Fecha de publicación: 2019
Editorial: Pol·len edicions (Colección: D-fracciones)
ISBN:  978-84-16828-72-2

TEMA
En “Así son nuestras reglas” es un cómic donde se habla de la menstruación a partir de la propia experiencia de la autora y otras personas reflejadas gráficamente y expresadas con toques de humor y mirada feminista.

PUNTOS FUERTES
Es un cómic de tamaño pequeño, 16×16 cm, pero con muy buen contenido y un claro objetivo:  desmitificar conceptos y experiencias alrededor de la regla. La cultura del secretismo respecto a la menstruación continúa siendo una realidad.

Tal vez pueda pasar inadvertida la estética de la portada, una silueta en forma de gota roja y con fondo rosado. Pocas veces encontramos títulos que contengan un fuerte acento metafórico, y en este cómic predomina.

El lenguaje es cercano, fácil de entender, incluso en algunas páginas de carácter puramente explicativo de conceptos de higiene menstrual.

Aporta de forma amena información útil, mediante un vocabulario muy respetuoso y clarificador, pero al mismo tiempo directo, sin florituras. Cuenta de forma sencilla y en diferentes apartados qué es la regla, qué pasa si no viene, qué se puede usar cuando baja la regla, cómo es la regla, la menopausia, y vivencias reales de personas. Y es que este cómic tiene parte de vivencia personal en su composición y de la recopilación de otras personas de las que obtiene la información mediante algunas entrevistas. De aquí que también podamos recalcar que plasme la diversidad en los personajes que elige para hablar de la regla, dando a abarcar que no solo hay mujeres que menstrúan y tampoco todas ellas lo hacen. Por lo que la autora se refiere a “persona menstrual” y no a mujeres. Hay vivencias de personas que se sienten bien teniendo la regla, otras no, y además incluye la vivencia de un chico trans. Está clara la pedagogía menstrual que nos acompaña en toda la narrativa del cómic abriéndonos a la pluralidad y heterogeneidad del concepto.

Además lo hace a través de ilustraciones divertidas, muy expresivas y con dosis de humor. Emplea el color rojizo en todas las viñetas y también en el texto. Curiosamente, solo sale de las gamas rojizas a unos más azulados para colorear los productos comercializados que se usan para recoger la sangre cuando se está con la regla.

Es un cómic didáctico y al mismo tiempo divertido, que contribuye a romper el tabú a hablar de la regla sin esperar el efecto “sorpresa”, y además a visibilizar y normalizar la menstruación como proceso fisiológico.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
El hecho de que las personas tomen conciencia del funcionamiento de su propio cuerpo y de sus cuidados, hace que se configure la base para la aceptación de uno mismo y la toma de decisiones en cuanto a la promoción de la salud y a la prevención de enfermedades. Y este cómic es un recurso educativo para conocer qué supone menstruar en esta sociedad y actuar en consecuencia, con una buena información y adaptada a cualquier edad, comprensible y clara.

Es un libro que invita al diálogo, permite generar una conversación sobre el tema de la menstruación. Por lo que vuelve a ser un recurso ágil para una familia, un equipo de pediatría, ginecología o un colegio donde se pretenda explorar conceptos o conductas asociadas al proceso menstrual.

Contribuye a enfocar la menstruación como proceso natural, lo aborda desde la normalidad y la diversidad. Por lo que es un ejemplo que puede convertirse en referente para abordar la salud menstrual. Ayuda a evitar el rechazo y el secretismo de algunas personas en referencia a experiencias o miedos que tengan, sobretodo jóvenes.

Explica de forma clara la disparidad de productos para la recogida de la regla y cómo se utilizan, la pluralidad de experiencias, detalles fisiológicos, etc… Por lo que es un libro que se le puede sacar provecho para la formación e información.

El contenido expresado mediante un mensaje ilustrado en viñeta, con estética fácil y sentido de humor hace que podamos descubrir en este libro una lectura amena tanto para chicas como chicos. Además, le confiere un recurso también importante a la hora de educar en temas de género.

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Editorial Po.len
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Coraje

FICHA TÉCNICA
Nombre de la autora: Raina Telgemeier.
Número de páginas: 224.
Fecha de publicación: Julio de 2020.
Editorial: Maeva.
ISBN: 978-8417708931.

TEMA
Coraje nos muestra otro capítulo más de la infancia de la propia autora, tras Sonríe y Hermanas, en el que se centra en un momento en el que a raíz de una indigestión, comenzó a presentar síntomas compatibles con emetofobia (miedo a vomitar) que se fueron complicando con otros miedos y ansiedad. Raina tiene que comenzar a seguir una terapia con una psicóloga para ayudarla a superar su problema, lo cual le provoca otro nuevo miedo por que sus amigas se enteren y puedan pensar que tiene algún problema psiquiátrico.

PUNTOS FUERTES
La obra está dirigida a un público infantil de a partir de 8-9 años, y a pesar de profundizar en los síntomas que sufre, alterna la historia con tramas de la niña en el colegio, sus amistades, enemistades y problemas cotidianos con los que un niño puede sentirse identificado. Eso, unido a una excelente capacidad narrativa por parte de la autora lo convierten en una lectura ágil y amena.

Cuenta la historia en primera persona, lo cual hace que comparta sus miedos y sus dudas ante unos síntomas que no entiende, lo cual provoca que el lector, sea cual sea su edad, empatice con la protagonista. El hecho de que se produzcan avances y mejore de esos síntomas, hace que la historia tenga un mensaje positivo y no se centre en la angustia que sufrió Telgemeier. Deja claro que «se pueden superar ese tipo de problemas».

A nivel gráfico, la obra está repleta de recursos muy atractivos: Asocia a la sensación de náuseas y todo lo que rodea al vómito un filtro de color verde característico, lo cual sirve para que el lector tenga esa sensación recurrente que experimenta la protagonista cada vez que se enfrenta a esa situación. Otro recurso es cierto momento de inestabilidad de Raina que es representado como una habitación que se deshace y tiene que agarrarse adonde pueda, se siente caer sin saber mantenerse. La tipografía de la obra también es utilizada como elemento físico: los pensamientos van rodeando a la niña, y van cambiando. Representa así cómo sus ideas rumiantes van apoderándose del control. Para representar esa rumiación, utiliza otro recurso interesante que es partir una misma viñeta en cuatro, y en cada una de ellas muestra una ambientación o ropas diferentes dentro de una misma imagen. Es una manera de describir cómo piensa en un tema y vuelve una y otra vez a ello.

Otro de los puntos fuertes de la obra es lo que rodea a la alimentación, puesto que nos presenta una familia normal, en la que cada uno come de una manera diferente, en algunos casos de manera bastante deficitaria, y se trata con normalidad. Es una manera de mostrar que muchos trastornos comienzan en situaciones que se pueden corregir fácilmente si se cuidan algunos aspectos básicos.

La amistad de Raina con su amiga Jane y su enemistad con Michelle son otro de los aspectos fundamentales de esta obra. Muestra cómo las relaciones sociales son maleables y en determinados momentos pueden ir sufriendo cambios, lo cual es algo que suele producir mucha ansiedad e inseguridad en el niño de esta edad.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Coraje es un tratado en sí de Medicina Gráfica: Se centra en la emetofobia, pero Telgemeier fue una niña con numerosos problemas psicológicos como un trastorno alimenticio, miedo a sus propios gases, una fobia social que le impedía hablar en público y le provocaba somatizaciones en forma de dolor abdominal y un cuadro vagal con sudoración y malestar. La propia autora habla en una nota al final de la obra sobre cómo ha conseguido superar todos esos síntomas o, al menos, acostumbrarse a vivir con ellos.

Un punto muy importante que pone de manifiesto la lectura de la obra es cómo este tipo de trastornos se pueden confundir con problemas orgánicos. Raina acude en numerosas ocasiones a su pediatra, quien no duda en realizarle pruebas diagnósticas para descartar enfermedades digestivas.

Esta obra está dirigida a niños, pero es completamente apta para adultos. En todo caso, es una herramienta maravillosa para usar con niños que estén atravesando por algún problema de ansiedad o miedo, para hacerles ver que no es algo que solo les pase a ellos y que con ayuda y paciencia se puede acabar superando.

PREMIOS
Premio Eisner 2020 a la mejor escritora/ilustradora y a la mejor obra infantil (9-12 años). (Ganadora)
#1 New York Times Bestseller.
#1 USA Today Bestseller.
#1 Publishers Weekly Bestseller.
#1 Indie Bestseller.

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Las dos vidas de Penélope

FICHA TÉCNICA
Nombre de la autora: Judith Vanistendael .
Número de páginas: 160.
Fecha de publicación: Septiembre de 2020.
Editorial: Astiberri.
ISBN: 9788418215148.

TEMA
Penélope es una cirujana que lleva diez años colaborando con misiones humanitarias en el extranjero. Cuenta con el apoyo total de su familia, que la espera a sus retornos con cariño y comprensión. Pero la doctora cada vez se ve más fuera de lugar, y además se trae sus propios fantasmas del trabajo.

PUNTOS FUERTES
Las dos vidas de Penélope hace hincapié en la frontera que separa el trabajo de la familia del profesional sanitario. Plantea la despersonalización a la que se puede llegar cuando se vive inmerso en la profesión médica, especialmente cuando se trabaja en otra localidad.

La obra comienza con una interesante representación de las dos vidas paralelas de la protagonista, al contar en dos filas de viñetas la menarquia de su hija, que tiene que apoyarse en su abuela dada la ausencia de su madre, frente a la pérdida para Penélope de una paciente de la misma edad de su hija en el conflicto de Alepo (Siria).

Penélope vuelve a casa y descubre en su equipaje al fantasma de la niña muerta en Siria. Esta la irá acompañando durante su vuelta a casa, y representa a todos esos fantasmas que muchos sanitarios arrastran durante su carrera. Casos que marcan, errores que puedan cometer, en definitiva una voz de la conciencia que acompaña durante mucho tiempo, no necesariamente en forma de demonios, sino como recuerdos rumiantes que se puede tardar mucho en dejar ir.

El dibujo es muy simple y está coloreado con acuarelas. El uso de la acuarela tiene mucho peso narrativo, especialmente en lo que respecta al fantasma de la niña muerta, con un tono rojo vivo único para ese personaje. Marca una diferencia con respecto al resto y sirve como representación del concepto incluso cuando se mezcla con el escenario.

 

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Las dos vidas de Penélope no es una patografía gráfica. No gira en torno a ninguna enfermedad. No podemos decir que ese fantasma de la niña muerta sea debido a un síndrome de estrés postraumático, ni a una crisis de ansiedad. Simplemente representa la importancia y el peso de la responsabilidad de los sanitarios que, con una mala decisión o simplemente porque no se puede hacer nada, acabamos siendo testigos de la pérdida de una vida. Y tenemos que lidiar con ese recuerdo.

También representa, con una situación muy específica (la medicina humanitaria), la mella que hace la profesión en la vida personal de los sanitarios. Aunque no se trabaje en el extranjero, las jornadas de atención continuadas con turnos de 24h, en festivos o fines de semana suponen una importante huella sobre la vida privada.

En menor medida, también se hace hincapié en la normalización que puede llegar a vivir una persona que trabaja en escenarios de guerra hacia el horror y la barbarie de este tipo de conflictos.

Una gran obra para la reflexión sobre el sufrimiento de los profesionales sanitarios y esa falsa dicotomía que parece plantearse de profesional vs persona.

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Editorial Astiberri
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Pequeños trozos de ansiedad

FICHA TÉCNICA
Autora: Catherine Lepage
Traductor: Unai Velasco Quintela
Traducción: Unai Velasco Quintela
Editorial: Gustavo Gili
Páginas: 108
Fecha de publicación: 2020
ISBN: 9788425232787

TEMA
Es una obra autobiográfica ilustrada sobre cómo percibe la autora Catherine Lepage la realidad de la vida laboral y cotidiana encadenada bajo la constante presión de la ansiedad y sobre qué habilidades le ayudan a aliviarla.

PUNTOS FUERTES
Es posible que muchos de los síntomas que se distinguen en la ansiedad puedan ser reconocibles para muchas personas; al fin y al cabo, casi todos hemos pasado momentos de angustia ante la incertidumbre de acontecimientos o noches en vela por preocupaciones difíciles de encarrilar. Luego la ansiedad es relativamente comprensible al menos a nivel teórico por la sociedad. No obstante, en este pequeño libro la autora evidencia que las personas diagnosticadas de ansiedad conviven con estos sentimientos de forma permanente aunque no sea visible para los demás ni se manifieste de forma abierta.

Uno de los detalles más importantes de este libro es la forma como se ha generado. En algunas entrevistas la autora refiere que es el resultado de su propia experiencia con la ansiedad. Usando la ansiedad como fuente de inspiración estuvo realizando material ilustrado sobre la depresión y la ansiedad sin ninguna otra intención que para distraerse o desahogarse. Un tiempo después se planteó compartir todo ese material en un libro. Esta no es la única obra autobiográfica que ha publicado esta autora sobre su vivencia con enfermedad mental, ya en el 2007 publicó “12 meses sin interés: diario de una depresión”, no traducida al español.

El estilo y la composición del libro denotan a alguien que domina a la perfección el arte del diseño y la ilustración, y es que Catherine Lepage además de trabajar en el pasado como directora de arte para agencias de publicidad, en la actualidad tiene su propio estudio de diseño, donde se crean diferentes proyectos creativos para el sector cultural.

Estamos ante un libro basado en ilustraciones, unas composiciones dibujadas o tipo collage muy estudiadas para expresar desde lo más hondo cómo se vive y se sobrevive a la enfermedad. La misma ilustración acompañada de frases cortas nos adentra a las entrañas de la persona que convive con la ansiedad. El resultado es un conjunto de escenas nada pesadas, que transmiten la sensación de ser una obra alegre y animada, en algunas secuencias hasta dan el efecto de que sea divertido y gracioso, sin perder la seriedad del trabajo realizado y como profundiza en los sentimientos y las emociones que configura la enfermedad.

No es habitual encontrar un formato esencialmente ilustrado en todo el diseño de un libro, y sobretodo para hablar de conceptos de salud. Esta modalidad es asombrosamente amena y estimula a la reflexión más profunda de sus conceptos, ya que cada ilustración está cargada de significado y de sentido razonado. Para ponernos en contexto, podemos buscar en esta definición de la escuela francesa de ilustradores la fuerza del concepto ilustrado para entender más el alcance de este libro:

“Una ilustración es una representación visual de naturaleza gráfica o pictorial cuya función esencial será amplificar, completar, describir o prolongar un texto. Esta se distingue de la imagen en que tiene un función más autónoma. Salvo excepciones la ilustración se distingue de la obra de arte en tanto a que esta acompaña un texto y que se ha reproducido en múltiples ejemplares por procedimientos de impresión mecánica”.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Cualquier obra que parte desde las propias experiencias de la enfermedad obtiene un valor incalculable en la transmisión de información, conocimientos, vivencias y estados de ánimo que hace que otras personas que conviven con esta enfermedad, puedan verse reflejadas y obtener de estas obras acompañamiento, amparo y cercanía. Esta no es ajena a esta realidad. La honestidad de Catherine Lepage para hablarnos de su dolencia es asombrosa. La narrativa ilustrada mediante una pequeña frase y una ilustración es el proceso en que la autora se va despojando desde lo más a dentro de sí misma, para que el lector pueda viajar en todo un mar de sentimientos mostrados de forma generosa. Así, en cada página se gesta una información  testimonial de gran riqueza para las personas que lean este libro.

Aun siendo una temática donde se parte de sentimientos asociados al sufrimiento, a la angustia, al miedo y al descontrol de sí mismo, la autora argumenta y describe de forma muy creativa un camino narrativo ilustrado en forma de conceptos clave para tomar conciencia de la ansiedad y cómo afrontarla. Así, como si fuese una visita guiada revela 4 cosas que disparan la ansiedad: cansancio, reprimir las emociones, ser ambiciosos en nuestros objetivos y asumir más responsabilidades de las que podemos. Seguidamente el manejo de la atracción por las situaciones de riesgo. Un recuerdo de frases que ayudan a superar baches. Y para finalizar, el proceso de asumir nuestra parte de culpa.

Cogiendo textualmente el fragmento de una entrevista que se le hizo a la autora, podemos contemplar la utilidad que ella misma percibe del libro: “Creo que puede ser un gran alivio ver que no eres el único que siente ansiedad. También puede ayudar a personas que no sufren ansiedad a comprender qué viven las personas ansiosas” y lo hace de forma fácil… “Y para mí, es importante usar el humor para hacer que el tema sea menos dramático, así que si puedo hacer sonreír a un par de personas, ¡entonces estoy feliz!”. Claramente es un recurso a tener en cuenta.

Hay otro detalle interesante de fondo en la forma como se ha realizado y compuesto esta obra. El hecho de que sean ilustraciones que parten de la misma necesidad de la persona (en este caso, la autora del libro) y que se hicieran para dar salida a sus emociones, la autora refiere que terminaron siendo terapéuticas para ella misma. “Terminó ayudándome mucho porque aprendí más sobre mí y sobre cómo reaccionar ante los acontecimientos en mi vida cotidiana” “tuve que profundizar en mis entrañas para explorar mi lado más oscuro, analizar los orígenes de mi ansiedad: cómo puedo verlo venir, cómo va y viene, qué lo empeora, cómo puedo tratar de manejarlo”. Por lo que puede evocarnos a realizar algún tipo de trabajo reflexivo y creativo ilustrado que invoque a la expresión de emociones asociadas al proceso de la enfermedad.

Es una obra única y especialmente creativa que posiciona a la persona que padece ansiedad a través de un recorrido emocional, realista y plasmada con una lucidez sobrecogedora.

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Editorial Gustavo Gili
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Subnormal

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: Fernando Llor y Miguel Porto, basado en la historia de Iñaki Zubizarreta.
Número de páginas: 152.
Fecha de publicación: Agosto de 2020.
Editorial: Panini Cómics.
ISBN: 9788413344096.

TEMA
Iñaki es un adolescente con un tamaño superior a la media. En su Instituto, algunos niños la toman con él y comienzan a ridiculizarlo y a provocarlo. El joven soporta las vejaciones de sus compañeros con vergüenza e impotencia, intentando ocultar a su familia lo que le ocurre y llegando a pensar en el suicidio como una vía de escape.

PUNTOS FUERTES
La obra no se anda con miramientos y es explícita en las vejaciones de los chicos. Intenta que el lector entienda la situación que se puede llegar a atravesar desde el punto de vista del acosado y cómo pueden llegar a tener ideas autolíticas.

El guión es premeditadamente repetitivo, mostrando una y otra vez la misma situación, lo cual hace que el lector pueda esperar, por la inercia de la estructura narrativa clásica, que la situación cambie, que haya un momento en el que el protagonista haga algo que cambie la situación, que se rebele, que lo cuente,… algo. Pero no sucede. Aunque llega a tener amagos de rebeldía, se muestra bien que los acosadores suelen contar con una ventaja numérica o de poder que les hace ir con seguridad.

La historia está ambientada a principios de los ochenta, si atendemos a la biografía del protagonista real. De lo que más llama la atención es ver la figura de una profesora que, con una actitud peyorativa, a pesar de que se presupone que no lo hace por una inquina personal, contribuye a la mella en el ánimo del chico, y a que sus propios compañeros se crezcan en sus mofas. La profesora, con comentarios del tipo «eres tonto» hace que la propia estima del niño se vea más afectada aún. El rol que se presupone debería ser protector se convierte también en agresor.

El guionista se toma una licencia literaria con lo que respecta a los teléfonos móviles. En los años ochenta no eran frecuentes, pero al tratar el tema del acoso escolar, en el que hoy día el teléfono móvil tiene un papel tan relevante, se ha incluido en esta historia como un elemento más, y que acaba resultando una importante fuente de estrés para el protagonista.

El papel de la familia también sale a la luz. Los padres ven que a su hijo le pasa algo, pero él por vergüenza no lo dice, y tienen que investigar activamente para poder ayudarle. En este caso concreto, el padre tiene un papel activo, y es decisivo con respecto a los acosadores.

En cuanto a recursos gráficos, hay algunos muy interesantes, como el uso de las risas llenando toda la viñeta y oprimiendo al protagonista; o en la parte final en la que un Iñaki adulto tiene una pesadilla en la que el adolescente acaba rompiendo su piel para dejar escapar a ese adulto que ya es seguro de sí mismo, ha dado una patada al suelo y no está dispuesto a dejar que nadie le falte al respeto.

Iñaki Zubizarreta fue jugador profesional de baloncesto y una vez finalizada su carrera se ha dedicado activamente a dar charlas motivacionales a los más jóvenes sobre el acoso escolar.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Trata sobre el acoso escolar y muestra muy bien los cuadros de ansiedad que genera en el niño, y cómo los casos más graves pueden (y acaban en una proporción considerable) acabar en ideas autolíticas que pueden llegar a consumarse. Aborda bien la impotencia, el no saber cómo proceder y cómo se va minando cada vez más la confianza y la propia autoestima del acosado. La figura de la profesora con esos comentarios despectivos, cuando académicamente no cumple los requisitos exigidos, producen una mella más en dicha autoestima y es el ejemplo de que todo va sumando hasta un punto en el que el propio protagonista se plantea acabar con su propia vida.

Es un libro que puede ser de gran utilidad como ejemplo para abordar el acoso escolar en instituciones docentes, y para personas que no consiguen abrirse a la hora de confesar factores que están desestabilizándolos mentalmente, bien sea en el caso del acoso escolar, como de cualquier otro tipo de acoso. Este libro podría suponer un empujón para que alguien que se esté viendo en la misma situación de un paso adelante, y se de cuenta de las consecuencias que puede tener intentar gestionarlo sin ningún tipo de ayuda.

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Editorial Panini Comics
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Un Planeta, un desafio

FICHA TÉCNICA:
Autor: Traducido por Juan Antonio Prieto Velasco
Ilustrador : Revolver
Formato: DIGITAL (acceso libre)
Número de páginas y fechas:
Episodio 1: 32 páginas. Disponible en español el 13/05/2020.;
Episodio 2: 37 páginas. Disponible en español el 14/05/2020
Episodio 3: 31 páginas. Disponible en español el 17/05/2020
Episodio 4: 26 páginas. Disponible en español el 05/06/2020
Episodio 5: 30 páginas. Disponible en español el 12/06/2020
Editorial: GEN Z GROUP. Singapur.

TEMA
Wendy Hao es una joven médico que decide acudir a Wuhan atendiendo a la llamada que el gobierno chino ha realizado a los sanitarios para ayudar en el control de la pandemia por la COVID-19. Junto a la enfermera jefe Jane y el Dr. Li, director del servicio de medicina intensiva respiratoria y mentor de Wendy, nos mostrarán el gran trabajo realizado por los sanitarios para controlar la pandemia y atender a los enfermos por la COVID19.

PUNTOS FUERTES
¡Un mundo, un desafío! es una novela gráfica producida por la editorial GenZGroup, una empresa de manga educativo con sede en Singapur. Se trata un proyecto sin ánimo de lucro cuyo objetivo es difundir el conocimiento sobre la COVID-19 y concienciar a la población sobre la prevención y el tratamiento de esta enfermedad. La obra es una adaptación al comic del Manual de Prevención y Tratamiento de COVID19, publicado por la Fundación Jack Ma y el Primer Hospital Afiliado de la Facultad de Medicina de la Universidad de Zhejiang que ha servido de referente a los sanitarios chinos en la lucha contra la COVID19. Esta novela gráfica ha sido traducida a unos 20 idiomas y se puede descargar gratuitamente desde la web de Gen Z Group (www.genzgroup.org). El encargado de realizar la traducción al español ha sido Juan Antonio Prieto Velasco, profesor en el Área de Traducción e Interpretación de la Universidad Pablo de Olavide (Sevilla).

Un equipo de expertos seleccionados por la editorialse ha encargado de asesorar al dibujante de manga chino REVOLVER, conocido por dibujar mangas de suspense. La obra es un manga a color y está estructurada en cinco episodios.La narrativa está centrada en las vivencias de la joven Dra. Wendy Hao, lo que permite al lector ver la historia desde el punto de vista del sanitario y conocer de primera mano el titánico trabajo realizado por este colectivo durante la pandemia en China.

  • El primer episodio comienza con la comunicación de la joven Dra. Wendy Hao a sus padres de la decisión de trasladarse a Wuhan, para ayudar en el control de la pandemia junto a su profesor el Dr. Li, jefe de la unidad de cuidados intensivos respiratorios. En Wuhan Wendy comienza su adiestramiento junto a otros sanitarios recién llegados. El Dr. Li y la enfermera jefe, Jane, dirigen el aprendizaje en la colocación del EPI (Equipo de protección individual) y los protocolos de actuación ante diferentes situaciones clínicas. Wendy no pasa esta primera prueba y es destinada a realizar labores de prevención.
  • El segundo episodio comienza con una enfadada Dra. Hao realizando labores de educación sanitaria en las calles de Wuhan. El anhelo de Wendy es trabajar en el hospital y no entiende bien esta encomienda. Pero enseguida comprenderála importancia que esta tarea tiene en el control de la transmisión del virus a nivel poblacional, situación que permite mostrar al lector los aspectos epidemiológicos y las medidas preventivas a realizar para cortar la transmisión del virus.  Una anciana viandante con síntomas respiratorios precisa de la atención de la Dra. Hao que acaba acompañando a su paciente al hospital. Allí Wendy es reclutada por Jane, la enfermera jefe. La escasez de personal sanitario es notoria y Wendy entra a ayudar en Puesto de Detección Temprana, que el hospital hamontado para la atención de los pacientes con sospecha de infección por coronavirus, allí se encuentra con el Dr. Li quien da instrucciones sobre la recogida de muestras, y diserta sobre las lesiones que el SARSCov2 provoca en los pulmones y las imágenes radiológicas que produce.El Dr. Li ofrece a Wendy trabajar con él en la unidad de cuidados intensivos respiratorios.
  • El tercer episodio muestra las estrictas medidas de protección individual que el personal sanitario tiene que realizar para entrar en la zona COVID (denominada “zona sucia”). La Dra. Hao sigue atendiendo en la UCI a la anciana que ayudó en las calles de Wuhan. En este episodio se pone de manifiesto la importancia de cuidar del estado mental de los pacientes, el aislamiento, la soledad. La utilización de las redes sociales por Wendy para paliar esta situación en su anciana paciente ilustran uno de los momentos más emotivos del cómic. La sensación de aislamiento no es ajena a los sanitarios, también aislados de sus familiares.
  • El cuarto episodiocomienza con el equipo COVID desmoronado por la noticia de la infección de su jefe el Dr. Li, pero éste es capaz de trasmitir a su equipo la fuerza para seguir. En este capitulo Wendy deberá solucionar situaciones críticas provocada por complicaciones respiratorias y se muestra el protocolo de retirada de los EPI y salida de la la zona contaminada.
  • En el quinto capítulo se abordan los cuidados postCOVID que los pacientes que superan la enfermedad tras un internamiento hospitalario como es la rehabilitación respiratoria o los aspectos sociosanitarios que se plantean al tener que seguir la cuarentena en su domicilio. Un homenaje a la vocación de los sanitarios, representada en la figura de Wendy, da pie al final de esta maravillosa historia de esfuerzo y dedicación.

Cada capítulo incorpora un anexo con los fragmentos del Manual parala Prevención y el Tratamiento de la COVID-19 a los que se hace referencia en cada episodio. A esta información se puede acceder a través de un código QR.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
La ONU el 27 de marzo de 2020 realizó un llamamiento global a las creativas para echar una mano en la difusión de información a la población sobre aspectos preventivos y médicos de la pandemia y el mundo del comic es un medio idóneo para cumplir este objetivo.

Esta novela viene a cubrir la brecha informativa abierta entre los profesionales sanitarios y los ciudadanos. La narrativa gráfica durante la pandemia ha sido poco proclive a presentar al público general la realidad de lo que estaba ocurriendo dentro de los centros sanitarios, las consecuencias de la enfermedad y el esfuerzo ingente realizado para controlar al virus. Que sea un comic el que venga a suplir esta carencia no es una casualidad. La presentación de esta realidad por Los medios de comunicación a través de fotografías o filmaciones posiblemente no sería bien tolerada por la sociedad actual y habría sido tildada de poco ética o sensacionalista, sin embargo, el comic ofrece una narrativa propia del cine y una representación de la realidad a través de dibujos que lo hace más tolerable y efectivo. Además, la técnica del manga aporta su fuerza narrativa y expresividad en los momentos de mayor énfasis lo que permite empatizar con el lector.

Como ya se ha comentado, la obra está basada en el Manual de Prevención y Tratamiento de la COVID19 que ha servido de referente a los sanitarios chinos. Si algo hay que destacar de esta obra es el alto nivel científico y exquisito rigor tanto en la representación gráfica de los dispositivos sanitarios (el dibujo de las gafas nasales de alto flujo es impecable)como en la descripción gráfica de los tediosos pasos de ponerse y quitarse el EPI ofreciendo verdaderas infografías o la descripción de técnicas como la intubación orotraqueal o la colocación de un tubo de drenaje torácico, propias de un manual de medicina.

El hilo argumental hace pasar a nuestro personaje principal, la Dra. Wendy Hao, por todos los epígrafes del Manual de una manera fluida, permitiendo tocar todos los temas que se desarrollan en este documento clínico de forma amena y accesible, con las dosis de dramatismo y la expresividad de los grafismos del manga, sin decaer un ápice en el rigor científico.

Las medidas y protocolos aplicados por las autoridades chinas en la pandemia no son extrapolables al cien por cien al resto de países, pero los sanitarios que hemos estado trabajando en primera líneanos podemos ver reflejados en muchas de las situaciones planteadas en esta novela gráfica, por ello este cómic es una lectura muy recomendable también para sanitarios. En definitiva, tenemos en nuestras manos un material muy valioso, y como tal merece la mayor divulgación posible.

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Queridos Difuntos

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Lorenzo Montatore
Número de páginas: 123
Fecha de publicación: Marzo 2020
Editorial: Sapristi comics (Roca Libros)
ISBN: 9788494980879

TEMA
La muerte, acompañada de un demonio aficionado al anís, decide hacerse humana y visitar un pequeño pueblo con el objeto de  experimentar cómo es esa vida que ella misma se dedica a quitar.

PUNTOS FUERTES
La originalidad de este comic es enorme. Empezando por su título y su portada de un amarillo intenso, todo en él es diferente. Los personajes que aparecen tienen lo mínimo imprescindible para ser reconocidos como figuras humanas, la simplicidad le aporta una enorme riqueza. Los dibujos son planos y los colores básicos y sin sombras. Los escenarios de la acción recuerdan a video juegos de Mario Bross donde avanzan en una misma dirección y a veces suben o bajan de nivel.

El lector tiene una intensa sensación de movimiento pero cuando te paras a analizarlo te das cuenta la maestría con la que lo consigue. Entre estar parados o que te parezca que corren hay una ligerísima inclinación de los personajes, y poco más. Es un cómic que juega muy bien con lo que uno lee y con lo que realmente no está en las páginas pero el autor asume que está en la mente del lector.

El libro está dividido en capítulos y el final de cada uno representa un pequeño coro de iglesia que canta sobre la muerte y empieza siempre con «la muerte viene cantando, la muerte viene cantando….». resulta muy peculiar. Hay algo curioso en esto, al ser tan repetitivo, el lector casi tiende a ponerle una música mental y retro de la misma forma que durante el resto de las viñetas pareciera que suena el tonito de un video juego de fondo. Montatore  es un mago de lo invisible. Un comic con banda sonora mental.

Una mayoría de páginas se divide en ocho viñetas. El fondo de las mismas, siempre de colores planos. El acabado de los dibujos es imperfecto, junto con la tipografía dibujada le dan un interesante carácter, como si fuera solo para ti y no un cómic comercial.

Respecto al contenido de la historia, resulta también tremendamente original. La muerte está cansada de ir quitando vidas sin entender lo que esa vida significa así que convence a su «compañero de trabajo», el diablo utilizando la excusa de que en un pueblito seguro que hay anís, para hacerse humanos durante un día. A partir de ese momento la muerte se va encontrando con los lugareños y experimenta emociones y sensaciones humanas: el dolor físico y el emocional, las lágrimas, la risa, el humor, una borrachera, el placer por la música…lo bueno y lo malo de estar vivo. Los personajes que aparecen son, una vez más, tremendamente originales pero a la vez podrían ser cualquiera de nosotros.

Conoce a viudas y huérfanos y el dolor de su pérdida, entiende cómo algunas muertes marcan a poblaciones enteras décadas después de ocurrir, cómo el «tiempo parece simultaneo». Es testigo de cómo la muerte es algo que está siempre en el aire, la preocupación de cómo es «el después», si hay otra vida y si hay re-encuentro con tus seres queridos, o la magnífica pregunta de cómo será estar muerto: «Imagino un universo blanco y solitario, un silencio habitable». Esta observación planteadas por un «cerdo existencialista» que vive escondido y extremadamente delgado para que no le hagan jamones te hacen reir y a la vez te deja pensando

Frente al dolor de un suicida por la muerte de toda su familia, la muerte se apiada  borrando sus recuerdos como única solución. La felicidad como combinación última de buena salud y mala memoria llevada al extremo.

Queridos difuntos requiere dos lecturas. Es una obra tan intensamente original, con tantos guiños al lector que en una primera lectura es fácil quedarse absorto solo en lo estético, en su sorprendente arte, en ese «expresionismo pop».  El prólogo de Gerardo Vilches es de imprescindible lectura pues te coloca en disposición de apreciar cosas que de otra manera te podrían pasar desapercibidas.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Muy corto y muy simple: porque necesitamos parar con más frecuencia y reflexionar sobre la muerte. Queridos difuntos, de una manera surrealista y algo esperpéntica, es una herramienta para favorecerlo. Ya sea a nivel personal o como medio para charlar sobre el inevitable  final. Es una manera de abrir la imaginación a reflexiones y conversaciones sobre el final de la vida, el duelo, y el miedo a la muerte.

En una sociedad que vive de espaldas a la ineludible muerte, es imprescindible el recordatorio. Como dice uno de los personajes: «hace ya mucho que me di por muerto, tan pronto como pensé la vida por primera vez». Hablar de la muerte es hablar de la vida.

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Editorial Roca
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Medicina POP

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Yo Doctor (Guido Rodríguez de Lema y Juan Sánchez-Verde)
Número de páginas: 100
Fecha de publicación: Septiembre 2020
Editorial: Plan B (Penguin Random House)
ISBN: 978-84-17809-61-4

TEMA
100 personajes de cultura pop , reales o ficticios, convertidos en casos clínicos de posibles patologías reales.

PUNTOS FUERTES
Juan y Guido, los componentes de este peculiar dúo de Yo, Doctor son médicos, ilustradores y con una imaginación desbordante. Sus herramientas para crear este sorprendente libro son los conocimientos profundos en Medicina, la capacidad de análisis, un sentido del humor inteligente y un gran arte . El concepto «divulgación gamberra» define lo que hacen y Medicina Pop es un excelente y útil  ejemplo.

Uno de los puntos fuertes de Medicina Pop es su tremenda originalidad. Es un cómic inusual. A partir de personajes de cultura pop, hacen repasos  de enfermedades, signos clínicos, síntomas y síndromes de forma ordenada, concisa, visual y atractiva. Algunas son patologías frecuentes, otros síndromes raros.

Cada una de las páginas es una ficha que contiene el nombre de la patología o síntoma, la imagen del personaje o persona, con el ya personal y reconocible estilo de dibujo de Yo,Doctor  y una lista de pequeños apartados que siempre comienzan con  la definición de la misma. Todo enriquecido por pequeñas notas y dibujos con apariencia de haber sido añadidos a mano y a lápiz, como los apuntes de un estudiante. Además añaden a pie de página el código de clasificación internacional de enfermedades ICD-10.

Una gran fortaleza de este libro es que Yo, Doctor no pierden un ápice de rigurosidad médica en el repaso que hacen de los términos, independientemente que hayan pecado como ellos mismos dicen «de excesiva inventiva» en achacar enfermedades a unos y otros. Con este libro repasas, aprendes y por el camino, no paras de reir y de sorprenderte por lo acertada que es la idea.

Medicina Pop funciona también como un juego pues los nombres de los personajes no aparecen y los autores te retan a ir apuntando en una hoja final, la identidad de estos caracteres.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Medicina Pop es un gran ejemplo de herramienta de comunicación en salud  en su faceta de divulgación y educación sanitaria. Desde el médico a la sociedad y también desde el médico a otros profesionales sanitarios.

Medicina Pop es una «aproximación al mundo de la medicina para el público general» como ellos mismos lo describen. Pero Medicina Pop ofrece además un ángulo de aprendizaje que es la base misma del diagnóstico. A partir de signos y síntomas, de una historia contada por el paciente, de lo que observa el médico, se hace un primer diagnóstico diferencial que luego  se podrá corroborar a través de exploración y a veces  pruebas. Dado que en las Facultades de Medicina se sigue aprendiendo a partir del concepto de enfermedad y que los temas se explican y aprenden como patologías, Medicina Pop acerca a la realidad del diagnóstico, al paciente que acude con una serie de quejas, signos o síntomas pero sin el cartel de la enfermedad que le aqueja.

Medicina Pop es surrealista pero es lo que hacemos día a día, diagnosticar y considerar la mejor forma de ayudar a esa persona. Hacer un diagnóstico de la amnesia anterógrada a Dori, la amiga de Nemo, de  clorosis al terrible Hulk o de parasitosis a la prota de Allien, dan un nuevo pero a la vez antiquísimo aire al proceso diagnóstico. Esto lo hacemos de manera formal en las consultas, como la esencia de nuestro trabajo pero es algo que no es infrecuente que el médico se «lleve a la calle». Quien no se queda mirando la lesión en la piel del cuello de la señora  de la cola del supermercado o calcula la hemogrlobina del señor pálido en el trayecto del metro. Esa obsesión diagnóstica reconvertida a ocio define lo que hacemos muchos y que Yo Doctor elevan a arte.

Original, divertido pero lleno de buena Medicina.

ENLACES DE INTERÉS
Editorial Penguin Random House
Web de los Autores
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Menstru: Tu amiga fiel

FICHA TÉCNICA:
Nombre Original: “Seiri-chan, vol. 1”
Nombre del autor: KEN KOYAMA
Traducción: Ana María Caro
Número de páginas: 224
Fecha de publicación: Junio 2018 (Japón), Septiembre 2020 (España)
Editorial: Tomodomo
ISBN: 978-84-16188-95-6

TEMA:
Manga de tono humorístico que relata la historia de distintas protagonistas en torno a la menstruación como tema central, la cual interactúa con ellas como un personaje más.

Desde el ama de casa a superheroínas y personajes históricos de distintas épocas, sus historias nos sirven para aprender más de la menstruación y cómo la viven cada una de ellas.

PUNTOS FUERTES:
El estilo artístico de Ken Koyama, de trazos relativamente simples pero realmente efectivo y con un toque incluso adorable, casa perfectamente con el tono humorístico de la obra, de lectura entretenida y ligera. La menstruación aparece ya en la segunda página del cómic como un personaje más que llega a casa de la protagonista de la primera historia, el ama de casa,  para “visitarla” como cada mes. Un personaje con el que incluso comparte confidencias, pero que poco tardará en darle “lo de siempre”: golpes que se traducen en dolor y cansancio, pinchazos que drenan su sangre… Pero la menstruación no será la única en ser personificada, pues en los siguientes capítulos veremos aparecer a don Libido, el Chico Virginidad o la SPMcita, esta última, una suerte de personificación del síndrome premenstrual.

La variedad de personajes y situaciones nos permitirá tocar distintos temas. El capítulo de las superheroínas nos permite imaginar qué supondría para ellas estar con la menstruación y nos sirve de excusa para ver cómo no a todas las mujeres les afecta de la misma manera. En el siguiente capítulo viajaremos a la era Edo, donde aprenderemos cómo vivían la menstruación las mujeres japonesas de aquella época, a las cuales, como en otras culturas, se las tachaba de impuras y eran apartadas en lugares especiales mientras tenían el periodo. Más tarde veremos cómo la vive una estudiante de bachillerato, pero también cómo es vivir con la libido por las nubes… Veremos lo que es vivir la primera regla, se tratarán ligeramente los trastornos alimentarios y se nos contará la interesante historia de Yoshiko Sakai, la empresaria que introdujo las compresas desechables en Japón, bastante más tarde de lo que podríamos imaginar.

Ken Koyama, autor del manga, comenzó su historia como web cómic, pero su éxito le llevó  incluso a ser adaptada a una película de imagen real en 2019, año en el que también recibió el Premio Cultural Osamu Tezuka

Sorprende que una obra de esta índole haya sido realizada por un autor varón, el cual podría hacernos pensar que se trata el tema desde fuera y con el sesgo de no vivirlo en primera persona y, aunque puede ser cierto, no repercute en la calidad final de la misma y en su cometido.

Es destacable la importante labor de su traductora, Ana María Caro, y el apartado final de notas culturales y curiosidades

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA:
Aunque no es una obra que trate la menstruación en profundidad, es decir, no se mete en tecnicismos ni en explicarla de forma científica, sí que sirve para aprender y empatizar con las mujeres. Sus síntomas son mostrados de manera cómica, pero efectiva, y su variedad de situaciones nos permite ver cómo no a todas las mujeres les afecta de la misma manera, desde la primera vez que llega (menarquia) hasta la rutina de su llegada mensual o la inquietud cuando no llega, así como para tratar otros temas como la virginidad, el deseo sexual, los trastornos de conducta alimentaria, el bullying (estos dos, muy “de puntillas”), el sexo seguro, la autoestima, la menstruación en distintas épocas, el machismo, la menstruación como tabú, la llegada de las compresas a Japón y cómo era vivir sin ellas…

En definitiva, muchos temas que afectan a la salud de las mujeres. Es una obra que, por sus características, podría recomendarse a cualquier persona, ya sea profesional sanitario o paciente, sea del sexo que sea.

ENLACES DE INTERÉS:
Editorial Tomodomo
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Depresión o Victoria

FICHA TÉCNICA
Nombre de la autora: Meritxell Duran
Número de páginas: 200 págs.
Fecha de publicación: febrero 2020
Editorial: Reservoir Books
ISBN: 8417910174

TEMA
Este libro ilustrado es un viaje de ida y vuelta (por suerte) al pequeño infierno cruel del interior del ser humano: la depresión. El viaje se inicia en el relato de una infancia hostil y una adolescencia con nuevas emociones difíciles de gestionar, atravesando la parte más oscura de la enfermedad para terminar en el resurgir de la protagonista.

PUNTOS FUERTES
La historia empareja una página de texto con una ilustración. Los textos son breves y concisos, e incluyen siempre una definición a pié de página de la palabra más relevante del párrafo. Se trata (citando a la autora) de un relato construido por muchas voces, a partir de testimonios de pacientes, médicos y terapeutas. Esto suma credibilidad al contenido y hace que se haya conseguido un texto consolidado que unifique muchas vivencias en un mismo relato.

Las ilustraciones siguen una estética sencilla, dibujadas en escala de grises y resaltan mucho los gestos de los personajes, facilitando al lector el conocimiento de su mundo interno.

Comentamos algunos de los guiños de la autora en forma de metáfora visual:

  • Durante la adolescencia, la protagonista dice sentirse cómoda en el silencio ya que no sabe gestionar todas las nuevas emociones que están emergiendo. Esto le lleva a aislarse tras un muro que ella misma se construye.
  • Varias son las escenas en las que se representa el llanto; la más significativa es en la que en lugar de ojos la protagonista tiene grifos de los que brota un chorro de lágrimas.
  • La metáfora más predominante es la de dibujar distintas situaciones dentro de la cabeza de la protagonista: un sinfín de cajones representando el desorden, un laberinto prueba de la complejidad de sus pensamientos, una bomba a punto de estallar, una maquinaria de engranajes de cuya chimenea emerge el ego…También hay una escena en la que se representa el pensamiento de la protagonista como un conjunto de líneas que parten de su cerebro y su corazón para cruzarse y hacer ovillos por toda la página, dando idea de un posible trastorno del curso del pensamiento.
  • El ego es representado como una sombra gigante y oscura que va creciendo dibujo a dibujo; al principio la protagonista se enfrenta a él, pero finalmente termina por dominarla y engullirla. A partir de entonces empieza la enfermedad, la vida en horizontal. El personaje es encarnado por el monstruo del ego hasta que logra vencerle en las últimas páginas.
  • Hay una ilustración al final de la historia en la que se resume el transcurso de la enfermedad en nueve caras del personaje. Gracias a la expresividad gestual hace un resumen del viaje hasta ese momento.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
“Depresión o victoria” es un libro ilustrado que podría ser útil para pacientes que atraviesan un proceso distímico o del espectro clínico de la depresión, ya que habla muy claro de los mecanismos del “yo” que originan este trastorno, ofreciendo sentido y herramientas para pasar poco a poco a la acción. También puede ser útil su lectura para profesionales de la salud mental, familiares y entorno de la persona afectada.

Es interesante cómo explora de forma lineal el camino hasta la depresión, destacando ciertos factores de riesgo en la infancia y adolescencia. Una vez llega a ella, representa otros trastornos para los que las personas con depresión son vulnerables: insomnio, ansiedad, consumo de alcohol y tóxicos, mala alimentación, falta de cuidado personal, propensión a infecciones, etc.

La última parte de la historia destaca los pasos para salir de ella, siendo el primer paso reconocer la enfermedad. El inicio del cambio viene de activarse sin exigirse demasiado, cada día un nuevo paso. El deporte, cuidar el círculo social, aprender a “no hacer nada” observando la naturaleza, la meditación… son algunas de las herramientas para combatir tristezas y que no te vuelvan a inmovilizar. Por supuesto la protagonista menciona la ayuda sanitaria en forma de medicación y terapia, aunque en su caso no dio con la mejor psicóloga ya que critica su falta de disponibilidad ante una enfermedad que “no entiende de vacaciones”. Todas estas medidas de soporte ayudaron a la protagonista a ir encontrándose para poder hacer el gran trabajo individual de dejar de arrastrar al ego enfermo.

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Editorial Penguin Random House
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El Cáncer de Mamá

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Brian Fies
Traducción: Sofía de la Fuente y José Luis de la Fuente.
Número de páginas: 132 págs.
Fecha de publicación: 2020.
Editorial: SaludArte Ediciones.
ISBN: 978-84-121347-1-1

TEMA
Relato autobiográfico del autor en el que narra sus vivencias y las de su familia desde el diagnóstico de cáncer avanzado de su madre y durante todo el proceso del tratamiento.

PUNTOS FUERTES
El lector puede verse sorprendido inicialmente por el formato de la obra que, alejado del que solemos estar acostumbrados, se muestra apaisado.

Esto no es casual ni fruto de un capricho sino que obedece al hecho de que el cómic inicialmente fue concebida como un webcómic, es decir, una publicación en formato digital de cada una de las páginas espaciándose en el tiempo de la siguiente.

Esto tiene un gran impacto, no solo en el diseño de página, que en este caso se adapta al de un monitor de PC (aunque no todos los webcómics siguen este formato), sino que influye en gran medida en la narrativa.

Cada página en cierta manera es autoconclusiva, deja una pequeña idea para asimilarse, y hace que la lectura sea pausada con apenas acción (piense el lector que en su formato original se podía leer una página y no leer la siguiente hasta días más tarde) lo cual encaja perfectamente con el tema tratado y, lejos de resultar tedioso, engancha desde el principio haciendo que resulte difícil cerrar el libro hasta llegar al final.

El estilo de dibujo, que evoca las viñetas de los periódicos, se caracteriza por el uso de una línea clara con uso de grises planos y en ocasiones color, también plano, como recurso narrativo.

Mención especial merece la lectura del epílogo y las notas posteriores al mismo de los que, no explicaré nada para no arruinar tan magnifico broche de oro a una obra merecidamente premiada.

El cáncer de mamá hace un uso magistral de las metáforas, la más llamativa es la representación de la paciente como una funambulista en una cuerda sobre un foso de cocodrilos, en un equilibrio casi imposible de tratamientos. También de recursos clásicos del cómic como mostrar a la vez lo que se dice vs lo que se piensa o se entiende.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
“El cáncer de mamá” es una obra muy detallada del proceso de un cáncer avanzado desde el punto de vista de uno de los cuidadores principales.

Desde el punto de vista de una persona ajena al mundo sanitario es muy interesante ya que se habla de todos los temas que preocupan o sorprenden al autor como son los síntomas iníciales, en este caso neurológicos que llevan al diagnóstico definitivo, de las fases de llevan a la aceptación de la enfermedad tanto de la paciente como de los cuidadores y de los tratamientos y sus efectos secundarios.

Aparecen gran cantidad de escenarios en el medio hospitalario, que sin duda ayudan a desmitificar lo que ocurre durante un tratamiento oncológico. Imágenes de TAC explicadas, la protagonista recibiendo quimioterapia, las consultas…etc. La más llamativa es la página dedicada a la radioterapia para las metástasis cerebrales, en las que aparece incluso la máscara facial que te fija a la mesa.

El hecho de que la obra sea autobiográfica le da un gran valor, aunque, como en muchas patografías hay que entender que se trata de la vivencia de una persona y por tanto no puede generalizarse a otros pacientes en situaciones similares.

Desde el punto de vista de los sanitarios nuevamente nos vemos tras la óptica del paciente, y, aunque la obra es más benévola que en otras patografías y en general todos los sanitarios que aparecen no salen mal parados si es cierto que en ocasiones se les percibe como deshumanizados y hay un capítulo en el que el autor verbaliza su impresión de que el tratamiento oncológico se basa en la improvisación.

El papel de la familia aparece con enorme fuerza, un gran recordatorio de cómo afecta una enfermedad grave no solo al paciente sino a sus seres queridos, la irritabilidad, la ansiedad y los conflictos que esto crea y también su fortaleza. Aparece el gran dilema que afrontan con frecuencia las familias, tan real, sobre cómo compartir información dura y compleja con el paciente.

Por último, destacar que la obra transcurre en EEUU y por tanto algunos de sus aspectos de su sanidad pueden sorprender a lectores de otros países con otros modelos como puede ser que el tratamiento del tumor primario y de las metástasis se realiza en hospitales diferentes o la integración, casi a modo de atención primaria la osteopatía, una pseudociencia, en sistema de salud.

El grupo anglosajón Graphic Medicine considera esta obra uno de los mejores exponentes de la Medicina Gráfica por ser un cómic que ofrece todos los puntos fuertes del medio. Ha sido objeto de estudio en varias publicaciones médicas y no médicas en relación a las posibilidades de los cómics.

Es una obra muy rica, realista y con contenido útil para profesionales, familiares y pacientes.

PREMIOS Y MENCIONES:
Premio Eisner al Mejor Cómic Digital (Ganadora)
Premio de Literatura Juvenil Alemana (Ganadora)
Premio Harvey al Mejor Talento Novel (Ganadora)
Premio Lulu Blooker (Ganadora)

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Editorial SaludArte
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¿Quién le zurcía los calcetines al rey de Prusia mientras estaba en Guerra?

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: ZIDROU (guionista) y ROGER IBÁÑEZ (ilustrador)
Traductor: Gasp
Número de páginas: 56
Fecha de publicación: Noviembre de 2013
Editorial: NORMA Editorial.
ISBN:978-84-679-1387-3

TEMA
Michelou es un hombre adulto con la mente de un niño pequeño. Hace años tuvo un grave accidente de tráfico que lo dejó con una importante discapacidad intelectual. Su madre, una mujer ya mayor, dedica su vida a cuidarle. Esta es la historia de ambos.

PUNTOS FUERTES
Michelou tuvo un accidente de tráfico cuando circulaba imprudentemente a alta velocidad bajo los efectos del alcohol. Antes de eso tenía una vida normal, con las mismas ilusiones y aficiones de otros adolescentes de su entorno, y con relaciones familiares, de amistad y de pareja como las de otros chicos de su edad.  Como consecuencia del accidente, sus proyectos e ilusiones se truncaron. Los médicos que le atendieron pensaban que jamás volvería a hablar, ni a andar, que quedaría “como un vegetal el resto de su vida”. Sin embargo, recuperó la capacidad de hablar, y la capacidad de andar pero como consecuencia del daño cerebral sufrido, perdió otras muchas capacidades. Es un niño atrapado en el corpachón enorme de un adulto y sus ilusiones giran en torno a una serie concreta de dibujos animados, del juego del cuatro en raya y del chocolate. Ha ganado mucho peso, tolera mal las frustraciones y sufre cuando se interrumpen sus rutinas, es vulnerable e irascible. Como todos, tiene filias y fobias (le gusta la lluvia, no le gusta el viento). Toma medicación para evitar la presentación de crisis epilépticas. Con cierta periodicidad, quizás diaria, sube a un autobús que lo lleva a “Los Colibríes”, un centro ocupacional o de rehabilitación del que no se espera que consiga mejorar sustancialmente su situación, más allá de ocupar su tiempo y permitir que se relacione con otras personas en un entorno vigilado. Aunque Michelou puede moverse con normalidad, es incapaz de cuidar de sí mismo, por falta de iniciativa o de habilidades pero por suerte, tiene a su madre que se hace cargo de él.

De Michelou, no sabemos mucho más. Pero es que no es en él en quien la obra pone el foco, sino, precisamente, en su madre Catherine Hubeau, una mujer mayor cuya vida gira en torno a su hijo dependiente, de quien ejerce como cuidadora. Sabemos de ella que, en otro tiempo, tenía dos hijos adolescentes, independientes, y que el accidente de Michelou la cogió tan por sorpresa como al resto de la familia. Asume la tarea titánica de priorizar las necesidades de su hijo frente a las suyas propias, siendo capaz de relegar estas a un plano tan secundario que casi parecen no existir. No tiene más proyecto que “seguir” día tras día, asegurando el bienestar de Michelou; su dedicación resignada suscita compasión en su entorno más cercano.

Sabemos, porque así vamos a leerlo, que otras personas en situaciones similares tiran la toalla, y se rinden, mientras que ella sólo excepcionalmente se deja abrumar por un puntito de impaciencia, y que alguna vez, en un momento de especial debilidad, deja entrever su angustia por la constatación de que la edad le resta capacidades de las que no puede prescindir… y de que no tiene relevo.

La obra se centra, entonces, en la figura del cuidador. Concretamente, en el cuidador (cuidadora, en este caso, como en la inmensa mayoría de los casos en la inmensa mayoría de culturas y sociedades) de una persona dependiente por un déficit cognitivo derivado de un daño cerebral adquirido. Destaca la sensibilidad con que los autores se aproximan a la señora Hubeau, el retrato minucioso que hacen de su compromiso, de su valentía, de sus renuncias.

Que Catherine Hubeau sea la madre de Michelou tampoco es un detalle superfluo: la dedicación de la madre va mucho más allá de lo que cabría esperar de una actuación profesional, por muy esmerada que ésta fuera. Detrás de un título tan largo y que resulta, a priori, tan desconcertante cuando se lee fuera de contexto, se esconde la referencia a una persona que ha hecho como objetivo prioritario de su vida el cuidado de los detalles cotidianos que cubren las necesidades de otra persona, con una constancia y un cariño tal que hacen que su sacrificio (que existe, y esta obra lo evidencia) pase casi inadvertido para el destinatario de sus desvelos. El guión se estructura en capítulos independientes, de duración variable, que relatan anécdotas de la convivencia cotidiana, en cada una de las cuales se encuentran piezas que permiten al lector ir conociendo las circunstancias en las que se ven o se han visto inmersos los personajes (con algunas referencias al pasado en forma de flashbacks), y, con ellas, a los personajes mismos.

La expresividad del dibujo de Roger, colindante a veces con la caricatura, es el contrapunto amable necesario para presentar una historia dura que, de otro modo, resultaría todavía más dolorosa. Una obra maestra extraordinariamente cuidada en su mensaje y en su forma, en la que ya desde el diseño de la cubierta la heroína protagonista se relega a sí misma al lugar secundario de la contraportada, desde la que, esbozando una sonrisa triste estrecha la mano de su hijo para darle seguridad.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
“¿Quién le zurcía los calcetines al Rey de Prusia mientras estaba en la guerra?” es una obra muy aconsejable para llamar la atención sobre el papel del cuidador del enfermo crónico, especialmente del cuidador del enfermo dependiente. Que en la historia presentada el cuidador sea una mujer, y que sea la madre de la persona dependiente no es, en absoluto, un artificio forzado, ni tampoco un tópico injustificado: es la constatación de una realidad, pues la sociedad suele delegar el cuidado de sus dependientes en los familiares cercanos, especialmente en los de género femenino. Y el hecho de que la persona dependiente, en esta obra, no tenga problemas de movilidad, sino un déficit intelectual adquirido como consecuencia de un daño cerebral por un traumatismo, llama también la atención sobre el hecho de que la dependencia tiene muchas más facetas que las condicionadas únicamente por la incapacidad motora.

En un punto determinado hay tambien un pequeño recordatorio de la importancia de no alterar la toma de medicamentos antiepilépticos por el riego que conlleva de que reaparezcan las crisis.

Esta obra es un llamamiento a preocuparnos, desde las consultas, del bienestar de los cuidadores, en particular de los cuidadores mayores. Su ansiedad y su sufrimiento puede no ser aparente a primera vista.

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Norma Editorial
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Paul en Quebec

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Michel Rabagliati
Traductor: Óscar Pálmer
Número de páginas: 187
Fecha de publicación: enero 2013
Editorial: ASTIBERRI
ISBN: 978-84-15163-95-4

TEMA
Roland sufre un cáncer de páncreas intratable y se enfrenta al último tramo de su vida. Está casado con Lisette y tienen tres hijas y cinco nietos. El narrador  de la historia es Paul, su yerno.

Paul, su mujer Lucie y su hijita Rose viven, con el resto de la familia, el deterioro y finalmente la muerte de Roland en un centro de cuidados paliativos en Quebec.

PUNTOS FUERTES
Paul en Quebec es parte de una serie de libros independientes semi-autobiográficos. El autor cuenta esta historia sobre la muerte y el duelo, desde su experiencia.

La lectura es fácil, ágil y mezcla escenas totalmente intrascendentes de absoluta cotidianidad con otras dramáticas que tratan la enfermedad, las relaciones familiares, el miedo, la tristeza o la muerte. De hecho tienen que pasar muchas páginas de esta novela gráfica para empezar a vislumbrar una historia de cáncer y muerte. El autor sabe jugar con los tiempos y la imaginación del lector y alarga con pasmosa lentitud algunas escenas cotidianas en las cuales se reconoce cualquier lector. Interacciones familiares, la búsqueda de nueva vivienda, problemas de pareja, un traslado de casa, fiestas, problemas tecnológicos con el ordenador…pequeñas cosas con las que uno sin querer se va metiendo en la historia, sin sobresaltos, sintiéndose identificado.

La estética de este cómic en tonos grises, es clásica; cada viñeta va encuadrada y se utiliza caja para narración y bocadillos para conversación. El dibujo es de trazo bien marcado y aunque los rostros de los protagonistas son muy sencillos, los escenarios están llenos de detalle que se disfruta con lentitud en su lectura.

Los capítulos están divididos en periodos de tiempo muy acordes con el proceso de la enfermedad. Al comienzo deja pasar un año, después tres capítulos que representan tres meses y finalmente capítulos por días, en la etapa final.

La historia engancha fácilmente, resulta atractiva en su presentación, fresca y realista en su desarrollo y los personajes son personas «normales», con historias creíbles. No es de extrañar que se haya creado después una película de cine (no de dibujos animados) y que haya ganado varios premios.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Paul en Quebec es una muestra excepcional de Medicina Gráfica por la manera en que refleja las emociones de un enfermo en fase terminal y por la demostración de los excelentes Cuidados Paliativos que recibe. La historia se desarrolla en Canadá donde existe ya una fuerte tradición de los «hospice», hospitales dedicados exclusivamente al cuidado de personas en su tramo final. Como bien se definen en esta novela gráfica, poco tienen que ver con los hospitales al uso. Aquí se da preferencia al bienestar, a la parte humana y se cuida al paciente y a los familiares en un paraje geográfico precioso. Es curioso como ante una actitud muy negativa de Roland en los primer día en el hospice su mujer le amenaza con llevarle a un hospital donde «no te tratarán con guante de seda como aquí».

Es llamativo ver cómo evoluciona el estado de ánimo del protagonista de esta historia. Roland, un hombre muy familiar, volcado en el bienestar de los suyos que inicialmente decide no contar a sus hijas su enfermedad. Su patología progresa rápidamente pues lo que inicialmente era un cáncer de próstata debuta como un cáncer de páncreas con una obstrucción intestinal. A partir de ahí el pronóstico es infame y su médico le predice tres meses de vida.

De ser un hombre afable y encantador, entra en una fase en la que se convierte en una persona de mal carácter, enfadado con el mundo.  La debilidad física pronto se convierte en fragilidad y Ronald ingresa en un hospice. Al principio continua su actitud agresiva y desafiante pero poco a poco va aceptando su realidad y disfruta de una rutina que involucra de cerca a su familia y que incluye pequeños placeres como el tabaco y el juego de scrable.

Es interesante ver cómo una enfermedad terminal afecta a toda la familia, sus sentimientos y sus dinámicas cotidianas. Hay una escena en la que Rose, una de las nietas, le pregunta a su padre si el abuelo se va a morir. El intercambio no es solo enternecedor sino que refleja muy bien el pragmatismo con el que los niños parecen aceptar la cercanía de la muerte.

Roland no quería ser consciente de que se moría y así se lo había dejado muy claro al equipo de paliativos antes del deterioro final. Cuando pide que le duerman porque «no quiere ver llegar a la parca», se le administra sedación paliativa tras comentarlo con la familia. Roland pasa a un estado de semiinconsciencia plácida pero sorprende a todos llevando el ritmo con la mano de su música favorita. A su muerte encuentran que también ha dejado dispuesto hasta el último detalle la organización de su propio funeral. Las últimas voluntades proveen a este hombre de un dulce y tranquilo final.

Es un libro que demuestra de manera ejemplar lo que puede ser una buena muerte, sin dolor, sin angustia y con la familia cenando a su lado a la luz de las velas y con la música preferida del paciente. Este libro, a diferencia de otros en los que los profesionales sanitarios podemos aprender cómo no hacer las cosas, es un bello ejemplo positivo de buen hacer médico reflejado de manera exquisita.

Una lectura imprescindible para esos profesionales que tratan en su día a día con pacientes que están llegando a su final, con el duelo y los cuidados paliativos.

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Editorial Astiberri
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12.301 días inolvidables con mi abuela

FICHA TÉCNICA
Nombre de la autora: Églantine Chesneau
Número de páginas: 176
Fecha de publicación: Marzo 2020
Editorial: Penguin Random House Grupo Editorial, Grijalbo
ISBN: 978-84-253-5859-3

TEMA
Églantine y su abuela han estado siempre muy unidas. Con esta historia la autora intercala vivencias de su infancia y adolescencia junto a su abuela mientras relata el proceso de deterioro cognitivo de la misma tras padecer un ictus. Supone todo un cuaderno de memorias compartidas lleno de cariño y ternura que atraviesa el camino de la enfermedad hasta el fallecimiento.

PUNTOS FUERTES
Esta novela gráfica es de lectura ágil, tanto por la forma en que está contada la historia como por el estilo de dibujo. Es una historia creíble y contada desde la memoria, autobiográfica.  La narrativa no sigue un trascurso lineal, sino que, mientras cuenta los problemas de salud de la abuela en el presente, es asaltada por flashbacks con escenas de la infancia y adolescencia de la protagonista, dando cuenta del vínculo tan especial que tienen las dos mujeres. En momentos de tensión (como por ejemplo, cuando la abuela sufre el accidente cerebrovascular), aparecen páginas en blanco con escaso texto seguidas de una página pintada por completo en acuarela azul bastante aguada que da sensación de angustia o tristeza. Por otro lado, hay páginas compuestas únicamente por texto en las que la autora relata su mundo interno; sus dudas sobre si despertar o no a su abuela en una visita en la que duerme plácidamente mientras la nieta la contempla, un episodio de miedo inminente a la muerte…La ternura con la que está escrito el texto da cuenta del cariño que tiene Églantine por su abuela: elogia su fortaleza a pesar de los vaivenes de la vida y aspectos de su físico como sus ojos azul cielo y su pelo.

El dibujo es ágil, con trazos muy vivos y sueltos. La historia está dibujada en blanco y negro con algunas pinceladas de acuarela azul y magenta que resaltan el vestuario y algunos objetos de la historia. Hay paginas divididas en cuadrículas de 4×4 que tiene formato de enumeración o lista; este es el caso de los recuerdos de vacaciones y de la casa de campo de sus abuelos, en las que la autora nos trasporta a ese tipo de memoria tan típica de la infancia, repleta de olores, sonidos e imágenes aisladas. También es el caso de una página en la que, tras la muerte de la abuela, la autora entremezcla las intensas vivencias relacionadas con la muerte (entre ellas explicar el lado oscuro de la vida a su hija pequeña) con viñetas en las que aparece un paquete de pañuelos y el texto “he deforestado un bosque (dos, tres)”.

La autora utiliza algunas metáforas en el relato:

Al principio nos muestra el piso tan grande y poco funcional en el que vive su abuela, que olvida sus gafas en la cocina y tiene que recorrerlo por completo. Nos presenta una página de la abuela realizando el recorrido (una viñeta por habitación) mientras se va fatigando progresivamente. En otra página incluye un mapa del piso como si fuera una búsqueda del tesoro.

Con un poco de esfuerzo, logra persuadir a su abuela de mudarse a un lugar más adaptado a su edad, y comienza el difícil proceso de buscar residencia de ancianos para una persona que es autónoma. En una viñeta incluye a modo de anuncios, tres caras negativas de las residencias: una que está sumida en la ruina  y no puede ofrecer un cuidado de calidad a sus residentes, otra en la que los talleres que ofrecen no salen de la temática doméstica y son poco estimulantes, y por último, la residencia que quiere hacer un negocio millonario.

Antes del ictus la anciana comenzaba a presentar cierto deterioro cognitivo que se manifestaba con olvidos de palabras. Se nos presenta una escena en la que la nieta compara la búsqueda de la palabra correcta con un juego televisivo.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
“12301 días inolvidables con mi abuela” trata temas asociados con el envejecimiento, el final de la vida, el deterioro cognitivo, la vida tras un ictus y su repercusión tanto para el paciente como para el familiar más cercano. Todo ello contado desde el valioso punto de vista de una familiar, por lo que podemos caracterizarla como patografía. Además, hay escenas en las que se retrata a profesionales sanitarios, tanto auxiliares y enfermeras como médicos. Sería una novela gráfica de interés para profesionales sanitarios que trabajen en unidades de Geriatría, cuidados paliativos e incluso Neurología. También puede ser útil para familiares y cuidadores, así como para padres de familias con niños pequeños que hayan perdido a sus abuelos, ya que ofrece un relato desde el punto de vista de las tres generaciones muy bien contado.

La novela toca puntos fundamentales en el proceso de envejecimiento como la búsqueda de una vivienda adecuada para una persona mayor que es autónoma; relata con cierto humor el difícil proceso de dar con una residencia que mantuviera activa y estimulada cognitivamente a la abuela.

Una vez la abuela sufre el ictus, suceden una serie de escenas que dan cuenta de su deterioro cognitivo progresivo, incluso se retratan episodios derivados de la desfrontalización y un síndrome confusional agudo en el hospital.

Se muestran dos caras de los profesionales sanitarios. Por un lado, las enfermeras son retratadas como buenas cuidadoras que hacen trenzas en el pelo a la abuela, y que son calificadas de superheroínas de la planta de hospitalización geriátrica de larga duración. Por otro lado aparece el contraste entre el discurso de un médico que defiende la importancia de los puntos de referencia y rutinas para a orientación de las personas mayores, y la dificultad de la autora para encontrar a su abuela cada vez que la visita, ya que va cambiando de planta y unidad cada poco.

Otro punto interesante es cómo vive la autora la relación de su hija pequeña con su abuela. Llega un punto en el que deja de llevar a la pequeña a las visitas pues piensa que no es un ambiente adecuado para ella; sin embargo, decide darle una oportunidad tras la insistencia de la niña y le sorprende el comportamiento de la pequeña. La niña se fija en detalles como los peluches de la compañera de habitación y no supone una experiencia traumática la visita al hospital. Muestra cómo a veces tachamos de tabú el tema de la muerte y el deterioro hacia los más pequeños y sin embargo son capaces de adaptarse y formular sus propias preguntas, a veces difíciles de contestar.

Es muy bonito cómo está contado el camino de acompañamiento del familiar durante la estancia hospitalaria. Llega un punto en el que avanza la afasia de la abuela y su lenguaje se hace inteligible e inapropiado. La autora afirma que “ha dejado de corregirla, en lugar de intentar sacarla de su burbuja, intento meterme en ella”. Este cambio de enfoque con el que dejamos de intentar traer a nuestra realidad a personas que, llegado un punto, perciben la realidad de forma diferente, es aplicable a personas que viven con demencia u otros trastornos cognitivos, y tiene que ver más con el cuidar que con el sanar. Merece la pena leer a Dana Walrath y su enfoque sobre las demencias (ver enlaces de interés).

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Editorial Penguin Random House 
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Betty Boob

FICHA TÉCNICA
Nombres de las autoras: Véro Cazot y Julie Rocheleau
Número de páginas: 192 páginas
Fecha de publicación: Septiembre 2019
Editorial: Editorial Planeta
ISBN: 978-84-9173-073-6

TEMA
Nóvela gráfica sobre una mujer joven que sufre una mastectomía radical de su pecho izquierdo tras un cáncer de mama. La protagonista, no solo pierde un pecho, si no que pierde a su pareja, su trabajo y casi su dignidad por causa de una sociedad que no siempre acepta los cambios o particularidades del físico de las personas. El desenlace es optimista, original e inesperado.

PUNTOS FUERTES
La historia se narra de manera secuencial, plagada de metáforas y de manera silenciosa, puesto que prácticamente carece de texto. La fuerza de las ilustraciones de Julie Rocheleau consigue engancharte y casi imaginarte por tu cuenta los diálogos mediante sus expresiones y su lenguaje corporal. Las ilustraciones poseen una gran expresividad y dinamismo por lo que en la mayor parte de la obra no se echa en falta el texto.

Las ilustraciones son de gran calidad, predominando una paleta de colores muy interesante donde destaca el negro. Pero para nada hace que esta obra sea oscura, sino todo lo contrario.

Es una historia dura, de enfermedad y perdida. Pero contada con gran delicadeza con toques divertidos y alocados. Situaciones del día a día con un fondo desgarrador, que ilustran la vida de alguien que lucha por ser quien era tras una enfermedad tan cruenta.

No sabemos si tiene algo de autobiográfica pero el ángulo desde el que enfocan las autoras este problema es original, realista y muy fresco.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
En las primeras páginas la protagonista se despierta sola en la habitación del hospital, aterrada al descubrir que le falta su pecho izquierdo. La primera persona que ve y que parece ser una enfermera, la tacha de loca, y sin mediar palabra saca una jeringa con un sedante o similar. La paciente busca desconsolada su pecho perdido. Quizás es uno de los puntos más tristes de la historia pero útil como reflexión para el personal sanitario. Una crítica a la falta de empatía y la buena comunicación.

Llama la atención cuando la joven sale del hospital con una cajita de “regalo”. Ella guarda su maltrecha “joya”, su pecho izquierdo y lo lleva a todos lados atada a su muñeca. Simboliza quizás la no afrontación de la perdida, de no querer aceptar el cambio y todolo que esto significa. Y quizás tenga razón, puesto que esa pérdida física se convierte también en la perdida sentimental de su pareja. Y perdida laboral, al quedarse sin trabajo por no cumplir los cánones de belleza establecidos por la empresa. Afortunadamente, eventualmente consigue despojarse de la peculiar cajita, enterrando de una vez por todas todos los perjuicios y aceptando su nueva vida llena de oportunidades y retos.

Otro de los puntos interesantes en la novela, es la importancia que da la sociedad al físico y lo importante que a veces parece ser para mantener un trabajo o una pareja, la historia nos enseña a aceptar quienes somos y como somos. A sacar partido de aquello donde otros ven carencia. La aceptación de nuestro cuerpo sea como sea.

Sin duda es una obra exquisita sobre superación y amor propio, aceptando lo que uno tiene y afrontando las vicisitudes de la vida. Aprovecha las oportunidades que te da la vida y da carpetazo a aquello que no aporte valor a ella.

PREMIOS Y MENCIONES
Will Eisner Awards 2019 como “Mejor Edición Estadounidense de material internacional” (Nominada)

ENLACES DE INTERÉS
Editorial Planeta
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Último Sábado de soledad

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Jordan Crane
Número de páginas: 80 (no hay paginación)
Fecha de publicación: Julio 2016
Editorial: Ediciones La Cúpula
ISBN: 978-84-16400-25-6

TEMA
Un hombre se prepara para hacer una visita a la tumba de su esposa. El vacío existencial y la melancolía por la pérdida del ser querido es el hilo conductor de esta entrañable historia. 

PUNTOS FUERTES
Se trata de una novela de pequeño formato en la que, con tan solo dos viñetas por página, el autor recrea el amor, la soledad y la melancolía de un viudo que se dispone a visitar la tumba de su esposa un día señalado en el calendario de la pared de su casa, “un sábado de agosto”. Las viñetas se suceden para contarnos una historia impregnada de la soledad y la melancolía que deja la pérdida del ser querido.

Jordan Crane, dibujante estadounidense, utiliza el dibujo como principal soporte narrativo, sin prácticamente texto y dejando que las imágenes fluyan. Una cafetera que gorgotea, una pila llena de cacharros sin fregar, un calendario en la pared con una fecha señalada, quizás un aniversario… el anciano desayuna en soledad, escribe una carta a su difunta esposa Eleonor, coge su coche y entra en una floristería para comprar un ramo de flores de camino al cementerio, recuerdos… Con un dibujo elegante el autor hace poesía de lo cotidiano y es capaz de trasmitir sensaciones, el vacío existencial que deja la persona querida, la tristeza por la pérdida y la soledad del personaje.

En el cementerio el anciano deja sobre la tumba las flores y las cartas escritas a Eleonor. Se abraza desesperadamente a la tumba. El espíritu de Leonor está allí, él parece sentir su presencia, pero esto desconcierta a nuestro personaje que sale corriendo de aquel lugar. El espíritu de Eleonor lee las cartas, quizás la pena, el dolor o el sufrimiento que desprenden hacen que Eleonor decida que es el momento de que su amado esposo se reúna con ella de nuevo. 

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
La pérdida de un ser querido siempre es dolorosa. Sobre todo, cuando el cónyuge se queda en soledad y sin apoyos. En ese caso, la

pena y el dolor son más intensos pudiendo convertirse en un problema de salud si la situación de duelo se cronifica, llevando a la persona hacia el aislamiento social y a sumirse en una profunda depresión.

Esta hermosa y conmovedora novela, donde las viñetas fluyen sin esfuerzo, es una píldora que aborda el tema del duelo tras la muerte de un ser querido.

Al tratarse de un relato corto y de fácil lectura, esta obra se convierte en un apoyo ideal para iniciar una reflexión o como introducción al abordaje del tema del duelo en seminarios o actividades docentes. 

ENLACES DE INTERES
Editorial La Cúpula
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Cells at Work!

FICHA TÉCNICA:
Nombre Original: “Hataraku Saibou”
Nombre del autor: Akane Shimizu
Traducción: Alejandra Pérez Gallego y C. Esper
Número de páginas: 176 (tomo 1)
Fecha de publicación: Marzo 2015 (Japón), Diciembre 2020 (España)
Editorial: Ediciones Babylon
ISBN: 978-84-16703-89-0

TEMA
Manga de acción y toques de humor que nos muestra el día a día de las células (antropomorfizadas) de un cuerpo cualquiera. Aunque la historia se centra principalmente en las idas y venidas de un glóbulo rojo y un glóbulo blanco, la multitud de situaciones mostradas a lo largo de sus historias nos servirán de excusa para presentarnos otras células como las plaquetas, las células dendríticas, los macrófagos… y cada una de sus funciones.

Aunque el manga se estrenó en España en Diciembre de 2020, su autora, Akane Shimizu (nacida en enero de 1994), comenzó a publicar este manga en la revista Kōdansha Monthly Shōnen Sirius en marzo de 2015, posteriormente se han ido publicando en volúmenes recopilatorios. En el momento que escribo estas líneas hay en España unos 3 publicados, de los 6 que ya existen en Japón. Eso sin tener en cuenta los numerosos “spin-off” que existen de esta obra y todavía no han sido licenciados en nuestro país, como “Hataraku Saibō Black” (ambientada en un cuerpo humano con un estilo de vida poco saludable) o “Hataraku Saikin” (la cual nos habla de la flora intestinal) entre otros, las cuales son obras realizadas por otros autores.

Además, su éxito le cosechó su llegada en 2018 al formato anime (animación japonesa) en forma de serie realizada por el estudio David Production, que también ha sido licenciada en España, en este caso por Coalise Estudio, pudiendo disfrutar de ella en la plataforma de streaming Amazon Prime Video y en la propia web de Coalise.

 

PUNTOS FUERTES
Es inevitable que nos venga a la mente la serie de “Érase una vez el cuerpo humano” cuando tratamos esta obra, pues ambas presentan similitudes en cuanto a su objetivo didáctico y la antropomorfización de células, bacterias y demás personajes. Pero las similitudes quedan en eso, pues pronto veremos cómo “Cells at Work!” se desmarca de la antes mencionada serie infantil con un tono más desenfadado y, nunca mejor dicho, sangriento.

El lenguaje artístico al que nos tiene acostumbrados el cómic japonés inunda sus páginas y nos muestra batallas entre células blancas y patógenos propias del más puro manga de acción, de hecho se deja ver algún que otro guiño a obras clásicas del género. Pero no nos dejemos engañar, pues su tono no entorpece lo didáctico y científico, pues veremos cómo las células y patógenos se nos presentan con cuadros explicativos que ayudan al lector a familiarizarse con elementos que pudieran resultar ajenos; veremos cómo se nos presentan de manera brillante cada una de las células caracterizadas como personajes o procesos como la respuesta inmune a los alérgenos, la coagulación de una herida, la evolución de un linfocito T inmaduro, la respuesta de nuestro cuerpo a una intoxicación alimentaria o la aparición de células cancerosas, por citar algunos ejemplos de lo mostrado en el primer y segundo volúmenes.

El dibujo de Shimizu es atractivo y dinámico, y su tono humorístico y desenfadado, hacen que su lectura resulte amena y atractiva, especialmente para los seguidores del cómic japonés. La autora demuestra en cada página que su imaginación es desbordante, y el diseño de personajes, no solo en el aspecto visual, sino en cómo se representan sus papeles en la obra y la interacción entre ellos, es brillante. La representación del alvéolo como una pequeña habitación donde solo puede entrar un glóbulo a la vez, el linfocito B de memoria como un chico obsesionado con la llegada de un cataclismo como dicta “la profecía”, la célula dendrítica como un chico que sirve de apoyo para que un inexperimentado linfocito T inmaduro venza sus miedos y evolucione… son solo algunos ejemplos de las maravillosas ocurrencias de la autora. No nombro más porque parte del atractivo de la obra es descubrir a través de sus páginas cómo se nos van mostrando distintos elementos de esta manera.

 

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Aunque la obra pueda tomarse algunas licencias por conveniencias del guión, como por ejemplo, la representación de la cápsula bacteriana como una técnica defensiva de lucha, es innegable que su lectura puede ayudar al lector a familiarizarse y entender mejor algunos de los procesos que ocurren en nuestro cuerpo, la función y características de las células, etc. Es una obra especialmente recomendable para estudiantes de ciencias de la salud o para cualquier persona que desee conocer la fisiopatología del cuerpo humano de manera amena y entretenida.

Su valor divulgativo es innegable, hasta el punto de que la editora de esta obra y el gobierno japonés se aliaron para la creación de un capítulo especial del manga, realizado por la propia autora de la obra original y publicado en formato vídeo en Youtube (aunque en estricto japonés), para la divulgación de información relacionada con la vacuna contra la Covid 19.

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Editorial Babylon
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Algo Extraño me paso camino de casa

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor:  Miguel Gallardo
Número de páginas: 80
Fecha de publicación: Diciembre 2020
Editorial: ASTIBERRI
ISBN: 978-8418215339

TEMA
Miguel Gallardo nos cuenta en primera persona su experiencia frente al diagnóstico y tratamiento de un tumor cerebral durante la pandemia de COVID19 del 2020.

PUNTOS FUERTES
La estética de esta novela gráfica es muy llamativa, con el ya tan reconocible estilo de Miguel Gallardo. Dibujos trazados en negro, usando viñetas de estructura y tamaño similar entre ellas donde predomina la página de nueve cuadros, con otras páginas que rompen esa simetría. Pero sobre ese trazo negro, usa el color de manera siempre inusual. Figuras que tienen el mismo tono que el fondo, ya sea azul, amarillo o verde, con colores poco brillantes, jugando en cada página con una paleta de dos o tres distintos.

El aspecto general de las viñetas, cuando uno hojea sus páginas, es  humorístico, con caras muy expresivas y muchas pequeñas metáforas que te hacen sonreir. Solo cuando uno comienza a leer, se da cuenta de lo trascendente del tema. Y a pesar de todo, es capaz de sacarte un montón de sonrisas y alguna carcajada además de muchas reflexiones serias y algunas profundas. Su lectura resulta muy atractiva.

Desde nuestro punto de vista una de las grandes fortalezas de este libro es que está contado en primera persona y se ha dibujado y publicado de manera inmediata, con la enfermedad y todas las sensaciones personales aun a flor de piel. Esto le aporta una gran credibilidad.

También es interesante que leemos a Miguel Gallardo como un autor que tiene ya su lugar en el mundillo de la Medicina Gráfica por sus obras María y yo y María cumple 20 años. Este libro es como seguir leyendo su peculiar biografía. Es muy relevante el valor que Miguel da a su capacidad de dibujar, no solo como una manera de lidiar con la incertidumbre y el miedo durante esta grave enfermedad sino como su herramienta mágica de comunicación con su hija María. A los días de ser operado, descubre con inmenso alivio que puede seguir dibujando y le invade el optimismo. Su primer dibujo es María.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
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Algo extraño me pasó camino de casa tiene todos los componentes para entrar a ser parte del repositorio de obras de Medicina Gráfica.

Al autor describe los síntomas, el proceso diagnóstico, el tratamiento y la recuperación de un glioma, al que por cierto  él se refiere como «su boniato». Aparece información interesante, una máquina de TAC, una mascarilla de radioterapia craneal…etc que ayudan a desmitificarlos. Pero además entra de lleno en toda esa parte de la enfermedad que es invisible a los ojos: el miedo, la vulnerabilidad, la incertidumbre, la importancia de la familia y ese cambio en la percepción del paso del tiempo. Es interesante que en varios puntos de la novela se retrotrae a convertirse en un niño, pequeño y frágil que llama a su mamá. Describe toda la experiencia como ir a la luna sin casco y volver.

Hace varias reflexiones sobre la vida y sobre la muerte que son verdaderamente emocionantes.

Tiene el valor añadido de que cuenta la situación dentro de un contexto sanitario e histórico muy peculiar, una pandemia que paraliza aun el mundo. Aparecen las restricciones, las ciudades fantasma, las fases, las mascarillas y todos esos elementos que sazonan el 2020. Hasta las posibilidades de poder salir a la calle por tener un perro aparecen reflejadas.

Es muy agradable también ver como Miguel usa su libro para hacer un canto a la Sanidad Pública y alabar lo magníficamente que funcionó todo a pesar del caos a su alrededor causado por el virus.

Sin duda un libro muy recomendable.

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Editorial Astiberri
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La casa

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Paco Roca
Número de páginas: 136 págs.
Fecha de publicación: diciembre de 2015
Editorial: Astiberri, Colección Sillón Orejero.
ISBN:78-84-16251-00-1

TEMA
“La casa” es la historia de los últimos momentos de Antonio y del proceso que atraviesan sus tres hijos tras su muerte. Es una ventana abierta a sus vidas: a su pasado, a través de los recuerdos de infancia y juventud que emergen tras cada rincón; al proceso de duelo que atraviesan en el presente y a ese nuevo futuro que se abre sin el alma de la casa, su padre.

PUNTOS FUERTES
Externamente, la obra se nos presenta en formato apaisado, lo que da aspecto de álbum de fotos familiar. Es una historia organizada en viñetas, con algún dibujo no enmarcado: una gran caja de escombros de la que vuelan recuerdos a partir de viejos objetos, un árbol genealógico… Los diálogos se incluyen en bocadillos, apareciendo algunas onomatopeyas entre los dibujos. Y es que “La casa” es una novela que evoca nuestros sentidos a través del dibujo; llegamos a percibir olores (a humedad, a hojas de higuera…), sonidos de hojarasca y silencios… Es una historia cargada de recuerdos a los que el lector se transporta gracias al cuidado de los elementos sensoriales.

Los dibujos adquieren diferentes filtros de color en función del momento en el que sucedan, simulando tonalidades de fotos antiguas. Así tenemos el sepia para la infancia de Antonio, blanco y negro para su juventud, el amarillo para la infancia del hijo pequeño, y el morado para el pasado reciente: los momentos en que Antonio empezó a encontrarse mal y su último cumpleaños.

A lo largo de la obra podemos encontrar metáforas visuales que  establecen paralelismos entre la vida de Antonio y los objetos de la casa, así como situaciones que transcurren en el ambiente sanitario.

  • Antonio, acompañado por su hija Carla, acude al hospital a realizarse una resonancia magnética de forma periódica. En cada visita encontramos una viñeta en la que se representa la estación del año en que se encuentran, mediante una imagen de la casa. La sala de espera del médico está teñida de un ambiente azul, lo que da un aspecto de frialdad. El único póster que cuelga de la pared de la sala va cambiando de temática con el paso de las estaciones: “dona sangre”, “llega el invierno, vacúnate contra la gripe”, “empieza la primavera, y también las alergias”. Parece que la información visual llega a los pacientes, ¡punto positivo para la Medicina Gráfica!
  • En la misma sala de espera, Antonio y Carla esperan 1 h por el hecho de desconocer el procedimiento para ser atendido; era necesario dejar el volante en el buzón de la secretaría. Es un ejemplo de cómo a veces no informamos o no señalizamos claramente los procedimientos logísticos a los pacientes, hecho que puede llevar a esperas innecesarias.
  • Tras un periodo de convivencia con la enfermedad, alrededor de la cuarta revisión, Carla informa a su padre de que han decidido vender su coche por los gastos que genera, ya que él no va a volver a conducir. A continuación aparece una sucesión de tres imágenes en las que Antonio se va haciendo cada vez más pequeño. A partir de ahí, empeora de ánimo y en la siguiente imagen de la sala de espera, Antonio ya no está. El trasfondo de esta imagen se entiende con la información que nos da el autor de cómo los coches habían sido un elemento muy importante en la vida de su padre, ya que todos sus trabajos tuvieron relación con el mundo automovilístico.
  • En una de las conversaciones entre hermanos, el hermano mayor explica cómo tuvo que responsabilizarse de tomar la decisión de reanimar o no a su padre en el momento crítico. Paralelamente vemos el goteo de una manguera que va disminuyendo poco a poco su flujo, alcanzando su punto mínimo en el momento en que Antonio entra en coma y finalmente, fallece. Es uno de los momentos más duros de la novela ya que refleja una situación en la que faltaban cosas por hablar entre los hermanos, y emergen sentimientos de rabia, responsabilidad e incluso culpa entre ellos.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
“La casa” es una novela gráfica que puede ser útil para familiares y entorno que atraviesa un proceso de duelo, así como para estudiantes y profesionales de la salud, a la hora de trabajar cuestiones éticas y gestión de situaciones del final de la vida. Podría prepararse un seminario a partir de esta historia ya que es un claro ejemplo de cómo el fallecimiento de un familiar supone un punto de inflexión en las familias; la nueva realidad requiere todo un proceso de adaptación. Además pueden identificarse las etapas del duelo en ella:

  • El hijo pequeño no entiende cómo pudo empeorar tan rápidamente su padre, “es como si se hubiera cansado de luchar”. Podríamos decir que se corresponde con la primera fase, de negación.
  • Podemos ver a la hija pequeña en la segunda fase (rabia), cuando cuestiona al hermano mayor el haber tomado la decisión de no reanimar al padre: “esta decisión no te correspondía tomarla a ti solo”.
  • En la conversación entre los tres hermanos, la hija pequeña cuestiona al mayor su decisión de no reanimar al padre: “¿hicimos todo lo que se podía hacer?” “quizás podríamos haber buscado otros médicos”, “otros tratamientos le hubieran dado unos pocos años más de vida”. Se encuentra en la tercera fase, negociación.
  • La tarde en la que los tres hermanos se juntan para trabajar y pintar la casa del padre, recuerdan juntos su momento más feliz de la infancia en la casa mientras montan entre los tres una pérgola en el patio, ya que fue uno de los sueños de Antonio. Se encuentran unidos en su memoria. Quinta fase, aceptación.

PREMIOS Y MENCIONES
Zona Cómic al mejor cómic nacional de 2016. (Ganador)
Estrella 2016 al cómic más destacado del año por el diario Le Parisien. (Ganador)
Gran Premio Romics 2017 del salón del cómic de Roma. (Ganador)
Premio Romics 2017 al mejor cómic europeo del salón del cómic de Roma. (Ganador)

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Editorial Astiberri
Web del Autor
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El cuerpo humano por dentro | El cuerpo humano por fuera

FICHA TÉCNICA:
Autoras: Maria Cristina Junyent / Cristina Losantos
Páginas: 36/36
Fecha de publicación: Septiembre 2019
Editorial: Combel
ISBN: 978-84-9101-447-8

TEMA
Es un compendio de dos fascículos sobre la anatomía y la fisiología del cuerpo humano. Un tomo trata sobre cómo se desenvuelve el organismo por dentro y el otro en cómo el cuerpo funciona y se relaciona hacia fuera con uno mismo y los demás.

PUNTOS FUERTES
El primer punto destacable es la colaboración conjunta entre María Cristina Junyent (bióloga dedicada a la divulgación científica) y Critina Losantos (ilustradora). Es una obra que refleja muy bien los conceptos a nivel de texto y de su expresión visual. Ambas autoras se compensan muy bien para expresar con bastante sutileza la seriedad de los temas mediante el texto y la armonía fresca de la ilustración, que le suma expresividad a todas las consideraciones clave de la materia.

Cristina Losantos nos tiene habituados a un tipo de ilustración muy ágil, sus dibujos siempre conllevan movimiento, con personajes en constante actividad y mucha expresividad. Este libro es en gran medida mucho más ameno gracias a la destreza que tiene para manifestar en los personajes ilustrados, piezas vitales para cada detalle esencial del contenido narrativo. Una vez más, Losantos es clave en el diseño de un libro de divulgación en temas de salud o ciencia, ya que su dibujo hace que muchos textos de difícil comprensión se transformen en pura melodía visual y facilitadores para la comprensión del lector. En este libro, las ilustraciones no están representadas en las cajas clásicas de la viñeta, están encajadas de forma libre, manteniendo un formato que aprovecha cualquier rincón de la página. Podemos encontrar dibujos de página entera o de doble hoja, como también varias ilustraciones en una misma página. Los dibujos elegidos, son en su gran mayoría figurativos.

La tipografía elegida recuerda a los libros de texto. La imprenta da una vistosidad formal a la impresión de la obra. En la narrativa, en la manera como se distribuyen los temas y en cómo se explican, se nota la sencillez pedagógica de Junyent. Algunos son los clásicos de la anatomía del cuerpo, sistema esquelético, muscular, circulatorio, etc. aunque muy bien disimulados mediante títulos que llaman a la acción (por ejemplo: “encargos a corto plazo” “dirigir la orquesta” para explicar el sistema nervioso, o “los ríos de dentro del cuerpo” para dar a conocer el sistema circulatorio). Otros temas, son menos habituales en obras que tengan de temática el cuerpo, como es el de los sentimientos, la socialización, etc. y siempre, al igual antes, descritos mediante títulos llamativos.

Otro detalle importante es la manera como estos libros nos permiten la participación en el análisis de los conceptos, en cómo hace que el lector pueda asociar ideas. En casi todas las páginas encontramos pestañas muy bien diseñadas e ilustradas para que el lector sea parte activa.. Este concepto es habitual en cuentos infantiles, pero poco explotado en obras de contenido juvenil o adulto. La maquetación está muy bien cuidada para que las páginas tengan sus pestañas y en consecuencia sea una obra mucho más amena en su lectura.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
El contenido y la forma de expresión de la anatomía, de la fisiología y de cómo las personas se desenvuelven para vivir, es en sí motivo suficiente para que pueda ayudar a la población en general a conocerse a sí mismos, a mantener conductas saludables, o a modificar algunas si fuera preciso. Esta obra posibilita a que las personas adquieran contenidos básicos (y no tan básicos) de la concepción del cuerpo humano y amplifica conocimientos en ciertos detalles que no se suelen expresar en volúmenes de este tipo de temática.

En consecuencia, son unos libros de gran riqueza para su uso en la docencia, como en la transmisión de conocimientos a la población general. En el campo de la pediatría podría ser muy útil para explicar o reforzar estadios del ciclo vital como para enriquecer conductas saludables o para mantener la salud mediante la comprensión del mismo cuerpo. En sí mismo cada volumen o cada tema concreto puede ser una herramienta pedagógica para orientar explicaciones en educación para la salud en la consulta o mediante grupos de personas.

Una vez más, tenemos al alcance una obra que resuelve dudas sobre el cuerpo en su fisioanatomía, aunque se le suman aspectos sobre sentimientos y comportamientos que también son habituales en el día a día de una persona, familia, o hasta en la consulta de un profesional sanitario.

PREMIOS
International Latino Book Awards: Best Youth Chapter Nonfiction Book in Spanish (Ganadora)
International Latino Book Awards: Honorable Mention

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Editorial Combel
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Puedo oír el Sol

FICHA TÉCNICA:
Título Original: Hidamari ga Kikoeru
Nombre de la autora: Yuki Fumino
Páginas: 196
Fecha de publicación: 2016 (España), 2013 (Japón)
Editorial: Milky Way ediciones
ISBN: 978-84-946002-7-2

TEMA
Taichii, un joven universitario, conocerá de forma fortuita a Kôhei, un chico solitario y reservado  con discapacidad auditiva. Poco a poco, se irá forjando una relación entre ellos y, tanto Taichii como el lector, conocerán más acerca de esta enfermedad y las dificultades a las que debe enfrentarse Kôhei en su día a día.

PUNTOS FUERTES
No existe mucha información en la red acerca de la autora, Yuki Fumino, lo cual nos lleva a pensar que se trata de su primer obra de éxito. Hidamari ga Kikoeru comenzó a publicarse en 2013 en la revista “Canna”, centrada en obras del género BL (boys love). Por lo que deducimos en el epílogo, la intención original de la autora no era centrarse en la historia de amor que surge entre los protagonistas. En el relato va mostrando una relación más natural, con una evolución paulatina que parte de la amistad. Esto le permite dar peso a temas como la propia discapacidad auditiva de uno de ellos y cómo esto habrá ido moldeando su personalidad actual.

Los familiarizados con el manga estamos acostumbrados a ver cómo los autores mejoran su dibujo en cada uno de los sucesivos capítulos publicados, debido al carácter de publicación de estas obras (en capítulos de revista antes de la publicación de un tomo recopilatorio, si éste llega a publicarse). Esto es visible en “Puedo Oír el Sol”, donde el dibujo no destaca en sí mismo pero podemos ver cómo va evolucionando a través de sus páginas. No obstante, el dibujo cumple, llegando a ver recursos realmente interesantes como la expresión de acúfenos en el papel.

La obra cuenta a día de hoy con dos tomos recopilatorios y una secuela (también publicada en nuestro país con el subtítulo Limit), llegando incluso a adaptarse a película de imagen real en 2017. En cualquier caso, inicialmente se publicó como “one-shot” (tomo único), por lo que puede leerse de forma independiente.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
A pesar de tratarse de una historia de amor, la obra también es interesante desde el punto de vista de la Medicina Gráfica.

En la obra se nos presenta a Kôhei, un chico universitario que poco a poco ha ido aislándose condicionado por su problema de audición. Es interesante ver cómo se nos muestra, a modo de flashback, el momento de la aparición de los síntomas, de su diagnóstico, los pensamientos y sentimientos que pasan por su cabeza en cada uno de esos momentos, cómo la manera de afrontar los días y sus relaciones con la gente va cambiando, cómo reaccionan los demás ante esta enfermedad, etc.

Se nos presentan además elementos como los audífonos, la audiometría, la lengua de signos o el implante coclear.

Sin duda una obra útil para personas con discapacidad auditiva y para profesionales sanitarios que den apoyo a estas personas. Entender sus sentimientos o las dificultades del día a día.

PREMIOS Y MENCIONES
El periódico Asahi Shimbun publicó un artículo alabando la capacidad de la autora para contar la historia de manera natural y realista, sin que eso le reste emoción al resultado final.

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Editorial Milky Way
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Cara o Cruz: Conviviendo con un trastorno mental

FICHA TÉCNICA
Nombre de la autora: Lou Lubie
Traductor: René Parra
Número de páginas: 141
Fecha de publicación: 2018
Editorial: NORMA Editorial
ISBN: 978-84-679-3216-4

TEMA
Esta novela gráfica cuenta en primera persona como es la vida con un trastorno del estado de ánimo de la familia de las enfermedades bipolares. Lou Lubie va desgranado de forma muy entretenida y visual su experiencia personal con la ciclotimia, aportando además información técnica pero comprensible sobre esta patología.

PUNTOS FUERTES
Comencemos por lo estético. Cara o Cruz es una novela gráfica que utiliza de manera magistral las posibilidades tan peculiares que ofrece el lenguaje del cómic. Las ilustraciones tienen una fuerza importante que viene dada por el uso del color. Es un libro realizado en tonos de grises y un naranja en varias tonalidades, utilizados para resaltar emociones, estados o simplemente como complemento. El resultado visual es fascinante. Al avanzar la lectura notas como predomina el negro cuando el ánimo es bajo y el naranja cuando es patológicamente alto. El tipo de viñeta es variable y flexible, sin seguir ningún patrón, desde un solo dibujo ocupando toda la página hasta series de viñetas en caja.

Las figuras son muy sencillas y las caras tremendamente expresivas a pesar de que en la mayoría de las imágenes…¡ ni siquiera  tienen nariz!. El movimiento corporal es muy vivo e incluso ignorando el texto, es fácil limitar cuando la protagonista está atravesando una fase de depresión frente a otra de hipomanía.

Lou Lubie se prodiga en metáforas visuales que facilitan la comprensión de sus emociones, «esa cosa negra que succiona su felicidad» aparece con forma de monstruo que invade su mundo. Utiliza también con frecuencia la inmersión en agua profunda, donde al lector parece faltarle la respiración, como alegoría a la angustia más intensa con ideaciones suicidas. La figura de un zorrito acompaña a Lou en toda su historia, este zorro, a veces negro, a veces naranja simboliza su enfermedad.

Esta impactante novela gráfica mezcla la experiencia personal y el relato de su historia con la aportación de información sobre la enfermedad mental. Se detiene en explicar el funcionamiento cerebral de las emociones y el lugar que ocupan las hormonas y los neurotransmisores, así como los tipos de temperamento descritos (hipertímico, melancólico, linfático, irritable,ansioso y ciclotímico). Explica datos estadísticos sobre la bipolaridad y hace un repaso sobre los tipos de enfermedad bipolar y sus tres tipos (tipo I, tipo II y ciclotimia). Dedica espacio a los posibles tratamientos poniendo énfasis en el litio, su efecto beneficioso, sus efectos secundarios, cómo tomarlo, cuidados especiales….etc.

En esta obra, no solo destaca el uso extraordinario de la imagen sino que contiene descripciones de enfermedad mental que por su intensidad, resultan casi poéticas: «La depresión primero devora el cuerpo, luego consume el ánimo y luego, cuando ya no queda nada, contemplamos cómo gira un mundo en el que no tenemos sitio. Todavía presentes pero muertos por dentro, como un fantasma». La frase final en la que la autora parece congraciarse con su enfermedad, es digna de mención: «El día que comprendí que rea ciclotímica…comprendí que me había equivocado. No soy el subidón o el bajón. SOY EL MOVIMIENTO»

Una de las fortalezas de Cara o Cruz es haber recibido el apoyo y supervisión de una psicóloga clínica especializada en bipolaridad Isabelle Leynac-Solignac,  lo cual aporta solidez científica y credibilidad a sus contenidos, más allá del testimonio  personal de la autora. Esta psicóloga hace un llamamiento:  «El trastorno bipolar presenta diferentes formas y la ciclotimia es todavía bastante desconocida, sufriendo en la práctica un lamentable retraso en el diagnóstico» Este es el caso de Lou Lubie a quien tardan ocho largos años en diagnosticar y que va dando tumbos visitando a ocho especialistas diferentes en un camino caótico hasta el diagnóstico y tratamiento.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Cara o Cruz. Conviviendo Con Un Trastorno Mental  es una pequeña joya de la medicina gráfica. No es fácil encontrar una obra que cumpla con todos los posibles beneficios que aporta lo que denominamos una «patografía gráfica»:

– sirve para informar sobre una patología. contiene una gran cantidad de datos, organizados y desarrollados de manera comprensible, clara y amena de manera que podría ser un libro susceptible de ser recomendado por los profesionales sanitarios a los pacientes .

– divulgación científica de calidad realizada con el apoyo de un profesional en el área.

– Acompaña a un paciente ya diagnosticado de ciclotimia. Conocer la experiencia de otros con la misma patología produce  alivio y esperanza.

– Ayuda a los profesionales sanitarios a mejorar su comunicación y aumentar su empatía. Cara o Cruz nos ofrece una imagen de nosotros mismos muy crítica y desalentadora. Algunas viñetas podrían utilizarse como base de seminarios y clases como base de cómo no comunicarse. Un libro para la reflexión.

– Coloca al profesional sanitario en contacto directo con los sentimientos y emociones que provoca la enfermedad mental. Favorece que se sienta identificado, que conozca su realidad. El formato sencillo y las figuras expresivas colocarían al profesional » en los zapatos del paciente», de su día a día, más allá de la enfermedad. Una apuesta por desestigmatizar el trastorno mental

Y todo esto lo consigue con un relato entretenido y una ilustración esteticamente magnífica que llega a cualquiera. Muy recomendable.

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Tranquila

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Miguel Gómez Andrea “Gol” y Santiago Selvi Nácher
Número de páginas: 120
Fecha de publicación: Marzo 2021
Editorial: Nuevo Nueve
ISBN: 978-84-17989-68-2

TEMA
Novela gráfica que cuenta la historia real de Sergio, un niño con síndrome de Down, a través de los ojos de Jessica, su hermana mayor. La historia se enfoca no solo en el síndrome de Down si no en todo lo que Sergio aportada a todos los que rodeaba, una energía inagotable, alegría desbordante y su amor por el baile. Una vida entrañable llena de grandes oportunidades y vivencias. Sin duda una gran historia de amor fraternal.

PUNTOS FUERTES
Es la visión del un trastorno genético a través de los ojos de la hermana mayor del protagonista, cómo el amor que sentía por su hermano pequeño le hizo ver la vida con otros ojos, a descubrir otras prioridades y formas de disfrutar las pequeñas cosas de la vida.

La novela está llena de ilustraciones de estilo redondo y asequible, coloreadas en bitono azul, que evocan los recuerdos de Jessica junto con su hermano Sergio. Una vida entera llena de vivencias enriquecedoras para ambos, de crecimiento personal ilustradas con gran detalle y cariño. No hay una sola página donde se eche en falta la ilustración de lo que Jessica esta narrando.

Uno de los puntos fuertes de la historia es la relación tan estrecha, cercana, de amor y admiración mutuo que emana de esta novela gráfica y que nos enseña como el apoyo familiar y social influye positivamente en la adaptación e inclusión de las personas que tienen este síndrome.

Sergio es un niño con una energía imparable, se narran aventuras de sus viajes, como formó parte de un grupo de baile y como Sergio a través de los años va aprendiendo con mucho esfuerzo por parte de su familia y suyo propio, las cosas cotidianas y reglas básicas de comportamiento. Pero no solo él, su familia y en especial su hermana Jessica, aprenden lo importante de la vida, la paciencia y sobre todo a tratar con personas con síndrome de Down. Es tanto así, que Jessica decide estudiar la carrera de Educación Especial para ayudar a niños como su hermano. Ellos aprenden, pero su entorno está en un aprendizaje continuo teniendo unos valores excepcionales. Se valora a la persona en sí, a su tiempo y a todas y cada una de las cosas que hacen.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA

El Síndrome de Down es un trastorno genético que se origina cuando la división celular anormal produce una copia adicional total o parcial del cromosoma 21. Este material genético adicional provoca cambios en el desarrollo y en las características físicas de las personas con este trastorno. Esta novela gráfica es una historia real, un grito a la inclusión y normalización de la vida de estas personas y un testimonio de los 25 años que su hermano le regaló en vida.

Jessica tiene 6 años cuando nace su hermano y su madre le explica porque tiene los ojos achinados, “Tu hermano tiene Síndrome de Down”. Pero esto a Jessica no le importa, es su hermano y lo querrá siempre.

La vida de estos dos hermanos es a priori simple, reuniones familiares, viajes, encuentros, colegio, amigos…etc. Y eso es lo maravilloso de la historia, que un niño con este síndrome y su familia consiguen con esfuerzo que Sergio sea “uno más”, un niño con su carácter, sus aficiones y mucho que aportar a una sociedad que no siempre esta dispuesta a hacerles un hueco. En cada página, podemos comprender la necesidad de la inclusión social de las personas con síndrome de Down en todos los niveles, puesto que pueden y aportan mucho a la sociedad, siempre que esta no les dé con la puerta en las narices.

Vivir con una enfermedad es algo muy duro y suele crear conflictos familiares y sociales, pero que pasa cuando esa enfermedad esta desde el primer día, que pasa cuando hay que adaptarse y ser más pacientes… Sin duda esta novela, nos enseña que la implicación, el apoyo familiar y social es un punto de partida esencial desde el primer momento para la normalización e inclusión en la sociedad de las personas con Síndrome de Down y sus familias.

La historia no solo nos ayuda a comprender mejor a personas como Sergio, si no que proyecta un halo de luz y esperanza a todas aquellas familias que estén pasando por una situación similar, con apoyo y paciencia pueden hacer mucho más de lo que nos creemos. Y decirles a esas familias, “Tranquila”, porque ellos han venido al mundo para hacernos recordar que la vida esta para vivirla y llenarla de momentos mágicos e inolvidables.

ENLACES DE INTERÉS
Presentación cómic “Tranquila. La suerte de tener un hermano con síndrome de Down
Editorial  Nuevo Nueve  
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¡Viva la Vida!

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: L’Homme Étoilé
Traducción: Noemí Sobregués
Número de páginas: 192
Fecha de publicación: Enero 2021
Editorial: Random Cómics
ISBN: 978-84-17247-89-8

TEMA
Que es lo único que queda por hacer cuando ya no hay nada más que hacer…Añadir vida a los días, ya que no podemos añadir días a la vida…”.Cómic autobiográfico lleno de ilustraciones conmovedoras cargadas de empatía y emoción, donde un enfermero de cuidados paliativos nos cuenta algunos de los momentos más especiales vividos junto a sus pacientes a los que acompaña con humor y música hasta el final de sus días.

PUNTOS FUERTES
“¡Viva la vida! Del primer al último día”, podríamos decir que engancha desde la primera página hasta la última, es sin duda un cómic fácil de leer por su limpieza estética, carente de viñetas que no se echan en falta y con ilustraciones de trazo limpio muy cuidadas a la par que divertidas.

Podría parecer que dado el tema que trata, la muerte, el final de la vida, el sufrimiento del paciente… sería una historia gris, triste, apenada, pero para nada resulta así. Existen momentos muy duros, pero se narran con mucha sensibilidad a través de sus dibujos. Las ilustraciones son en blanco y negro, se utiliza el azul es algunas ocasiones para colorear parte de los dibujos. Un acierto sin duda la elección del azul, puesto que este color está vinculado al pensamiento interior, la inteligencia y las emociones profundas. Aunque hay que caer en la cuenta de que este recurso no lo usa con todos sus personajes ni en todas sus historias. Quizás las historias con pinceladas de azul, sean aquellas que provocan más sentimiento en el autor.

La gestualidad de los dibujos es una maravilla, refleja cada estado de ánimo de los personajes con un toque conmovedor que hace que el lector se involucre en cada página, en cada uno de los sentimientos, medias sonrisas, lágrimas, carcajadas y miedos… todo dibujado con mucha empatía y cariño. Te sorprenderás riendo a la par que se te humedecen tus ojos.

Una de las ilustraciones que más se repite en esta obra son “las manos que se agarran”, que simboliza muchísimo los cuidados paliativos. El acompañamiento en su final tan cercano e inapelable. Esa mano que no te va a dejar que te vayas solo, que te va a acompañar hasta tu último aliento.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Este cómic es una obra autobiográfica de un enfermero que desarrolla su profesión en el ámbito quizás más duro de la enfermería, los cuidados paliativos. Y digo duro, porque por lo general a nadie le enseñan en la vida a enfrentarse día a día con la muerte, y como profesional a ese sentimiento de saber que tus pacientes “no llegaran muy lejos”. Sin embargo, no todo es salvar vidas, curar o rehabilitar, si no que se pueden desempeñar otros cuidados más cercanos e integrales dirigidos al enfermo y su familia cuando el final de sus días se acerca.

Esto es lo que el “l´homme étolié” (el hombre estrella) o por su nombre, Xavier, ilustra en este cómic, no solo los cuidados físicos de la enfermedad, administrar medicación, calmar el dolor o curar heridas y vías… si no el cuidado en la esfera psicológica muchas veces olvidada pero que gracias a Xavier cobran de nuevo importancia, y recuerdan que no todo es curar, que podemos hacer mucho más cuando hablamos de cuidados al final de la vida. Él intenta que los pacientes se expresen y se evadan de sus camas de hospital a través de la música, dando el igual el género musical, lo importante es hacerles sentir más vivos esos días que les quedan.

Da gran importancia a la comunicación con el paciente, a descubrir sus sentimientos, sus miedos y les ayuda en el afrontamiento de sus circunstancias a través del humor, la risa y el acompañamiento. Grata sensación de saber que hay alguien que se preocupa de ti más allá de tu tratamiento médico.

No solo la comunicación con el paciente es importante, la familia es estas situaciones también sufre mucho, llenos de desconcierto y preguntas, Xavier, les hace ver la situación como es, ni mentiras ni falsas esperanzas.

Por otro lado, vivimos en una sociedad donde la imagen esta a la orden del día, pero Xavier rompe con todo esquema, enfermero, hombre, con casi dos metros de estatura, lleno de tatuajes y pinta de vikingo, muestra una sensibilidad y gran corazón que sus pacientes no pueden pasar por alto quitando toda importancia al aspecto quedándose con lo bueno que les hace sentir, su cariño y profesionalidad.

En resumen, una obra muy recomendable para aquellos que piensan que una vez agotados los cartuchos para salvar la vida poco más podemos hacer. Un grito al buen hacer, a los cuidados de calidad al final de la vida y a una humanidad que se traduce en una muerte digna.

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COnviVIenDo 19 días

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: David Ramírez
Número de páginas: 184
Fecha de publicación: 11/12/ 2020
Editorial: Norma
ISBN: 978-84-679-4393-1

TEMA
Iván, marido del autor de esta obra, se infecta de coronavirus al inicio del estado de alarma en el centro sanitario donde trabaja, este es el punto de partida para un relato divertido y enternecedor donde se cuentan las peripecias y vivencias de esta pareja durante el proceso de la enfermedad de Iván y la situación de pandemia.

PUNTOS FUERTES
David Ramírez cuenta en primera persona las experiencias vividas durante el confinamiento y la cuarentena a la que se ve sometido al infectarse su marido Iván, trabajador en un centro sanitario de Cataluña, por coronavirus al inicio del estado de alarma. Con su particular estilo de dibujo y con un guión fluido nos relata la vida misma, de hecho, David iba publicando en redes sociales algunas de las páginas y viñetas del cómic a la vez que se sucedían los acontecimientos casi en tiempo real. Utiliza el metalenguaje para contar dentro de la misma historia la génesis del propio relato en un ejercicio interesantísimo de narrativa visual, en algunas ilustraciones podemos ver a David dibujando las viñetas dentro de la misma viñeta.

El autor habla sobre el confinamiento, sobre los miedos al contagio, sobre cómo se lleva la separación dentro de tu misma casa, la angustia y el sufrimiento cuando un familiar se encuentra en el hospital ingresado o la sensación de aislamiento. David, como es habitual en él, utiliza para comunicar un tono optimista y humorístico, aunque ha manifestado en alguna entrevista que hay pasajes del relato en los que le era imposible dar esa pincelada humorística a la historia. En sus trazos podemos ver reflejado el nerviosismo, la angustia, el miedo, el bloqueo mental o las “neuras” colectivas e individuales sufridas durante la pandemia y el confinamiento.

Utiliza metáforas gráficas para expresar sentimientos, como el miedo y la angustia representado en el monstruo negro que a veces les acompaña. El muro, que forma parte de la portada del cómic, para trasmitir la sensación de lejanía, a pesar de convivir en la misma casa, al no poder tocar o abrazar a nuestro ser querido o el laberinto en el que muchos nos hemos visto inmersos ante las normas de aislamiento y la incertidumbre de saber si estamos o no contagiados, dada la escasez de pruebas diagnósticas que existía al inicio de la pandemia.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
En esta novela gráfica se relatan múltiples aspectos relacionados con la enfermedad provocada por el SARSCov-2. Debido a la cuarentena y aislamiento que ambos tienen que mantener dentro de su propio domicilio se tratan las medidas higiénicas que se deben tener durante el periodo de cuarentena: lavado de manos, uso de mascarilla, distanciamiento y ventilación, así como los tiempos establecidos de aislamiento en las diferentes situaciones, durante la fase de sospecha (previa al diagnóstico por PCR), una vez diagnosticado o cuando el paciente vuelve de su convalecencia en el hospital. Estos tiempos van marcando el ritmo del relato.

Los síntomas de la enfermedad se tratan ampliamente, incluso David dibuja una viñeta a modo de ruleta donde aparecen los síntomas más frecuentes de la COVID19. Estos síntomas van apareciendo en Iván a lo largo del relato y se van tratando según el momento, inicialmente con medidas sintomáticas como el tratamiento con paracetamol y medidas físicas para bajar la fiebre, las diferentes terapias con oxígeno que debe ir llevando Iván cuando es hospitalizado o el tratamiento con corticoides y heparinas de bajo peso molecular cuando es dado de alta del hospital para continuar con el tratamiento en domicilio.

La introducción de un elemento de control de los síntomas como es el pulsioxímetro, aparato que mide la saturación de oxígeno y que nos alerta de que nuestros pulmones funcionan correctamente o por el contrario hay problemas, está muy bien reflejado en el cómic.

El seguimiento telefónico del paciente o la información que los sanitarios facilitan a los familiares es también una pieza clave de la historia. El teléfono móvil se convierte en un elemento indispensable y en un protagonista más a juzgar por el número de viñetas en las que aparece.

David es el receptor de la información de la evolución de Iván cuando está ingresado en el hospital. Para mí han tenido especial impacto las viñetas en las que un David nervioso, lápiz y libreta en mano, se esfuerza por apuntar todo lo que el médico le cuenta sobre la evolución clínica de su marido, para después poder trasmitir al resto de familiares la información. Reconozco que me he visto reflejado en esas viñetas, porque me ha tocado estar al otro lado como sanitario y he reflexionado sobre cómo mejorar nuestra comunicación, a veces el elevado número de pacientes a atender nos hace ir demasiado rápido y no reparamos en lo importante que es ese momento  para los familiares que están al otro lado, sin poder ver, tocar o abrazar a su familiar.

Los abrazos, esos abrazos que todavía nos faltan, han sido también protagonistas en este relato donde los sentimientos están a flor de piel y donde el autor con su optimismo vital y humor ha sabido atraparnos y abrazarnos.

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Oleg

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: Frederik Peeters.
Número de páginas: 184.
Fecha de publicación: Abril de 2021.
Editorial: Astiberri.
ISBN: 9788418215582

TEMA
Oleg es un famoso autor de cómics que vive de sus nuevas obras, así como de su participación en charlas, presentaciones y salones de cómic, donde es muy solicitado. El autor se muestra reacio a la tecnologización de la sociedad actual e intenta vivir en este mundo de redes sociales y de gente pegada a pantallas. Un día, su esposa sufre una hemorragia cerebral y se tiene que adaptar a sus limitaciones y a la incertidumbre ante la evolución de la enfermedad. La obra retrata a un personaje con evidentes conexiones con el propio autor, aunque va alternando biografía con ficción.

PUNTOS FUERTES
El principal fuerte de la obra es precisamente esa alternancia entre la realidad y la ficción. Peeters se identifica claramente en ese Oleg protagonista, igualmente autor de una obra que lo encumbró (como Peeters con Píldoras azules) y que vive con su mujer y su hija e intenta ser tan buen padre como marido. De hecho, si tuviera que resumir cuál es la principal intencionalidad de esta obra, diría que Oleg es un canto de amor a su mujer e hija. Peeters se muestra como un personaje anticuado y reacio a la evolución de la sociedad, más bien hosco y cínico en su manera de comportarse… pero que crece como persona cuando se relaciona con ellas.

La enfermedad aquí es muy secundaria, aunque está tratada con inteligencia. Muestra el debut del cuadro neurológico desde el punto de vista de Álix en el único capítulo que no está contado desde el de Oleg, y a continuación retoma como narrador al alter ego de Peeters y volvemos a ver el cuadro desde esa perspectiva. Resulta impactante y revelador ver ambas perspectivas.

Además de mostrar cómo la familia tiene que asumir la enfermedad, y su incertidumbre ante su pronóstico, añade otro aspecto interesante, como es el tema del choque cultural que se da en la comunicación médico-paciente cuando el facultativo es de otra nacionalidad. Lo hace de manera respetuosa, aunque realista.

Desde el punto de vista gráfico, Oleg tiene recursos visuales muy potentes, con una narrativa tremendamente evocadora, con un uso frecuente de viñetas detalle que muestran al protagonista como un personaje muy observador. Frecuentemente vemos detalles, aparentemente irrelevantes, pero que consiguen transmitir muy bien las sensaciones que experimenta Oleg. Un vistazo a una gota de sudor de su mujer, a una ropa interior caída, … son ejemplos de una cotidianidad que conectan inmediatamente con el lector.

Otros recursos interesantes son el uso de cuatro viñetas desconectadas de la narración principal para evocar cómo el mundo de la familia protagonista se viene abajo cuando se enfrenta a la enfermedad; el tratamiento de la lluvia con un estilo sencillo pero muy visual; la representación de la ansiedad del protagonista con un uso de bocadillos de texto muy sobrecargado; o cómo refleja el cariño entre los miembros de la familia, consiguiendo escenas muy emocionales.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
La enfermedad no es la protagonista de esta novela gráfica, sino que es uno más de los muchos temas que se tratan, además de la tecnologización vertiginosa de la sociedad, el racismo, o la propia idiosincrasia de la industria del cómic en el momento actual. Pero precisamente el hecho de que la enfermedad sea otro de los múltiples elementos de la vida de estos personajes potencia mucho ese punto de vista del paciente, de cómo se enfrenta una persona cualquiera a unos síntomas incomprendidos e inesperados, a cómo recibe la información, y especialmente al miedo y la incertidumbre de cómo afectará dicha enfermedad a su vida cotidiana a partir de ese momento.

Como se comenta en el anterior apartado de la ficha, otro de los puntos por los que es interesante desde el punto de vista de la Medicina Gráfica es el tratamiento de la comunicación médico-paciente, y cómo el hecho de un cambio de nacionalidad (el médico es ucraniano) con una cultura muy diferente, y un tipo de comunicación que llama la atención a los protagonistas.

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MonstruosaMente

FICHA TÉCNICA:
Nombre del autor: Alfonso Casas
Número de páginas: 144
Fecha de publicación: Noviembre 2020
Editorial: Random Cómics
ISBN: 978-84-17247-88-1

TEMA:
“Esta no es la hazaña de un héroe que derrotó a sus monstruos. Es la historia de alguien que está aprendiendo a convivir con ellos. La historia de alguien como tú”

En MonstruosaMente, Alfonso, su autor, lejos de mostrar una vez más la manida batalla contra nuestros “monstruos internos”, nos muestra la convivencia con ellos y el camino hacia la aceptación. La ansiedad, las dudas, el miedo, entre otros muchos, serán personificados como molestos compañeros de piso.

PUNTOS FUERTES:

MonstruosaMente ya a priori es una historia que entra por los ojos con su portada. Con un atractivo y simpático dibujo, Alfonso, se presenta a sí mismo rodeado de sus “monstruos internos”, algunos de ellos con un diseño que podría recordar a la estética “kawaii” (adorable) japonesa. Apuesta por un dibujo en blanco y negro y por viñetas que en muchas ocasiones darán paso a geniales ilustraciones a página completa. Viñetas que se mueven, se rompen, se atraviesan, bocadillos y tipografías cambiantes…

Las primeras páginas comienzan con un momento de introspección en lo que parece ser la consulta de un psicólogo para pasar a una metáfora visual en la que uno de sus monstruos (que al inicio no sabremos qué personifica exactamente pero lo iremos descubriendo a lo largo del cómic) lo envuelve poco a poco, sutilmente, hasta que ya no sabe cómo salir.

Dividido por capítulos alrededor de un tema central cada uno de ellos, se nos irá mostrando el día a día de su protagonista y cómo es vivir con estos molestos compañeros de piso con los que nunca eligió vivir. Poco a poco iremos aprendiendo más de ellos, quiénes son, qué hacen ahí, cómo afectan a Alfonso…

Su narrativa, ritmo, dibujo y distribución de viñetas van de la mano maravillosamente para dar lugar a una historia entretenida, divertida, llena de humor, en ocasiones conmovedora y en la que más de uno podrá verse reflejado.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA:

MonstruosaMente nos muestra el camino hacia la aceptación personal por parte de Alfonso, su protagonista y autor. En él veremos personificados en forma de monstruosos compañeros de piso, o directamente reflejados en su historia o mediante otras metáforas visuales y narrativas, elementos como el síndrome del impostor, la ansiedad anticipatoria y social, el miedo, las dudas e inseguridades, la tristeza, el pensamiento rumiante, los traumas del pasado, los pensamientos tóxicos…Todos ellos elementos de nuestras vidas, de nuestra psicología, que en ocasiones pueden crecer hasta traer consigo la enfermedad.

Es fácil verse reflejado en sus páginas de una manera u otra. Aunque no hayamos llegado al extremo de la enfermedad, son todos ellos sentimientos y elementos que fácilmente hemos podido vivir en algún momento de nuestras vidas.

MonstruosaMente puede ayudar a la gente a verse reflejada, a no sentirse sola con estas vivencias que a veces nos sobrepasan, o a ver cómo otras personas viven esto de forma distinta. El profesional sanitario, los familiares de determinados pacientes o la población en general podrían ganar empatía respecto a estas personas y entender elementos complejos que son más fácilmente comprensibles gracias a las metáforas visuales utilizadas en sus páginas. Podría ayudar a algunas personas a dar el paso hacia la terapia psicológica, animarlas a entenderse y aceptarse, a aprender a convivir con sus propios monstruos.

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Corre, corre que te pillo

FICHA TÉCNICA
Autora: Carmen B. Mikelarena
Páginas: 16
Editorial: UOU Impresiones
Año: 2020
ISBN: 9789200701696

TEMA
Corre, corre que te pillo es un breve cómic que trata sobre la fecundación vista desde una perspectiva alegórica como si fuese una carrera y al mismo tiempo dando detalles reales del proceso.

PUNTOS FUERTES
Tenemos al alcance numerosos cómics sobre el embarazo, en cómo son los meses que van transcurriendo en la mujer a nivel personal, familiar y social. De hecho, en Medicina Gráfica hemos reseñado algunas obras que tratan sobre ello.

Este cómic nos sorprende por la temática y cómo la desarrolla. La elección de un tema tan poco explorado como es la fecundación, le otorga ser una de las pioneras en abordar el contenido a través del cómic en español. Aunque Carmen no solo se conforma con trabajar un tema poco habitual, sino que lo resuelve de una manera profundamente imaginativa sin restar seriedad en las fases del proceso de la reproducción. Y si a todo esto le sumamos la presentación física de esta obra, estamos ante una pequeña obra de arte creativa en todos los aspectos.

Desconcierta encontrarse ante un cómic que cuida tan minuciosamente su apariencia. La cubierta está realizada con papel vegetal, semitransparente, y cada página está impresa en un papel gran gramaje (100 gr), y todo cosido artesanalmente. La obra se acompaña con una lámina impresa, numerada y firmada por la autora. Esta lámina es una ilustración sobre el concepto de la fecundación expresado metafóricamente como un juego de pinball. El conjunto es un material que le aporta valor, Carmen, han sabido transmitir para darle un aspecto de obra exclusiva e interés artístico.

Se trata de una novela que describe el camino que recorren los espermatozoides en el útero de una mujer hasta encontrar un óvulo y ser fecundado, y producir la gestación de un embrión. El relato se realiza desde un plano y una óptica interna. Todo transcurre desde dentro del útero de la mujer desde el momento en que ya hay presencia de espermatozoides.

La narrativa es muy rápida, fluida, muy entretenida. Al igual que todo el material, es un argumento muy creativo, donde simboliza una carrera en directo narrada por una cigüeña hasta llegar a la meta de la fecundación. Aunque la trama sea referenciada metafóricamente simulando todas las opciones que se pudieran encontrar los espermatozoides hasta llegar al óvulo, no deja de aportar cierto grado de realismo citando los momentos clave del proceso inseminación. Estos detalles le dan ciertos toques de formalidad al relato, poniendo al lector en situación que aunque el tema sea expuesto de forma imaginativa, el uso de los términos centra el objetivo real del cómic sobre el proceso de fecundación. No es casual, Carmen nos cuenta que las ganas que tenía de contar un proceso tan específico viene del grupo de compañeras que estudian medicina. A partir de las fuentes que le aportaron se documentó para la realización de todo el cómic. Y posteriormente, también fue contrastado parano perder credibilidad.

Es un relato muy cuidado en la diversidad de personas y sexos, maneja un argumento que se abre a las diferentes posibilidades, escrito de forma directa o subliminal, pero lo deja caer en muchas de las frases que emplea. En definitiva, muy pocas veces vais a encontrar un texto que integre el género y la diversidad de forma transversal en todo el argumento como en este cómic.

El dibujo es espectacular, no se puede desligar del color, van unidos. A penas hay vacíos en blanco. Son páginas repletas de colores. Cuida al extremo los huecos regalando figuras y tonalidades al lector. Emplea colores planos. Sin sombras. La representación de los personajes es muy acertada, si bien, mantiene ese estilo que caracteriza a Mikelarena, donde hay expresividad propia de conceptos en ellos, como si de cada personaje (o viñeta entera) quisiera que el lector descubriese el fin por el que está creado. Son pequeñas ilustraciones convertidas en viñetas, que una tras otra formulan un contenido con mucha viveza.

El conjunto, es una obra realizada con mucho esmero, con estilo, que cuida todos los conceptos. No sería de extrañar que algunos lo pudieran llamar “pequeña obra de arte” (yo al menos).

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Es una obra que aporta una temática muy concreta, poco explorada en el mundo del cómic, puede que sea pionera en el campo de la fertilidad, en el cómic en español. Además es Medicina Gráfica por otra serie de razones:

-Por la claridad como explica la inseminación, dando a conocer todas las fases por la que pueden encontrarse los espermatozoides en un útero hasta llegar a un óvulo (o no).
-Por facilitar la compresión de los pasos que ocurren una vez fecundado un óvulo en el útero de una mujer.
-Por abrir el abanico de posibilidades que pudiera encontrarse una madre según los genes que intervienen en la fecundación.
-Por ser ejemplar en la argumentación de la diversidad sexual y personal.
-Por visibilizar el factor del azar en el proceso de fecundación.
-Por la sencillez en que muestra la fisiología del aparato genital femenino interno.

Seguro que podrá ser muy útil para mujeres o parejas que deseen entender el proceso por el cual pasarán o han pasado para engendrar una criatura. O para profesionales de la salud que quieran un material pedagógico y ameno para explicar estos conceptos (en clases preparto, en consulta, en docencia, etc).

Es un cómic de edición limitada, por lo que habrá de darse prisa en tener un ejemplar en casa.

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Fatbottom - Barcelona
Traficantes de sueños - Madrid

¡Qué buen rollo el desarrollo!

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: Matías Néspolo con ilustraciones de Raquel Gu
Número de páginas: 168
Fecha de publicación: Diciembre de 2020
Editorial: Vicens Vives Tweens/Bold Letters
ISBN:788468277431

TEMA
Guía con un tono muy desenfadado en la que se repasan los cambios fundamentales de los chicos durante la pubertad. Consejos y recomendaciones en una obra que les habla directamente, con un lenguaje directo, adaptado a la edad objetivo del libro, pero que mantiene un rigor científico y una serie de consejos razonados y sin un tono dogmático o adoctrinador.

PUNTOS FUERTES
La obra está perfectamente estructurada en diversos aspectos de la pubertad, y reunidas en varios grupos temáticos: acné, desarrollo puberal, inteligencia emocional, presiones de grupo… Está escrita en un lenguaje muy coloquial, con continuas bromas y algunos apartados que pueden generar complicidad con el joven.

Así, tiene una sección recurrente que es «Traducción del adulto» en la que se pretende explicar algunas frases populares que los padres dicen a sus hijos para que lo entiendan sin esa presión o ese tono más formal y serio, que suele acabar en rechazo o desatención hacia el consejo.

Igualmente, llama a las cosas por su nombre coloquial, y lo trata con un tono muy de la calle. A la hora de referirse al acné habla de los granos, los de punta blanca, qué sucede al «espachurrarlos», o al hablar del olor corporal, hace referencias continuas al «olor a tigre»… expresiones familiares, que van a sacar incluso una sonrisa al joven que lo lea.

Las ilustraciones también contienen numerosos chistes gráficos para aliviar la lectura y que no estemos ante un «libro de texto», con referencias a los gallos de voz, a la paella para el acné, y a muchos otros tópicos que se asumen con humor.

La obra forma parte de una línea de la editorial Vicens Vives dedicada a los preadolescentes, entre las que destacan también dos títulos dirigidos a las chicas: Guía genial para una chica como tú y Un batido de emociones, ambas ilustradas también por Raquel Gu.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
El aspecto gráfico de la obra destaca por dos puntos importantes: El primero son las ilustraciones de Raquel Gu, toda una experta en obras de divulgación científica en tono amable con mucho sentido del humor. Las ilustraciones resultan atractiva y sirven para llamar la atención del lector, que puede llegar a sentir curiosidad por dónde en el texto se habla de alguna ilustración que le haya podido hacer especial gracia o resultado llamativa.

El otro aspecto gráfico fundamental es la maquetación. La obra está maquetada de una manera fresca, con numerosos cuadros de texto con un fondo diferente y vistoso, con tipografías llamativas y un aspecto de lectura bastante ligera para el contenido científico que tiene. A pesar de ser muy completo en su contenido, abarcando temas muy importantes y poco habituales en este tipo de textos, cuando uno hojea el libro da una sensación de ser una lectura rápida, nada densa ni árida, y eso es sin duda por el tipo de maquetación que tiene la obra, además de la cantidad de ilustraciones que contiene.

Puede ser utilizado en centros escolares como lectura de apoyo, o como regalo para un adolescente que esté atravesando la pubertad con dudas o inquietudes. Interesante para «recetar» tambien desde consultas de medicina y enfermería pediátricas desde Atención Primaria.

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Editorial Vincent Vives
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Cerebrópolis

FICHA TÉCNICA

Nombre del autor: Matteo Farinella. Colorista : Marie de Beaucourt.
Número de páginas: 48
Fecha de publicación: mayo 2018
Editorial: Destino Infantil y Juvenil.
ISBN: 9788408186885

TEMA
En este cuento acompañaremos a Ramona, una neurona indiferenciada, en su viaje exploratorio por Cerebrópolis. Conoceremos los distintos tipos de neuronas y sus correspondientes regiones del sistema nervioso central mientras Ramona decide qué tipo de neurona quiere ser de mayor.

PUNTOS FUERTES
Tras sus dos primeras novelas (“Neurocomic” y “Los sentidos”), Farinella realiza esta versión a todo color para pequeños lectores manteniendo su inconfundible estilo.

Los dibujos tienen un trazo sencillo, y no faltan los característicos bosques neuronales (tan presentes en la obra del autor) en los fondos. Para el coloreado se han utilizado los colores primarios (azul, rojo y amarillo) en distintas tonalidades.

La narrativa tiene el formato de un cuento, presentando escenas que se desarrollan en una ilustración cada dos caras. Aunque la historia no se divida en viñetas sí que se dan secuencias, ya que aparece el personaje realizando tres acciones diferentes en una ilustración.

El texto aparece enmarcado en bocadillos si forma parte del diálogo de los personajes, o bien en notas aclaratorias que definen conceptos apoyándose en pequeños esquemas y dibujos.

Algunas de las metáforas visuales que crea el autor en esta historia:

  • Las células son descritas como ladrillos que forman un todo más complejo, el tejido.
  • Las neuronas son personificadas de forma que su pelo son las dendritas y su nariz (en forma de trompa) el axón.
  • La comunicación entre las distintas partes del sistema nervioso central se hace mediante un ascensor; así pasan de la médula espinal al tálamo (representado como una torre de control) y de ahí a los distintos barrios de Cerebrópolis, que iremos describiendo a continuación. Para explicar las funciones de cada región cerebral, seguimos el impulso nervioso generado tras la picadura de un escorpión a la humana en la que viajamos.
  • En el cerebelo reconocemos a las células de Purkinje y a las células granulares trepando por las capas de la red neuronal cerebelosa. El ambiente está algo movido tras la picadura; así entendemos que el cerebelo es uno de los órganos encargados del equilibrio.
  • En la corteza sensorial vemos a las neuronas trabajar en computadoras que representan distintas regiones corporales, modulando los potenciales de acción dolorosos que llegan de ellas.
  • Las neuronas del córtex motor se encuentran en un gimnasio, accionando palancas para enviar órdenes motoras y así alejar a la humana del escorpión.
  • En el sistema límbico primero nos encontramos, en una escena un tanto caótica, a un grupo de neuronas de la amígdala muy asustadas por lo ocurrido. Esta reacción se envía al hipocampo para generar un recuerdo, que queda fijado en la memoria gracias al trabajo de una vieja neurona. Esta neurona aparece pintando un cuadro con un escorpión con la “tinta especial del recuerdo”.

Aún en el sistema límbico, vemos cómo se genera una reacción instintiva contra el artrópodo; una neurona está a punto de pulsar el botón “venganza” cuando recibe una llamada telefónica del lóbulo frontal que la detiene. Vemos así representada metafóricamente una señal moduladora.

  • El lóbulo frontal aparece representado como un barrio moderno en el que las neuronas construyen esculturas abstractas. Es el barrio cerebral encargado de imaginar, planificar, generar sentimientos como la empatía o el altruismo. Ramona queda fascinada por este barrio y tiene muy claro que es donde quiere desarrollarse.

Por cierto, los nombres de los personajes tampoco están elegidos al azar. La protagonista se llama Ramona en homenaje al neurocientífico español Santiago Ramón y Cajal, y el compañero de excursión se llama Camilo, en alusión al Dr. Camilo Golgi. Estos dos científicos y sus posibles rencillas ya fueron ilustrados en el trabajo previo Neurocómic, recuperándolos ahora de forma divertida y dejando atrás conflictos pasados.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
“Cerebrópolis” es un cuento recomendado para jóvenes lectores de 6 a 8 años. Sin embargo, el cuidado que hace el autor del dibujo y la cantidad de metáforas ocultas que pueden encontrarse en su lectura, lo hace apropiado para lectores de mayor edad. Supone una representación sencilla y divertida del funcionamiento del sistema nervioso central a partir del camino recorrido por un estímulo doloroso. Podría funcionar como primera aproximación a la anatomía y fisiología del sistema nervioso para alumnos de educación primaria o secundaria, o bien para ilustrar explicaciones de ciclos superiores. Al final del cuento se incluyen dos láminas ilustradas (una el sistema nervioso completo y otra del cerebro), con breves definiciones de cada componente a modo de esquema, que con permiso del autor serían muy adecuadas para su uso en el aula.

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Yo también quise ser como ana y Mía

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Leire Martín Curto
Número de páginas: 176
Fecha de publicación: Enero 2021
Editorial: Zenith
ISBN: 978-84-08-22991-9

TEMA
Esta es la novela gráfica autobiográfica de Leire Martín, una joven con un trastorno de la conducta alimentaria (TCA). En ella cuenta su historia de superación y recuperación con la esperanza de que sus vivencias puedan ayudar a otros a luchar contra esta enfermedad demasiadas veces pasada por alto.

PUNTOS FUERTES
La portada ya nos dice mucho de esta historia de superación, esa pose triunfal ante la enfermedad representada por dos monstruitos nada amigables, a los que llama Ana (anorexia) y Mía (bulimia).

La personificación de la enfermedad a través de los dos monstruitos es un recurso muy habitual y de gran impacto visual en ilustración, puesto que de esta forma visualizamos mejor la enfermedad y todo lo que ella conlleva. Haciéndonos más participes de lo que siente y piensa el personaje principal, en este caso la autora del mismo.

La historia está dividida en ocho capítulos, donde no hay duda que están escritos e ilustrados desde el corazón. Esta novela gráfica esta coloreada a escala de grises con algún matiz de azul, los personajes y escenarios denotan un gran trabajo de ilustración que, aunque sencilla, está llena de carácter y expresividad. Para nada se echa de menos el color, porque las ilustraciones son grandiosas, limpias y muy trabajadas con una estética muy actual y atractiva visualmente.

La obra está compuesta por viñetas e ilustraciones a página completa que hace que podamos seguir la historia de una manera fácil y muy amena. La tipografía típica de cómic es legible con un léxico coloquial que hace que quieras seguir leyendo hasta el final.

La gestualidad de los personajes es tremenda, lloros, risas, decepción, asombro, miedo… cada expresión inmejorable lo que hace que sintamos cierta empatía por cada uno de los personajes de la historia, entendiendo mucho mejor los sentimientos que afronta el personaje en cada situación según se va desarrollando la historia.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Los trastornos de la conducta alimentaria en ocasiones pasan desapercibidos porque se tiende a establecer un mismo patrón por el que cortamos a todos los pacientes, pero Leire nos enseña que no siempre es así, que no todas las patologías, no todas las personas desarrollan y se enfrentan a la enfermedad de la misma forma. Esos cambios de conducta y/o de ánimo que pasan desapercibos, la falta de comunicación o esas inseguridades no expresadas son señales imperceptibles en ocasiones por la familia, por lo tanto mucho más por el profesional sanitario. Por eso quizás, muchas se escapen a un diagnóstico precoz y lleguen a nuestras manos más tarde de lo esperado. Siendo más difícil su tratamiento y recuperación.

Esta obra es sin duda un tirón de orejas para los profesionales sanitarios, un grito para que abordemos ciertos temas desde una perspectiva más holística, el paciente como un todo, tanto física como psicológicamente, porque, aunque a veces lo obviemos lo físico se da la mano con lo mental y viceversa. Por lo que es muy importante tenerlo en cuenta para tratar al paciente y su afectación de la forma correcta.

Es también quizás un grito escondido a la presión social que sufrimos a diario, a esos estándares de belleza impuestos por una sociedad insana. Donde creemos que vernos delgadas y bonitas es sinónimo de salud y felicidad.

Esta novela no está dirigida a profesionales que aborden este trastorno directamente, sino a todo aquel, madre, padre, hermano, amiga, compañero… a cualquier persona, tenga o no, cerca una persona con un TCA, esta novela gráfica es una forma de darle visibilidad a una enfermedad en ocasiones ocultada, desmitificada y de ideas preconcebidas que no siempre corresponden con la realidad. En resumen, gran trabajo de ilustración y visibilidad de este trastorno, por último, me quedo con esta frase de Leire La anorexia y la bulimia no son princesas que te van a llevar hacia la felicidad, sino que son dos monstruos contra los que hay que luchar”.

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Totes y tots contra L'assetjament

FICHA TÉCNICA:
Dibujos: Manel Gimeno, Pau Valls, Marc Llorens, J. Fonollosa.
Guión: Manel Gimeno
Páginas: 30
Fecha de Publicación: 1ª edición, septiembre 2017.
Editorial: EDICIONS CAMACUC
ISBN: 9788486970956

TEMA
“Tots i totes contra l’assetjament” son un conjunto de historietas destinadas a visibilizar el acoso entre iguales.

PUNTOS FUERTES
La existencia de tebeos de edición mensual no es nada nuevo en nuestro país, si bien, en estas últimas décadas no es frecuente encontrarlos en las librerías como tiempos atrás. Muchos de ellos ya han desaparecido. Con Edicions CAMACUC tenemos un claro ejemplo de tebeos de edición mensual mediante subscripción destinado a la población infanto-juvenil de gran trayectoria entre la ciudadanía valenciana. Solo por poner un ejemplo, en este mes de diciembre de 2020 ya llevan 301 números sacados a la luz para el disfrute de muchos lectores. En este caso estamos ante un fascículo especial monotemático, un cómic de 30 páginas sobre el acoso entre chicos y chicas jóvenes trabajado por cuatro autores mediante 10 historias (Manel Gimeno, Pau Valls, J.M. Fonología, Marc Llorens) cada una resuelta entre dos o cuatro páginas.

El tema es especialmente acertado dado el problema que está causando a nivel de salud entre niños y niñas.

El hecho de que sean relatos cortos, hace que las historias se resuelvan con rapidez, incidiendo en el aspecto clave mediante un argumento narrativo muy sencillo y fácil de entender. Las historias descritas descifran objetivos claros solucionando perfectamente situaciones en que se puedan encontrar los chavales de esta edad.

-En “la muixeranga solidària” encontramos la resolución de conflictos de grupo, dando de ejemplo el hecho de actuar e ignorar a los acosadores.

-En “Anna” las consecuencias del acoso, proponiendo la solidaridad como acción a desarrollar.

-“Espectadors i espectadores” maneja el modelo de actuación que deberíamos realizar ante una situación clara de acoso.

-En “Malson” se expresa la actitud empática.

-En la historieta de “El primer dia” se ejemplariza lo que podría ser un primer día de instituto entre jévenes.

-“Amor” es el relato sobre la incomprensión.

-En “L’entrepà” vuelve a tratar la resolución de conflictos mediante el humor inteligente.

-“Xarxa secreta” es la historia de lo que podría ser un modelo innovador y creativo de prevención de acoso entre jóvenes escolarizados.

-En “No és assetjament” se exponen diferentes situaciones en que aclara lo que no es acoso.

-Finalmente “Ciberconsells i seguretat en la xarxa” es una agrupación de consejos destinados a la seguridad en redes.

Todas estas historietas están representadas en formato viñeta, cada autor las expresa a su estilo pero todas ellas mantienen el encuadre clásico de cuadrícula de seis a ocho viñetas por página. Son dibujos agradables donde se aprecia la profesionalidad del autor cuidando el fondo y la estética, además de la expresión de los personajes. En algunas historias, además, se pueden apreciar simbolismos metafóricos o el manejo del color para simbolizar situaciones complejas.

La creación de editoriales como CAMACUC, donde subsisten gracias a sus lectores mensuales, nos regala ejemplares de cómic cortos de gran interés y acierto por la sencillez de sus obras, por lo ameno como la describen, y por el punto de cercanía que le da en las experiencias descritas. Y todo bañado con toques de realidad y humor.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Esta obra es un recurso ágil, fácil y claro sobre aspectos a tener en cuenta sobre el acoso entre iguales. El hecho de que sean relatos cortos hace que no se pierda tiempo en el mensaje clave y alcanzan el objetivo planteado con gran eficacia.

Sus historias hacen que jóvenes y familias puedan ser conscientes de una situación de acoso y les ayudarán a identificarlo, a actuar, y a crear valores de convivencia y respeto.

Entre la profesión sanitaria, no es extraño encontrar realidades similares y las consecuencias en la salud de las personas que la sufren y sus familiares. Por ello, estamos ante un recurso muy útil para tener al alcance y aprovechar en las diferentes facetas que nos planteemos según sea el rol que queramos desempeñar ante la fase, etapa o circunstancia que nos encontremos.

Así pues, podría ser de gran ayuda para proyectos de prevención o de actuación entre niños y niñas en el ámbito de los equipos de pediatría, familiar y comunitaria, psicología, o hasta en salud pública y escolar. Cada uno de los relatos puede convertirse en un recurso fundamental para diseñar estrategias y metodologías de educación para la salud grupal o en consulta individual.

ENLACES DE INTERÉS:
Editorial Camacuc

La increíble historia de la Medicina

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: Jean-Noël Fabiani y Philippe Bercovici..
Número de páginas: 288.
Fecha de publicación: Diciembre de 2020.
Editorial: Norma Editorial.
ISBN: 9788467943962.

TEMA
La obra es un repaso de los eventos más relevantes de la Historia de la Medicina, dividido en 29 capítulos escogidos por su guionista, profesor de dicha asignatura en la Universidad de París-Descartes desde hace más de diez años. Los capítulos giran en torno a diversas materias, de determinadas especialidades como Oftalmología o Pediatría, pero también en torno a la evolución en el tiempo de la Medicina Humanitaria, la Enfermería o el papel de la mujer en la Medicina a lo largo de la Historia.

PUNTOS FUERTES
La obra está escrita por un profesor de Historia de la Medicina, y eso se nota en la exhaustividad de los temas escogidos y las categorías que analiza. Además, se trata de una obra actualizada hasta la fecha, que incluye incluso una página dedicada a la epidemia de SARS-CoV 2.

Incluye temas novedosos como pueden ser la evolución de las comadronas, transplantes, farmacopea o la nutrición y dietética, de los cuales es bastante difícil encontrar información en cualquiera de las obras referentes dentro de la bibliografía sobre la materia. Además, dedica un capítulo a la Enfermería, lo cual no suele ser habitual en esta materia, y que tal vez se podía haber aplicado a otras ramas sanitarias como Fisioterapia.

El dibujo corre a cargo de Bercovici, un artista que lleva más de treinta años ilustrando una serie cómica protagonizada por un grupo de enfermeras (Mujeres de blanco). Eso permite amenizar el texto con piezas de humor gráfico, que sirven como balsámico para la lectura ociosa, aunque su peso como narrativa gráfica sea casi anecdótico.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
La obra es uno de los compendios más completos y actualizados que existen sobre Historia de la Medicina y a nivel divulgativo tiene muchísimo peso. Puede utilizarse como apoyo en estudiantes de dicha asignatura y puede ser recomendado a lectores que estén interesados en conocer más sobre la evolución histórica de determinadas parcelas sanitarias. No recomendaría a nadie que se enfrentase a su lectura como la de obras historiadas, puesto que se trata más de un libro de texto ilustrado y aderezado con chistes gráficos, pero no deja de ser una obra puramente divulgativa de contenido denso..

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Norma Editorial
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Epopeya Farmacéutica

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: Luis Marcos e Íñigo Ansola
Número de páginas: 85 / 86
Fecha de publicación: 2016 y 2020
Editorial: Ediciones Universidad Salamanca
ISBN: 9788490126585 / 9788413112701

TEMA
Epopeya farmacéutica habla de las ciencias salutíferas a lo largo de la historia, de medicamentos mágicos poco efectivos y otros más mundanos pero de gran eficacia, de boticarios  galenistas y médicos aristotélicos, de diosas que sanan, de plagas y confinamientos o de alquimistas y venenos.

PUNTOS FUERTES
Esta obra, dividida en dos partes, aborda el devenir de los medicamentos y los profesionales relacionados con ellos desde los albores de la humanidad hasta el final de la Edad Media. Todo ello salpimentado con las viñetas del cántabro Íñigo Ansola.En el primer volumen, Epopeya farmacéutica: la Farmacia en el Mundo Antiguo, se tratan diversas civilizaciones, como las que se desarrollaron en China, Egipto o Roma, mientras que Epopeya farmacéutica: la Farmacia en la Edad Media se centra en Bizancio, el Islam y Europa Occidental.

Aunar rigor con humor no siempre es fácil, pero en Epopeya farmacéutica se amalgaman en un equilibrio que logra hacer de la lectura puro disfrute. Esto es muy importante en divulgación científica y se nota que el autor, farmacéutico, es conocedor del terreno que pisa.

Además de tratar la historia de la profesión farmacéutica y sus aportaciones medicamentosas, se contextualiza muy acertadamente, cada momento histórico, cada civilización, aprovechando para tratar también temas de historia general con habilidad, con un lenguaje muy de agradecer en este tipo de textos. Las anécdotas y curiosidades, así como la información relevante destacada como píldoras informativas junto con las viñetas, ilustraciones decorativas y un breve pero intenso cómic harán las delicias del lector.

Ansola, conocido por su tira cómica diaria en el Diario Montañés de Santander , demuestra que se entiende a las mil maravillas con el autor como lo hacen su estilo y su humor con el texto.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Los dos Epopeya farmacéutica no son cómics pero contienen un gran número de viñetas que aclaran conceptos y hacen la lectura del texto más atractiva. Entrarían probablemente en el concepto de libro ilustrado y las incluimos en el catálogo de Medicina Gráfica porque son obras muy meritorias ya que en nuestro país no se había abordado antes este tema desde un punto de vista gráfico, con grandes dosis de humor y divertidas viñetas. Están muy bien documentados y el contenido es claro, bien explicado, lo que hace que sea accesible a todo tipo de público, aunque hará las delicias de los sanitarios porque conocer el pasado de su profesión y las herramientas con las que contaban siempre es interesante e incluso diría que te abre los ojos. Su interés docente es evidente.

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Editorial Universidad de Salamanca
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La obsolescencia programada de nuestros sentimientos

FICHA TÉCNICA
Autores: Zidrou , Aimée de Jongh
Páginas: 144
Editorial: Oberon
Año: 2019
ISBN: 978-84-415-4165-8

TEMA
La obsolescencia programada de los sentimientos es una novela gráfica que trata sobre el envejecimiento a través de la vida de dos adultos que inicialmente no se conocían: Ulises y de Mediterránea, y que experimentan emociones encontradas e inesperadas asociadas al proceso de envejecer, pero que resuelven a través de una historia de amor entre ambos.

PUNTOS FUERTES
¿Cuánto os seduce el título de esta obra?. Para mi fue uno de los detalles que más me atrapó a la hora de explorar su contenido, y al igual que todo el argumento que entraña la obra, el título es una invitación a la reflexión.

Se trata de una novela que describe la vida de dos personajes. Él es Ulises, viudo desde hace varios años, se le murió su hija a los 16 años en un accidente y tiene un hijo muy ocupado ejerciendo de médico de familia. Cuando se ve forzado a la jubilación anticipada a los 59 años emergen una serie de acontecimientos asociados a la soledad que experimenta. Se encuentra solo, sin un objetivo claro  en su nueva vida, sin nada que hacer. Hay escenas en donde se manifiesta la sensación de vacío, sobretodo al recordar lo que le queda de su vida anterior, de su vida activa. Ella es Mediterránea, una mujer de 62 años que ha pasado los últimos años cuidando a su madre que fallece tras unos meses de sufrimiento. Es ex-modelo, no se llegó a casar nunca y está al cargo de la quesería de su madre. Sus días, tras perder a su madre, son tristes y percibe como la vida se le consume rápidamente. En ambos personajes se evidencian los sentimientos de pérdida, y despierta el miedo a envejecer.

Es una obra que facilita que entendamos cómo se sienten los personajes mediante pequeños ejemplos que al mismo tiempo, ayudan a empatizar con ellos. Por ejemplo, cuando Mediterránea va en autobús y se da cuenta que la ven como una anciana cuando unos jóvenes les ceden el puesto. O cuando a Ulises le empieza a aterrar los ancianos sentados en el parque sin hablar. Los instantes que esta obra deleitan al lector, los personajes están presentados con gran sensibilidad.

En la narración, Zidrou consigue con su habitual sutileza, que nos conmueva la vida de estos personajes, y llegar a abordar el problema del envejecimiento y la soledad de una forma profundamente humanista y realista, atreviéndose además a hablar del amor y sexualidad en adultos mayores. Es una obra cuyo guión nos abre a temáticas poco exploradas, y la forma en cómo se desenvuelve es de una inteligencia narrativa que no deja indiferente a nadie. Tan solo el final deja al lector algo confuso, al pasar de una tendencia en el argumento realista y emotivo a un momento más fantasioso y poco “habitual”. A mi entender, el final es un argumento narrativo metafórico, pudiendo interpretar que cuando menos lo esperas, siempre puede empezar una nueva forma de vivir, un renacer, algo nuevo en la vida de las personas.

El dibujo lo realiza Aimée de Jongh, mediante un trazo sobrio y realista. Tiene la capacidad de transmitir al lector la emoción a través del dibujo de los protagonistas. No esconde arrugas, ni pliegues en los cuerpos, aunque los plasma con gran belleza llegando a conmover en muchas de sus viñetas. Algunas páginas, sin texto y sin efectos gráficos innecesarios pueden llegar a facilitar la empatía hacia la actitud que desenvuelven los protagonistas, como por ejemplo en algunas escenas amorosas que surgen entre ellos.

La genialidad de esta novela recae en el magnetismo que ejerce el texto junto al dibujo, generando en consecuencia una escena cotidiana hecha poesía visual para que lleguemos a enternecernos con la vida de estas dos personas que reemplazan el aislamiento y la soledad mutua por un nuevo proyecto de vida ya avanzados sus ciclos vitales.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
El proceso del envejecimiento es inherente a todas las personas, aunque darse cuenta de ello se da poco a poco. ¿En qué edad las personas comienzan a sentirse mayores?… Este es uno de los detalles que explora este cómic, y lo plasma en pleno auge de dos formas distintas en los primeros capítulos de la novela. Por una parte, la experiencia de Ulises en que se le comunica la “forzosa” jubilación anticipada, hace que la vida ya no esté bajo su control y repercute en las acciones que realiza posteriormente, mediante un estilo de vida alejado a los que podríamos llamar saludable. Y en el caso de Mediterránea, vemos una persona mayor adulta, que ha dedicado los últimos años a cuidar a su madre en la vejez y la enfermedad, hasta el momento de su muerte. Después se topa con que también los años han pasado en ella, descubriendo el deterioro físico y mental en ella. En este primer aspecto, este libro es un ejemplo en la cuestión de adaptación, ya que a lo largo de la vida de las personas adultas mayores, se van desarrollando procesos internos de ajuste e inevitables de deterioro biológico, físico y cognitivo, como también en los externos a nivel social y ambiental. Este potencial de adaptación y aceptación de los cambios en el envejecimiento, puede repercutir en la salud de los mismos. En este cómic percibimos inicialmente una “adaptación negativa” a los cambios, floreciendo sentimientos agrupados en la resignación.

Otro aspecto perceptible en este cómic es la vulnerabilidad que tienen los adultos mayores ante la escasa valoración social y los escasos recursos adaptativos personales y sociales al alcance de ellos (entre las viñetas se aprecian anécdotas sobre el afrontamiento a la soledad, participación en la toma de decisiones familiares, menor poder adquisitivo, disminución de la red de amistades,…).

Es una novela muy generosa en la representación de emociones y sentimientos. Es fácil analizar las circunstancias en las que se desenvuelve la pareja y los sentimientos asociados. Además, permite poder reflexionar sobre ello, ya que la sensibilidad de cómo se transmiten mediante el texto y el dibujo, manteniendo las pausas argumentales, facilita su asociación.

No solo se aprecian limitaciones en salud y autonomía funcional asociadas al devenir de los años y a las circunstancias sociales, sino que a lo largo del libro, vemos una capacidad de respuesta ante las adversidades que permite mejorar la situación de ambos aceptando los vínculos afectivos que surgen entre ellos. Este ejercicio de aceptación mutuo, se refleja claramente en un alivio en su salud mental. Mediterránea supera los estereotipos de belleza y Ulises comparte sus habilidades y descubre otras.

La afectividad y las relaciones íntimas entre las personas mayores también son presentes en este cómic, y los enseña sin pudor y con mucha normalidad. Vemos relaciones amorosas en esta edad, pudiendo volver a empezar un noviazgo, en la búsqueda de espacios de afinidad, en la comprensión mutua del pasado, en el acto amoroso y sexual, etc. Cierto que es un tema tabú o poco expuesto en la actualidad, por esto, mediante este cómic podemos ampliar visiones ante la sociedad y profesionales sanitarios.

Con la metáfora final, aun siendo muy fantasiosa, queda claro que más allá de la juventud es posible disfrutar de mejorías personales y emocionales, siendo posible empezar una nueva vida aceptando la nueva coyuntura vital.

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Editorial Oberon
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Archivos Artrodésicos: De súbito...decúbito

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor:  Paco Carrión
Número de páginas: 254
Fecha de publicación: Noviembre 2020
Editorial: SALUTEMPLURIMAN EDICIONES

TEMA
En Junio de 2007 Paco Carrión es sometido a una operación de columna; una atrodesis (fijación de huesos con piezas de titanio) por una espondilolistesis severa L4-L5 (deslizamiento de una vértebra sobre otra). La cirugía se complica al rasgar los cirujanos el saco dural. Al ser dado de alta Carrión comienza un diario ilustrado de varios meses que unos años más tarde publica como novela gráfica.

PUNTOS FUERTES
Archivos artrodésicos es una obra sorprendente de principio a fin. El nivel de expresividad del autor, la creatividad y la libertad de su relato tanto gráfico como escrito acompañan la lectura de estos archivos.

Más allá de describir la pesadilla que supusieron las semanas de un dolorosísimo postoperatorio, el autor utiliza ese dolor como inspiración para crear arte.

Utiliza todo tipo de estilos, no tiene ningún corsé ni ninguna norma. Tiene páginas más «convencionales» con un formato tipo cómic, en blanco y negro o en color a otras con ilustraciones y texto o solo ilustraciones que te hacen deleitarte por su formato. Es un trabajo realizado todo a mano, incluidas las fuentes. Impresiona por ese intimismo, parece un libro que no fue concebido para ser publicado sino a manera de desahogo, de acompañamiento o de simple creación artística con la enfermedad como musa. Un verdadero cuaderno de viaje que comienza en la cama del autor y que acaba años después en nuestras manos.

Se aprecia el uso de bolígrafos de colores, acuarela, tinta, pinturilla, rotulador…un poco de todo. Hay tachones, renglones que se leen mal e incluso alguna falta. Al contrario de lo esperable, todo esto no crea rechazo en el lector, sino todo lo contrario. Te hace sentirte como un observador secreto, un practicante de oscuro voyeurismo de lo íntimo, algo a lo que se te ha invitado a observar y que te incomoda y a la vez te atrae  y esto te pega a las páginas de forma incontrolable.

La calidad del dibujo es excelente, las expresiones faciales de dolor o incluso de estreñimiento son sorprendentes, muy reconocibles.

Una de las fortalezas de esta crónica es el uso del humor, a veces algo surrealista, que aparece cuando menos lo esperas. Impera la escatología, en alguien que sufre el estreñimiento causado por la morfina, la defecación es poco menos que una fiesta, pero el asunto se alarga y la afición por valorar cada hez, crear historias e incluso ponerles nombre es causa para muchas carcajadas durante la lectura. La caca como inspiración artística no es frecuente en obras para adultos.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Esta peculiar obra tiene múltiples aportaciones a la Medicina Gráfica. Quizás la que puede pasar más desapercibida es el firme recordatorio que la enfermedad y sus síntomas no ocurren como algo exclusivo durante la vida, no hacen que el resto de eventos se paren, sino que forman parte de la vida, el devenir de las semanas y los meses. En un relato que dura casi un año como este, observamos por un lado cómo la enfermedad afecta todas las esferas de la vida pero tambien cómo el mundo sigue girando y no espera, mientras el dolor o la enfermedad te atrapan y ralentizan. La enfermedad suele ser un proceso, no algo estático como estudiamos en la Facultad. Quedan patentes los efectos psicológicos que un proceso tan largo y doloroso le provocan: «usted se está volviendo loco como el del resplandor«, la frustración, la soledad y ese «sentirse viejo»

En estos archivos artrodésicos aparecen imágenes anatómicas sorprendentes, no solo de la anatomía y la cirugía sino por ejemplo de los dermatomas afectados por los síntomas neurológicos que sufre. El edema intermitente de sus pies está bien reflejado. Por cierto hay que destacar que el autor inventa nuevos términos  como hiperanastasia, hipersatanasia pero que también hace una interesante revisión de síntomas, «palabros que sepa dios lo que significan». Así mismo son interesantes los comentarios sobre los fármacos que toma durante el proceso (lyrica, tramadol, etc) y de sus efectos secundarios.

Paco Carrión realiza algunas críticas sociales interesantes, como a la industria farmacéutica o a la alimentaria que sin duda provocan reflexión.

Pero lo más llamativo de estos archivos artodésicos son las imágenes donde se representa el dolor. Resultan impactantes, son provocadoras, transmiten con una fuerza que cuando lo miras te asomas junto con el autor al abismo de un dolor casi insoportable. Contornos que se desdibujan en agujas al rojo, martillos, estallidos, cadenas, punzones…la cantidad de sorprendentes recursos es desgarrador, casi subversivo. Es un verdadero tratado del dolor. Sin duda un relato que ayudaría a muchos profesionales a entender el nivel de intensidad y la incapacidad tan terrible que provocan.

Por su sorprendente composición artística, su sentido del humor y su relato, es una novela gráfica que entretendrá a cualquiera pero puede resultar particularmente útil en el medio sanitario para transmitir la intensidad de síntomas de una manera más que visual, visceral.

ENLACES DE INTERÉS
Este libro se ha publicado a través de crowdfunding. La adquisición del libro se realiza a través de petición por e-mail al autor  whenpacovenga@gmail.com 

Todo es Inflamable

FICHA TÉCNICA
Nombre de la autora: Gabrielle Bell.
Número de páginas: 160.
Fecha de publicación: Noviembre de 2020.
Editorial: La Cúpula.
ISBN: 9788417442743.

TEMA
Cómic autobiográfico, de corte similar a la anterior obra de la autora, Voyeurs, que cuenta su día a día. En esta ocasión, se centra en un incidente que provoca un incendio en la vivienda de su madre y la protagonista tendrá que desplazarse, durante aproximadamente un año, a California para ayudar a su madre a encontrar y acondicionar una nueva vivienda. Las personalidades de ambas mujeres son muy fuertes y la experiencia sirve para entender un poco más a la protagonista, especialmente si ya estás familiarizado con ella por haber leído sus anteriores obras.

PUNTOS FUERTES
Se trata de una obra autobiográfica, y aunque tiene un tono costumbrista, y se limita a contar las cosas que le suceden, aunque sean (o parezcan ser) irrelevantes. A diferencia de la anterior obra, esta sí tiene una base argumental mucho más reconocible, con la ayuda a su madre y todos los trámites que tiene que realizar para ayudarla a trasladarse a su nueva vivienda.

Sin embargo, la fuerza de esta obra se cimenta en dos pilares: 1) Vamos a conocer mejor a su madre, su manera de ser y su filosofía de vida, y eso nos va a ayudar a conocer mejor a la protagonista,  y a vislumbrar el origen de algunos de los rasgos de personalidad e incluso psiconalíticamente podríamos encontrar mucha base para la patología depresiva. 2) El propio tono de la narrativa, con una tendencia a la monotonía en cuanto a composición de página y escenas aparentemente cotidianas sin ningún interés para la historia, transmiten con gran acierto el ánimo de la autora, sus inquietudes y su manera de ver la vida.

Dentro de esa monotonía, de vez en cuando introduce alguna idea muy potente, o algún recurso gráfico que desentonan con el tono predominante y tienen mucho más impacto en el lector. Como ejemplos de esas ideas, destaca una comparación de su madre con un concepto sacado del libro Vida hogareña, de Marilynne Robinson, en el que habla de su madre como una sirena en un camarote, para hacer referencia a la zona de confort en la que ha convertido su madre a su hogar, en contraste con sus ideas de filosofía hippy de comunión con la naturaleza y la sed de libertad.

Como recursos gráficos destacables, hay numerosas viñetas en las que la autora se representa a sí misma atada por las lianas de sus propias plantas como representación de su ansiedad, de cómo  ilustra esa sensación de llevar un peso continuamente en su vida, o la última viñeta de una página en la que se ha ido mostrando en diversas situaciones en las aparenta ser capaz socialmente, en la que se muestra a sí misma en la cama, con continuas ideas autocríticas e insultándose a sí misma.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Gabrielle Bell es una mujer con rasgos de un trastorno de personalidad disocial y con un trastorno depresivo en tratamiento psicológico y farmacológico. En esta obra se hace menos hincapié en ello que las anteriores, pero sí permite comprender algunos rasgos de su biografía que pueden orientar un poco de cómo llegó a presentar algunos de sus síntomas y sobre todo, su personalidad. Su madre era una mujer independiente que llega a cuestionarse su instinto maternal. Gabrielle percibe esa falta de vínculo emocional, pero no la culpa en ningún momento, no hay ningún rencor en la obra.

Sin pretender hacer hincapié en dichas patologías psiquiátricas, es una obra muy rica en matices y que permite comprender mucho a la persona. Lo hace de una manera natural, contando simplemente su día a día, pero vamos a poder conocer sus inquietudes, su fobia social a pesar de tener una vida social bastante activa, con relación con sus amigos y familiares, y mostrando arrepentimiento si los hace sentir mal con su manera de ser.

Otro matiz que permite psicoanalizar a su autora es la relación con los animales. Siempre le han gustado mucho, pero tiene algunos episodios de su infancia/adolescencia en los que ha visto maltratarlos o sufrir ciertas enfermedades. Eso podría explicar que solo se comprometa a cuidar plantas y no tenga ninguna mascota a pesar de que luego le encanta tener animales cerca.

Como recursos concretos, vemos viñetas en las que se muestran ideas autocríticas, desinterés por los autocuidados, astenia y tristeza, y pulsiones hacia la búsqueda compulsiva de síntomas en internet.

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Editorial La Cúpula
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¡Hola Menstruación!

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: Yumi Stynes, Melissa Kang, Jenny Latham.
Traducción: Marta Tutone
Número de páginas: 168.
Fecha de publicación: Marzo de 2020.
Editorial: Liana editorial
ISBN: 978-8412140712

TEMA
¡Hola menstruación es una guía para despejar las dudas más frecuentes que surgen con respecto a la menstruación, realizada por una médica especialista en sexualidad en la adolescencia y una presentadora, ambas muy populares en Australia.

PUNTOS FUERTES
La guía está realizada con una idea muy clara al respecto del público objetivo al que va dirigido. Está escrita con mucho humor, con un lenguaje claro y directo, y un tono bastante tranquilizador. Han resumido algunas de las dudas más frecuentes que han contestado ambas en su podcast Ladies, we need to talk y las han ido agrupando en diversas categorías. Así, el libro puede ser consultado tanto por alguna sección concreta o ser leído de principio a fin para enterarse de todo lo que te cuentan estas dos divulgadoras.

La maquetación de la obra es uno de sus puntos más fuertes, puesto que está agrupada por párrafos o preguntas, donde quedan desarrolladas cada respuesta. Ese tono tan «de blog» se ve reforzado por unas ilustraciones de Jenny Latham, con un tono muy desenfadado y divertido, que ayudan a rebajar el tono del tema tratado, aportan normalidad y muestran que es algo que le sucede a todo tipo de mujeres, de cualquier edad, etnia y características.

Además, las ilustraciones no solo sirven para dar ese toque más informal sin un tono tan docente, sino que en determinados pasajes muestra de manera muy gráfica cómo se colocan ciertos métodos para proteger del sangrado (tampones, copas menstruales) e incluso ilustran sobre cómo suelen ser los sangrados tanto en color como en cantidad. Al hacerlo de manera tan visual es mucho más fácil de comprender para las niñas que están cercanas a la regla o que acaban de tener sus primeras menstruaciones.

Como bien dicen en algunas ocasiones a lo largo del libro, también es apropiado para padres, familiares o amigos varones que no tienen mucho conocimiento al respecto de la menstruación, para que así puedan comprender lo que pasan todos los meses.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
La obra está planteada como un texto apoyado por ilustraciones. Las ilustraciones suelen ser ir en consonancia de gestos o expresiones de las niñas, para que la preadolescente se sienta identificada con esa incertidumbre o ignorancia al respecto de los cambios que está sufriendo su cuerpo. Pero además, ilustra adecuadamente cómo deben colocarse algunos de los métodos explicados para proteger del sangrado menstrual, de manera que pueda hacerse una idea de lo que supone y su dificultad. Tiene una maquetación muy visual, casi a modo de infografía en algunas páginas, lo cual facilita mucho la lectura y la hace más atractiva a los jóvenes.

¡Hola menstruación! puede usarse en ámbitos docentes como texto de apoyo, puede recomendarse a lectores varones que no tengan referentes femeninos cercanos pero sí hijas o familiares en edad cercana a la menarquia, para poder ayudar y sobre todo empatizar en un momento de inquietud por el desconocimiento.

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Liana Editorial
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Anatográfico

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Patricia Rueda Sáez
Número de páginas: 100 págs.
Fecha de publicación: 2016
Editorial: Bubok Publishing S.L
ISBN: 978-84-685-1713-1

TEMA
“ANATOGRÁFICO Salud Visual” es un libro de infografías que intenta desentrañar y hacer más fácil el complejo mundo de la salud y la anatomía, explicadas de manera visual haciendo uso conjunto de visualizaciones de datos , grafismo e información escrita.

PUNTOS FUERTES
Imagína que tuvieras que explicarle a alguien de manera rápida y básica como hacer una RCP, o cómo funciona el corazón, o para qué sirven los músculos. Imagina que tienes que dar una clase sobre el sistema reproductor o las hormonas. Posiblemente tengas las nociones suficientes para defender ese reto, pero este libro le ayudará a hacer fácil lo difícil.

Y es que esta es la misión de este libro, hacer accesible el difícil mundo de la anatomía y la salud humana. El libro está compuesto de 11 capítulos que representan sistemas anatómicos: desde el sistema nervioso al tegumentario pasando por el reproductor y el circulatorio.

Dentro de cada capítulo hay una descripción anatómica de los distintos sistemas pero además encontraremos explicaciones a ciertos problemas o enfermedades, así como curiosidades o informaciones interesantes para el lector. De esta manera podremos aprender lo que es una RCP cuando leamos el sistema respiratorio; que son los nutrientes y las kilocalorías en el sistema digestivo o que es las distrofia muscular en el sistema musculoesquelético. Información fácil y accesible para lectores tanto con conocimientos de anatomía y salud como para aquellos que simplemente les interese el tema desde el punto de vista curioso o docente.

Lo que impresiona a un primer de este libro es la belleza y simplicidad de sus imágenes, haciendo uso de un dibujo vectorial simple y esquemático, utiliza la representación más fácil del cuerpo humano para dar lecciones magistrales de anatomía y fisiología. En ocasiones se sirve de superponer los órganos sobre el esquema anatómico, como hace al superponer los pulmones o el sistema circulatorio sobre el cuerpo,  y en otras ocasiones extrayendo los órganos de este para explicar cómo funciona; ejemplo de ello es la representación del aparato reproductor masculino y femenino y de cómo funciona un preservativo durante el coito en la sección dedicada al sistema reproductor y el VIH.

El color es otro punto a favor de este trabajo, sin poseer una gama de colores extensa hace uso de manera muy acertada de paletas de un color específico y dedicado para cada capítulo: rojo para el músculo, azul para el sistema nervioso, amarillo para el digestivo… Un acierto estilístico que aporta continuidad.

En lo referente a la información, el libro posee una sección de referencias bibliográficas que pueden ser consultadas en paralelo y dotan de credibilidad a  la información presente en la obra.

Merece la pena subrayar algunos de los temas que con más estilo y acierto se muestran en el libro:

-Enfermedades Cutáneas (Sistema tegumentario)
-Enanismo (Sistema Hormonal)
-Embarazo (Sistema Reproductor)
-Parada Cardiorespiratoria (Sistema Respiratorio)
-Penicilina (Sistema Linfático)
-Dentición (Sistema Óseo)
-Donación de Sangre (Sistema Circulatorio)

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Anatografico es un trabajo maravilloso que permite dar a conocer al público general los conocimientos más complejos y, a la vez, más básicos de salud.

En este atlas se puede no solo aprender sobre procesos vitales sino que hace algo más: da herramientas para la comunicación y la divulgación de estos.

Desde el punto de vista del lector interesado o del paciente: Es un libro atrayente que explica de manera accesible los distintos procesos y sistemas del cuerpo humano de manera que tiene un potencial educativo real

Desde el punto de vista del sanitario, este libro tiene potencial de servir de guía para poder explicar simplemente procesos complejos a pacientes y familiares. Un atlas para tener en consulta y utilizarlo como mapa visual durante estas explicaciones.

Es interesante la faceta divulgadora y docente. Este libro en manos de profesores, maestros o divulgadores del mundo de sanitario, biología, química o salud pública tiene la capacidad de ser una herramienta para educar al público general de manera sencilla y atractiva

Este trabajo es un acicate a otros ilustradores no sanitarios a aportar su capacidad artística a la Medicina Gráfica. La autora, Patricia Rueda, es Graduada en Diseño Gráfico y Técnico Superior en Gráfica Publicitaria y este libro es su trabajo de fin de estudios en la escuela de Artes de Granada.

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El mundo al otro lado de tu ventana

FICHA TÉCNICA
Nombre de autores: Peter David, Gary Frank
Número de páginas: 22 (el volumen completo 320)
Fecha de publicación 1994 (original en USA), 2020 (traducido en España)
Editorial en España: Panini
ISBN: 9788413341866

TEMA
Este número consta de varias historias paralelas con el VIH como denominador común. Por un lado, Jim Wilson, amigo de aventuras de Hulk (Bruce Banner), y portador del VIH en etapa SIDA, sufre una descompensación de su enfermedad, y pide a su amigo que le ayude con alguna terapia experimental. Del mismo modo, Betty, esposa de Banner, atiende en un servicio de línea directa a un hombre que tras conocer su diagnóstico de VIH desea suicidarse. Por último, a un niño con diagnóstico de VIH se le prohíbe la entrada a su colegio por el miedo de varios padres a que pueda contagiar a sus hijos.

PUNTOS FUERTES
Una de las frases más escuchadas en el mundo del comic es que “son para niños”, “no reflejan el mundo real”. Pues bien, esta obra, que recoge varias historias de distintos personajes, incluye temas relacionados con la salud desde el ámbito de la justicia social (tiroteos en las escuelas), las drogas, alcoholismo, o el SIDA.

De estas historias, aquí nos referimos a la de Hulk, que nos hace reflexionar sobre el SIDA. La elección de este tema por parte de Peter David se asume como un completo acierto, puesto que Hulk es un personaje que conoce el rechazo y la discriminación por ser distinto, y la soledad que esto conlleva. Una de las ideas que ha existido siempre alrededor de Hulk es que él solo quiere que lo quieran y acepten como es, siendo que al contrario, se le rechaza y se le tiene miedo. Vemos muy reflejado este concepto en las primeras páginas del comic cuando el niño protagonista de una de las historias solo quiere volver al colegio y promete portarse bien para que le dejen ir, sin entender bien por qué ocurre todo este alboroto a su alrededor.

Desde el punto de vista formal, desde el principio se ve que es distinto a otros comics más “tradicionales”, la portada es de color negro a excepción de una figura en cama con Hulk a su lado, ambos iluminados parcialmente por una lámpara. Al mismo tiempo, un lazo rojo símbolo del apoyo a los pacientes con VIH y la lucha contra el SIDA ya nos da una idea de por donde van a discurrir las cosas.

Especialmente llamativo resulta el cartel que porta Jim Wilson en las primeras viñetas del comic, “la ignorancia alimenta el miedo”, muy adecuado tanto para el VIH como para el propio personaje de Hulk.

Por otro lado, la relación que se va formando entre Betty y Chet nos deja con el corazón apretado, a medida que se ve avanzando en la historia, y somos testigos de la fe y esperanza de Betty en que lo podrá “salvar”, y la desesperación de ver, al igual que Chet, la luz del tren que se acerca de forma a toda velocidad, haciendo un paralelismo con la proverbial “luz al final el túnel”, para después, la viñeta se va a negro, y el comic llega a su fin, dejándonos a solas con nuestros pensamientos sobre lo que acabamos de vivir.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Este es otro ejemplo de que los comics no son solo un medio de evasión para el lector, sino por el contrario, un vehículo para “poner sobre el tapete” temas tan difíciles de tratar en su momento como el SIDA (recordemos que esta publicado en 1994 en su versión original), y que lo aborden desde distintos enfoques: la discriminación incluso hacia los niños, que nace del miedo, o el miedo al “qué dirán” que se vislumbra en la historia de la que Betty es testigo. Sin querer caer mucho en spoilers, esta no es una historia con un final feliz (estereotipo propio del comic), lo que también aporta una cuota de realismo y crudez a un tema como este.

Por otro lado, el comic pasa también de puntillas por otros aspectos: racismo, responsabilidad médica con terapias experimentales o la homofobia.

De este modo, se convierte en una herramienta muy provechosa en términos de educación y por sobre todo, para abrir la conversación acerca de un tema que en algunos contextos y para algunas personas sigue siendo tabú o estigmatizante.

Solamente añadir que este comic fue muy polémico en su momento, y la sección de cartas al editor se llenó de críticas y alabanzas hacia el autor por cómo había retratado a los protagonistas o la dificultad de haber presentado un tema así en tan sólo 22 páginas. Hasta la editora de la serie tuvo que tomar cartas en el asunto.

En fin, un comic muy bien hecho, con la intención no de responder preguntas o resolver dudas, sino de animarnos a hacernos y responder entre nosotros las preguntas que puedan surgir acerca de cómo nos relacionamos con los demás, y cuáles son los motores que gobiernan nuestra manera de relacionarnos con el mundo.

PREMIOS 
1994 Eisner como mejor escritor (Nominada)
1996 Premio Haxtur como «Mejor Guion» en el Salón Internacional del cómic del Principado de Asturias

ENLACES DE INTERÉS
Editorial Panini
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Los sentidos

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Dr. Matteo Farinella
Traductor: Ernest Riera i Arbussá
Número de páginas: 168 págs.
Fecha de publicación: 2018.
Editorial: NORMA Editorial.
ISBN: 978-84-679-3192-1.

TEMA
Tras el viaje por Cerebrolandia que nos ofreció Matteo Farinella en Neurocomic, un fallo en el experimento en realidad virtual de la protagonista nos trasladará al mundo de los cinco sentidos, en el que aprenderemos algunos de sus secretos, su funcionamiento y su papel en nuestra percepción y concepción del mundo.

PUNTOS FUERTES
La obra se divide en cinco capítulos (uno por sentido), precedidos de un prólogo en el que se narra el accidente en el laboratorio de la protagonista, que tras pasar demasiado tiempo alejada de la realidad analógica se ve fagocitada por su propio experimento e inmersa en el mundo de los sentidos. Al final de cada capítulo reaparece el mundo presente en el que su compañera de trabajo trata de estimularla para que vuelva a la realidad. La historia se cierra con un epílogo en el que se plantean cuestiones acerca de la percepción y la mente.

La estética es similar a Neurocomic; entintado en blanco y negro, con el inconfundible estilo de Farinella. La metáfora del bosque neuronal, tan propia del imaginario de Cajal, es constante, si bien esta vez el bosque está compuesto por exóticas especies de receptores sensoriales.

En cada capítulo nos encontramos con ilustraciones anatómicas que consiguen un fantástico equilibrio entre la esquematización didáctica y el detalle, y que bien podrían ser utilizadas como material docente en las Facultades. Algunas de estas ilustraciones incluyen: capas de la piel, estructura del arco reflejo, tipos de papilas gustativas, quimiorreceptores linguales, anatomía del bulbo olfatorio, del oído (en sus tres partes), capas de la retina, anatomía del ojo, vía visual…De nuevo en esta obra el autor nos regala un sinfín de metáforas que merece la pena comentar sentido a sentido:

TACTO El primer contacto de la protagonista con un personaje se produce con una terminación nerviosa que grita al ser golpeada y nos habla del tacto, el órgano más grande del cuerpo humano.

Los cuatro descubridores de los mecanorreceptores (Merkel, Meissner, Pacini, Ruffini) aparecen retratados a modo de terminación nerviosa. Les dedica una página completa en cuatro viñetas que perfectamente podría ser un juego de cartas o tarjetas didácticas.

El tálamo aparece representado como una centralita cerebral receptora de información sensorial y encargada de enviar esa información al cerebro, que decide una respuesta motora.

El arco reflejo miotático aparece como una vía telefónica de llamadas urgentes: si se percibe cierta información sensorial dolorosa, los mecanorreceptores llaman urgente y directamente a las motoneuronas de la médula espinal, que responden con un movimiento de retirada.

El proceso de inhibición lateral del dolor llevado a cabo por los nocirreceptores se representa como una pelea de boxeo entre ellos.

GUSTO. Malpigi, científico italiano que describió por primera vez las glándulas gustativas, nos conduce al sentido del gusto.

Aparece el personaje de Kikunae Ikeda, descubridor del sabor Umami, a partir del que se cuestionará la división de las áreas linguales por sabores.

La Capsaicina aparece dibujada como un dragón que echa fuego, en las viñetas en las que se explica el papel del trigémino en la percepción del sabor picante, que activa receptores del dolor.

OLOR. Un perro que vuela en gorrocóptero transporta a la protagonista al mundo de los olores.

Un castillo edificado en la lengua y cuyas torres ascienden hasta los cornetes nasales sirve para explicarnos que algunos sabores se construyen gracias a la percepción olfativa, y que algunos sabores cambiarían si perdiéramos el sentido del olfato.

Nos trasladamos desde un receptor de la mucosa olfatoria hasta el bulbo olfatorio. Después de que nuestro compañero el perro nos aconseje “seguir nuestro olfato, que habla el lenguaje de la memoria y las emociones, no el racional”, nos encontramos con Proust, que toma un té en busca de la memoria perdida.

Las complejas interconexiones entre los glomérulos del bulbo olfatorio al córtex olfativo se entremezclan en su camino con fibras de la amígdala y el hipocampo. Esto se representa como un laberinto de conexiones.

Las feromonas, definidas como una de las formas más antiguas de comunicación, aparecen representadas como pequeños monstruos. Aparece su descubridor, Henri Febre y el autor nos regala un par de páginas espectaculares que representan el reino de los insectos, que utilizan estas moléculas para señalizar situaciones de peligro, fuentes de alimento o para reproducirse.

OIDO. Salimos del reino del olfato sobrevolando la cabeza humana e introduciéndonos por el pabellón auditivo con ayuda de un murciélago.

La protagonista sigue a Giacomo Gaspare Corti (investigador que da nombre al órgano de Corti) que la guía por el interior del oído humano, atravesando el tímpano y llegando a bucear en el interior de la cóclea.

La membrana basilar aparece dibujada como el teclado de un piano, como metáfora a su mapa de frecuencias: debido a su grosor, nos permite percibir en la parte proximal los sonidos graves (baja frecuencia) y en la distal los agudos (alta frecuencia).

Un pájaro nos explica que el lenguaje evoluciona de la música: no son más que patrones de sonido que se han dotado de significado y emociones diferentes en cada lengua.

En una viñeta en la que se nos explica la utilidad de la música en la rehabilitación de pacientes con afasia, se representa la afasia como un bocadillo de diálogo fragmentado.

VISTA. George Wald, experto en visión, nos lleva por medio de un camino de tuberías hasta el ojo. Por el camino aprendemos que la retina es parte del cerebro.

A lo largo del capítulo se nos presentan las distintas células retinianas que son personificadas al dotarlas de ojos. Todas forman una red por la que trepan los personajes. La neuronas bipolares de centro ON-OFF son las encargadas de detectar el contraste, idea que se representa superponiendo bocadillos de diálogo en blanco y negro.

Una neurona dotada de escuadra y cartabón nos explica la neurofisiología que hay detrás de la percepción visual de la orientación, el contraste…

Nos adentramos en el camino de la vía visual, en el que nos encontramos con flechas que señalizan las distintas áreas visuales corticales. En ruta nos encontramos con Helen, la simia con la que se experimentó acerca de la visión ciega, y que nos lleva por una vía visual alternativa.

EPÍLOGO. Por fin, gracias a la estimulación externa, la protagonista vuelve (y nosotros con ella) al mundo real tras semejante periplo interno. Allí nos encontramos en una fiesta con Descartes, Dalí, Walt Whitman y William James, que debaten acerca de la dualidad del ser; “quizás la mente esté justo en la conexión entre el cuerpo y el sistema nervioso”, dice un panel de texto acompañado de una ilustración en la que aparece un enchufe en la médula espinal.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
“Los sentidos” es una novela gráfica que puede ser muy útil en el ámbito de la docencia: estudiantes, investigadores, divulgadores, profesores universitarios… Puede ser un buen complemento para el estudio de neurofisiología y neuroanatomía, tanto por la utilidad de sus metáforas visuales a modo de reglas mnemotécnicas, como porque la información se presenta de forma muy atractiva e incita la curiosidad al lector, siendo apropiada para ampliar la información de estudio de forma divertida y amena.

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Norma Editorial
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Downtown

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: Noël Lang y Rodrigo García
Número de páginas: 136
Fecha de publicación: 2012
Editorial: Dibbuks
ISBN:978-84-92902-85-9

TEMA
Blo es un niño con síndrome de Down que, junto a su pandilla protagoniza escenas divertidas contadas en primera persona

PUNTOS FUERTES
“Me llamo Blo, tengo síndrome de Down, una novia, muchos amigos y un disco favorito.” Así empieza este libro que utiliza las tiras cómicas para presentarnos historias y  anécdotas de un grupo de amigos con síndrome de Down.

Este libro te conquista desde su primera viñeta en la que aparece un carrito de bebé con Blo recién nacido y un texto que dice: “Lo malo de tener síndrome de Down es que el día que naces, tus padres se ponen un poco tristes…, lo bueno es que después de ese día no vuelven a estar tristes nunca más.”  Vicente del Bosque, Ex-seleccionador Nacional de Fútbol, en el prólogo de este libro dice sobre esta frase: ”Sé que suena un poco idílico, pero aún con todas las preocupaciones y miedos que afrontamos, no deja de ser una gran realidad”.

Es la visión sencilla del mundo contada con esos ojillos sin perjuicios, con esa lógica que te sorprende, inspirada en la inocencia y que nos invita a la reflexión lo que atrapa al lector.

Resulta chocante que una pandilla de niños y niñas con Síndrome de Down protagonicen viñetas al estilo de Charlie Brown o Mafalda. Sus autores no sabían cómo iban a reaccionar los familiares de niños con síndrome de Down cuando comenzaron a publicar estas tiras cómicas en su Blog. Pero el humor es un lenguaje universal que no conoce de condición, sexo o estatus y la iniciativa fue muy bien acogida.

Blo es un personaje basado en Pablo el tío de Noël Lang, el guionista de Downtown. Pablo tiene síndrome de Down y muchos de los gags del libro están basado en la convivencia entre ambos. Como los propios autores dicen “Quien tiene un familiar con síndrome de Down tiene anécdotas súperdivertidas. Nuestra intención es contarlas desde su punto de vista, con una manera muy simple de ver las cosas.”  En el libro su autores trasladan esa peculiar visión al mundo de las tiras cómicas donde, con sutil ironía nos transportan a un mundo en el que la sencillez, la sinceridad y la ternura inundan las viñetas.

El tipo de dibujo utilizado acompaña la idea de sencillez y simplificación utilizando el trazo limpio y claro y los colores planos. El fondo blanco sobre el que los personajes aparecen crea una atmósfera donde lo importante son los personajes y sus interacciones.

Los personajes de estas viñetas son Blo, Bibi, Miguelote, Ruth y Benjamín. Todos ellos tienen síndrome de Down. Cada uno de ellos con su personalidad, sus rarezas y sus sueños aportan su manera peculiar de ver las cosas.

  • Blo, es el personaje principal, va siempre acompañado de su disco de “Petula Clark” a todas partes.
  • Bibi, sensata, divertida. Es la novia de Blo.
  • Miguelote, es grande y perezoso. Un pedazo de pan.
  • Ruth, Pizpireta y presumida. De mayor quiere ser famosa.
  • Benjamín, Es tímido y reservado. Le gusta pasar desapercibido. Sufre de tricotilomanía.

La obra es un compendio de las tiras cómicas protagonizadas por estos simpáticos personajes.

POR QUÉ ES MEDICIAN GRÁFICA
Las personas con síndrome de Down tienen en su sus células tres cromosomas en el par 21 en lugar de dos. Este exceso de información genética deriva en una serie de características físicas, conductuales y de predisposición a determinadas enfermedades. Pero al margen de esto son personas que, con sus limitaciones, luchan por integrarse en un mundo lleno de prejuicios y estereotipos.

Por primera vez se nos presenta una obra que habla sobre el síndrome de Down desde el punto de vista de los que lo tienen.  Como dicen sus autores “Nos gusta pensar que Blo tiene el mismo derecho a divertir que cualquier otro personaje de ficción, y que la gente, si se divierte con él, acabará tomándole cariño, a él y a sus amigos, además de entender su mundo”

En sus viñetas estos entrañables personajes nos cuentan cosas que les ocurren, como que con frecuencia les cuesta concentrarse en las cosas, que algunos son extrovertidos y otros no tanto, como Benjamín que sufre de tricotilomanía lo que hace que se arranque el pelo de manera compulsiva cuando se pone nervioso. También aparecen algunas patologías asociadas al síndrome de Down como el sobrepeso de Miguelote.

Downtown es una obra que da visibilidad al síndrome de Down desde el humor y la ternura. Sin duda un libro muy recomendable para poner en valor la diversidad.

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El rojo es bello

FICHA TÉCNICA
Autora: Lucía Zamolo
Número de páginas: 96
Fecha de publicación: noviembre 2019
Editorial: TAKATUKA
ISBN: 978-84-17383-49-7

TEMA
El rojo es bello es un libro que trata sobre la menstruación en primera persona y revisa primeras experiencias, consejos, mitos, etc.

PUNTOS FUERTES
Lucia Zamolo ha realizado en El rojo es bello un trabajo que va más allá de una exposición de conceptos o vivencias sobre la menstruación. Aunque todo esté relatado de una forma desenfadada, este proyecto es el  fruto de una búsqueda documentada para la realización de un trabajo fin de grado y revisado por una ginecóloga (Dra. Susanne Hofmann). El contenido está escrito en primera persona, lo que le da un aire autobiográfico (aunque desconozcamos si realmente lo es)

En el tema narrativo, se observa que no emplea una tipografía tipo. El relato está escrito a mano alzada, con tachaduras, en diferentes tamaños, con palabras que hace destacar, sin guías ni tabulaciones, con borrones, con anotaciones y enfatizaciones, subrayados o composiciones inusuales de texto que logran que las palabras y las frases en sí mismas se conviertan en viñetas o ilustraciones, como si fuesen un dibujo o una parte ilustrada del libro. Plasmando el relato de esta forma singular y un tanto artística, consigue crear cierta cercanía hacia un público juvenil o adolescente.

Estamos ante un libro que emplea diferentes técnicas de expresión visual del contenido. Se pueden observar viñetas de cómic en una única página, grafismos tipo visual thinking, ilustraciones, texturas, etc. No sigue una misma metodología en todo el libro, más bien destaca la desigualdad en cada página, busca la irregularidad en cada hoja consiguiendo la sensación de pequeña obra de arte. Curiosamente esta desproporción le da una aire de equilibrio en la totalidad del libro, permitiendo la interacción (hay páginas giradas, volteadas, derechas, incompletas,…) que provocan la participación activa del lector.

El atrevimiento en el planteamiento del libro tiene pros y contras, por una parte gana la capacidad de empatía hacia un perfil joven pero por otra pierde fluidez en la lectura y comprensión en un público infantil. Es una obra que puede y debe dirigirse a cualquier franja de edad (y sexo) ya que todavía existen muchos tabús, mitos y creencias en torno a la experiencia menstrual que se resuelven de manera inteligente en este libro.

El rojo es bello se divide en seis partes: ¿cómo empezó todo?, el día a día de la menstruación, patrañas de todos los tiempos, la verdad, un montón de consejos, y ¡así son las cosas!. En todas se habla de manera natural, directa y con toques de humor.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
El hecho de que sea un cómic generado a raíz del trabajo de fin de grado, con contenidos documentados y revisados por una profesional ginecóloga, lo convierte en un material valioso. Para empezar, es un libro útil para difundir con naturalidad un tema aun tabú en nuestros días y contribuye a despertar el conocimiento hacia el cuerpo de la mujer respetando el ciclo fisiológico. Encontrar un libro que normalice la expresión de la experiencia menstrual de forma abierta puede ayudar a muchas mujeres y hombres que aun perciben este momento como desagradable y especialmente para chicas que la experimentan por primera vez. También útil para padres y madres que pretendan aliviar el miedo a sus hijas o educar a sus hijos.

Muchos de los aconteceres dificultosos se expresan en este libro en el primer tema, y coinciden con los temores de muchas jóvenes que atendemos en las consultas de pediatría (el dolor, manchas de sangre, utilización de tampones, compresas, sentimiento de vergüenza, etc.), luego es un libro provechoso como recurso educativo o informativo. Además, no solo aclara conceptos, sino que también aporta recursos de afrontación a las diversas situaciones que se pueden encontrar o sintomatología asociada al ciclo menstrual.

Fácilmente puede ser una herramienta para que chicos y chicas se familiaricen con el proceso natural del ciclo menstrual en talleres de educación afectivo y sexual en centros sanitarios o educativos.

La temática del libro contribuye a hablar de un tema vetado aun hoy en día, sobretodo en la población de media edad o culturas dispares. Y aunque no sea el público diana al que va dirigido este cómic, puede ayudar a abordar el tema a estas mujeres y hombres de forma más relajada. Algunas consultas que se expresan o se perciben en el entorno ginecológico, de la matrona, de atención primaria,… pueden tener en este libro un recurso facilitador.

Estamos pues, ante una novela particular sobre un tema peculiar que a día de hoy pocos autores han explorado. Creemos y deseamos que haya más experiencias sobre esta materia ya que aportan nuevas perspectivas tanto para la ciudadanía como para los profesionales.

PREMIOS
Premio Serafina de Ilustración 2019 (Ganadora)

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Nuestra salvaje juventud

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: Mari Okada y Nao Emoto.
Número de páginas: 8 tomos de unas 190 páginas.
Fecha de publicación: Junio-19 a Enero-20.
Editorial: MilkyWay Ediciones.
ISBN: 978-8417820251.

TEMA
Cinco chicas forman parte de un club de lectura en su Instituto. Un día sale el tema del sexo y desde entonces cada una de ellas comienza a experimentar curiosidad y a vivir experiencias con respecto a su propia  sexualidad en plena efervescencia adolescente. Son cinco chicas muy distintas y cada una de ellas lo vive de un modo completamente diferente.

PUNTOS FUERTES
En esta obra se afronta un tema tan tabú como es la sexualidad en la adolescencia… pero contada para lectores que pueden estar en la franja de edad de sus protagonistas. La peculiaridad es que lo hace desde el punto de vista de las chicas, y que lo hace en una sociedad tan puritana y con unas costumbres tan diferentes como la japonesa. No obstante, muestra experiencias, dudas y pulsiones extrapolables por completo a una sociedad occidental como la nuestra, aunque algunos aspectos como la diferencia de edad o la rigidez en las escuelas con respecto a una mera relación sentimental pueda ser visto como algo extraño en la nuestra. El hecho de que esté centrada en cinco chicas, no excluye que veamos cómo los chicos también van a sentir sus propias inquietudes y vamos a ver cómo lo afrontan de diferente forma: desde el respeto hasta la bravuconería.

Lo interesante de la obra es la cantidad de aspectos de la sexualidad en la adolescencia que trata: masturbación, curiosidad, dudas, presiones de grupo, inteligencia emocional, relación de adultos con adolescentes y sus consecuencias, pulsiones cercanas a la pederastia, embarazo adolescente, o confusión entre deseo sexual y amor. Son algunos de los muchos temas que se abordan en mayor o menor medida.

Además, está contada de una manera nada morbosa, con un target bien claro hacia lectores jóvenes, y con una delicadeza y elegancia que la hacen destacar. No es nada gratuita, no recurre al humor zafio en ningún momento, y aborda los temas con naturalidad, mostrando cómo viven cada uno de los chicos las sensaciones nuevas que están experimentando. En ningún momento se muestra explícita ni tenemos por qué temer que un joven lea algo fuera de lugar.

Las cinco chicas tienen, además, personalidades muy polarizadas, que seguro que van a hacer que te puedas identificar con alguna de ellas: la puritana, la agresiva e impulsiva con respecto al sexo, la inocente, la que se siente más adulta de lo que es y la más convencional. Esas personalidades permiten explorar también diferentes aspectos de la sexualidad que hubieran sido mucho más difíciles de explorar si se hubiera centrado con una sola protagonista.

El dibujo es el propio de los manga para adolescentes, con frecuentes recursos humorísticos a través de expresiones o exageraciones visuales, que además de enseñar sobre el tema, permiten que se pueda disfrutar de una historia divertida y atractiva para este tipo de lectores.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA

Esta obra aborda el tema de la sexualidad en la adolescencia, y puede usarse como recurso de referencia en clases de educación sexual por la variedad de temas que cuenta y por cómo está orientado de una manera nada académica ni docente, sino a través de una historia que va a resultar atractiva por unos personajes variados y unas tramas divertidas y que tocan temas que probablemente preocupen a muchos adolescentes que viven con incertidumbre su incipiente despertar sexual.

La delicadeza con la que se abordan ciertos temas y la gran cobertura de muchos aspectos frecuentemente olvidados en obras que abordan este tipo de temas la hacen muy recomendable para cualquier joven, que pueda llegar a sufrir la humillación por las presiones de grupo, la falta de autoestima por un desarrollo sexual acorde al de otras compañeras e incluso la confusión que puede producir el mero deseo con una relación sentimental.

ENLACES
Editorial Milky Way
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Un regalo para Kushbu

FICHA TÉCNICA
Autores: Gabi Martínez y varios autores más
Número de páginas: 128
Fecha de publicación: 2017
Producido por la fundación Mescladís y la asociación Al-liquidoi
Coeditado por el Ayuntamiento de Barcelona y Astiberri Ediciones
ISBN: 978-84-16880-30-0

TEMA
Obra basada en pequeños relatos autobiográficos unidos entre sí, en los que se relata la historia de diez personas diferentes que se ven forzadas a huir de sus respectivos países en busca de una alternativa mejor.

PUNTOS FUERTES
Es una novela gráfica colaborativa, muy participativa, donde hay un trabajo previo de recogida de información por parte de los autores para reflejar cada una de las historias de la forma más representativa y real que viven o vivieron los protagonistas. Tras entrevistarse con las personas inmigradas de nueve países diferentes y que conviven en la actualidad en Barcelona, Gabi Martinez (guionista) y diez autores de cómic entremezclan su habilidad particular para expresar el drama del camino vivido hasta la actualidad. Estos autores son Tyto Alba, Cristina Bueno, Miquel Gallardo, Martín López lam, Andrea Lucio, Susanna Martín, Marcos Prior, Sonia Pulido, Manu Ripoll y Sagar Forniés. Lo que confiere a esta obra una versión interesante de tarea colectiva, que entre dibujantes, protagonistas y guionista llegan a ser una veintena de personas.

Todas las historias se unen en un espacio común de encuentro. El Espai Mescladís es el epicentro de todas las voces tanto en la trayectoria de vida de cada uno de los personajes principales, como también de los autores del cómic para trabajar de primera mano la realidad expresada por ellos.

Así pues, “Un regalo para Kushbu” es un cómic con mucha representación en la diversidad de vidas, expresadas con una riqueza gráfica y estética diversa. Cada historia real se da a conocer con la delicadeza artística de un dibujante, lo que le da una expresión simbólica de la pluralidad de las personas y del mundo. Cada dibujante emplea la técnica en viñetas y dibujos que siente más a gusto para reflejar la trayectoria vivida por el protagonista. Si hay que destacar alguno, pueden ser los trazos y los colores elegidos por Sonia Pulido, que mediante unos dibujos simplistas y unos pocos colores llamativos narra la vida de Camilo, consiguiendo plasmar la compleja situación que ha vivido de manera simbólica a través de las tonalidades elegidas.

Todas las historias tienen una narrativa en común. Retratan el viaje, su punto de partida en la decisión de partir y la travesía hacia un destino mejor del que tienen. En cada uno de los testimonios se moldea de forma íntima la experiencia migratoria no solo en el recorrido, sino también en la actualidad. Otro punto en común es su vida aquí, en España. Hacen referencia al pasado y al presente, dejando en evidencia las dificultades sociales, familiares, culturales y económicas que se encuentran viviendo en esta ciudad.

La riqueza del guión está en la expresión real de sus historias, parte de las experiencias vividas, por lo que Gabi Martínez las plasma desde un punto de vista certero y verídico. Son exposiciones con pocas dosis de humor, todos los argumentos arrastran momentos duros de vida, y eso se nota en el relato escrito.

Por poner algún ejemplo rápido y muy resumido:

Soly, nacido en 1984 en Senegal, relata como consigue llegar a España en patera a los 22 años esperando estudiar una ingeniería de caminos. Trabajó en la construcción unos años hasta que la crisis inmobiliaria y volvió a buscarse la vida por otros lugares hasta que llegó a Barcelona.

Beborah (nombre ficticio para preservar el anonimato), una mujer nigeriana que aun tiene que esconderse por seguridad. Detalla todas las fechorías que tuvo que pasar en el camino relacionadas con el tráfico de personas y la trata de mujeres, además de dos embarazos.

Bubakar, profesor de Francés en Níger, del que tuvo que partir por la creencia religiosa de allí, en que el francés distrae del islam. Además de todos los entresijos que tuvo que pasar para llegar a Barcelona, se nos revela su vida en esta ciudad. Pudo cuidar a un señor, pero que al fallecer tuvo abandonar la casa donde se hospedaba y volver a buscarse la vida.

Son nueve historias únicas e individuales, aunque reflejan las de millones de personas que salen de sus países hacia ciudades Europeas o de cualquier país rico en busca de un futuro mejor para ellos y sus familias. Es una novela gráfica que humaniza y pone rostro a toda esa gente inmigrante que se nos presenta muchas veces en forma de estadísticas y números, y un tanto sesgada y despersonalizada.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Hoy día es difícil entender el tratamiento sanitario hacia una persona desde un enfoque solo de la enfermedad, sino que desde hace varias décadas, el enfoque sanitario se centra en la salud de las personas, la cual viene determinada por no solo por la presencia o no de enfermedad, sino sobretodo por un conjunto de factores sociales y económicos, ambientales, por las condiciones de vida y de trabajo, y por el grado de cohesión social.

Esta mirada hacia la salud de las personas y encaminar tratamientos hacia el bienestar sin descuidar el de la enfermedad, hace que podamos entender el gran valor de esta novela gráfica y todo lo que puede llegar a revelar a los distintos profesionales de la salud que trabajan de forma directa o indirecta con personas inmigradas en situación desfavorable.

Puede ser un cómic ideal para sanitarios que trabajan en proyectos de cooperación internacional o nacional, voluntariado, servicios sociales o asociaciones. Aunque cabe tener en cuenta que la atención a estas personas también se hace en servicios de urgencias o de atención primaria. En algunos casos hasta pueden suponer el grueso de toda la atención diaria en según qué zonas, por lo que conocer los procesos vitales que pasan y las dificultades asociadas puede clarificar algunas situaciones y despejar dudas en el tipo de derivación o prescripción a realizar. Además, es magnífico para profesionales que trabajen en ámbitos de salud pública y comunitaria.

Ayuda a entender que el impacto de la inmigración es un factor que repercute en todas las dimensiones personales, sociales y familiares. Estas historias reales expuestas en la novela gráfica  tienen cosas en común: las huidas de su país natal, los trayectos peligrosos o de riesgo, fatalidades asociadas a las inseguridades de todo tipo, detenciones, devoluciones, pobreza, fragilidad, precariedad, desamparo, soledad, miedo… y la mayoría movidas por el deseo de mejores oportunidades de vida. Como profesional, reconocer el impacto de los flujos migratorios en las personas atendidas es importante. Esto influye decisivamente en su trayectoria vital, independientemente de que haya experimentado en primera persona el traslado de un país a otro o que, como ocurre con los hijos nacidos o llegados con corta edad al país de destino, hayan crecido en un contexto bicultural marcado por el viaje emprendido por sus padres o incluso sus abuelos.

Te da la posibilidad de empatizar, ya que cuenta las historias en primera persona, sin florituras ni monerías. Son relatos de puro drama que parten desde la dimensión emocional y sentimental de las personas. Lo cual, puede ayudar al profesional de la salud a entender la carga personal que arrastran a nivel afectivo y hasta físico personas que han vivido situaciones similares.

En clave de atención comunitaria, es un libro en el que se intuyen procesos de participación ciudadana, recursos de la comunidad en salud y bienestar, alianzas entre diferentes instituciones y servicios, identificación de recursos saludables en el barrio, empoderamiento de la comunidad, etc. Luego es un cómic generoso como recurso en el análisis o reflexión de la prescripción social y el trabajo de la salud comunitaria.

En el contexto de prescripción social en el ámbito de atención primaria, es una novela que entrevé mediante muchos ejemplos, la colaboración activa de personas concretas del barrio que con su actitud, se implican activamente en la vida del barrio y que, por sus circunstancias personales, por su profesión o motivación, actúan como dinamizadoras de las actuaciones que se llevan a cabo para mejorar la situación de la barriada donde residen.

Por ello, más allá de la temática de la inmigración de las personas en este cómic, está la implicación y la solidaridad de personas concretas, además del entramado social asociativo para resolver situaciones dificultosas y proporcionar espacios o recursos de bienestar. Así que también es un gran recurso de Medicina Gráfica pudiendo ser una herramienta para ayudar a profesionales y pacientes a orientar las intervenciones con raíces en problemática social.

En este libro también se habla de identidad sexual, no solo a la identidad según los genitales, sino al concepto amplio del ser hombre y del ser mujer. La historia de Camilo es una muestra del duro proceso de aceptación personal y social a las cuestiones que el entorno define cómo ha de ser una mujer o un hombre. En la historia de Camilo hay un momento en que percibe que no concuerda el sexo que tiene con lo que siente. Aun teniendo una vulva, se siente hombre “soy un hombre atrapado en un cuerpo de mujer”. La vivencia expresada viene mostrada con total transparencia, con total crudeza. El cómic se centra a partir de su adolescencia, con todas las dificultades que tuvo que vivir (desarrollo puberal, parejas, etc). Al final, en la madurez y con ayuda de otras personas trans y una asociación se plantea un tratamiento hormonal, cambio de nombre en su documentación, etc. Aunque hasta con la cirugía, según refiere, no se siente “completo”, pero sí más feliz.

En este cómic, también podemos encontrarnos con la historia de Dilora en el que una vez instalada en el barrio del Raval de Barcelona, se hospeda en una casa infestada de chinches y con las dificultades de seguir un tratamiento adecuado a la diabetes y a la depresión que tiene, “sin papeles las niñas no podían escolarizarse. Sin papeles yo no podía recibir la atención médica necesaria”. Impacta una viñeta en la que se ve su marido buscando comida entre la basura (con una frase que dice “…nos adaptamos”, dando a reflexionar qué tipo de comida debían comer aun teniendo una enfermedad tan dependiente del tipo de alimentos como es la diabetes.

Con la historia de Deborah, vemos la trata de mujeres, engañada y obligada a prostituirse “…así fue como empecé, fue horrible, asquerosamente duro”. Relatando además situaciones de maltrato y violencia física de algunos hombres.

En la mayoría de estas historias se relata una vía de esperanza y escapatoria a la situación que están a través de personas concretas, asociaciones o entidades. Luego se confirma que la red comunitaria tiene mucho valor en la atención de las personas que lo necesitan, pudiendo llegar a ser el recurso más valioso para la salud de ciertas personas. La prescripción social es intuible en este cómic. En una parte del libro, Kushbu lo dice así “una historia que enseña cuánto ayudan algunas asociaciones a las personas”.

En definitiva, es una novela gráfica cuyo mérito recae en que está realizada con mucha sensibilidad a través de historias reales que cuentan con valentía sus procesos de migratorios y de convivencia en la ciudad de acogida. Cualquier vida que cuentan se puede extrapolar en otras vidas de personas inmigradas y en otras grandes ciudades Europeas, por lo que le confiere un interés universal.

Además, estamos ante un cómic que pone de relieve la influencia de los determinantes de la salud en la vida de las personas y la sociedad.

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Sandman: Muerte habla sobre la vida

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Neil Gaiman / DaveMcKean
Número de páginas: 7 (el tomo completo 216)
Fecha de publicación:1994 (original en USA), 2015 (traducido en España)
Editorial en España: ECC
ISBN:8417480536

SINOPSIS
En esta historia corta, la Muerte entrega al lector algunas reflexiones acerca de las Enfermedades de Transmisión Sexual (ETS) y cómo prevenirlas, enseñando cómo colocar un preservativo con la ayuda de otro personaje de cómic, John Constantine (HELLBLAZER).

«Muerte habla sobre la vida» es un mini-comic dentro de una obra más extensa que lleva por título Sandman

PUNTOS FUERTES DE LA OBRA
Lo más relevante de esta historia corta es la genialidad de Neil Gaiman de usar uno de sus personajes, ya muy conocidos en el momento de su publicación, para un tema tan relevante como la prevención del SIDA y otras ETS. Une así el mundo del comic con la educación sexual, logrando llegar a muchos  potenciales beneficiarios. Esta historia se publicó como complemento en varios comics de la editorial DC en su sello vértigo en 1994; en aquel momento,  el SIDA estaba en pleno apogeo y había mucha desinformación al respecto.

Resulta irónico que Gaiman use la Muerte para hablar de la prevención de una enfermedad que sin tratamiento lleva al fallecimiento del afectado, es decir, a los brazos de la protagonista.

Con un lenguaje claro y directo, Muerte habla de forma general acerca de las ETS y su importancia centrándose en el SIDA y su prevención por medio del uso del preservativo (entre otras cosas). Enseña de forma muy gráfica pero siempre respetuosa la manera de colocarlo y su uso.  Para ellos usa un plátano que entrega de forma subrepticia un avergonzado John Constantine.

Del mismo modo, el componente visual no es alambicado ni sobrecargado, lo cual permite centrarse de forma muy clara en el mensaje que se transmite, lo que, viniendo de un cómic, medio gráfico por excelencia, resalta aún más la importante del contenido.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Esta historia resume de muy buena manera el rol educativo de la medicina gráfica. Usa personajes conocidos previamente, para transmitir un mensaje de relevancia máxima para la sociedad, y lo hace de forma muy clara y directa.

Aunque se tiene una visión de los cómics “mainstream” como mero entretenimiento, es cada vez más común que se usen como reflejo de la sociedad en que vivimos, y en ese sentido, cada vez ha ido ganando importancia el ser vehículo para un rol educativo en salud, sobre todo en prevención. He aquí algunos ejemplos:

El increíble Hulk y el SIDA
Iron Man y alcohol
Spiderman y drogas
Drogas en el Universo DC

El que sean personajes conocidos hace que su impacto sea potencialmente mucho mayor que obras creadas de novo, puesto que el lector de cómics se encontrará con ciertos mensajes o situaciones que invitan a reflexionar sobre temas relevantes como el SIDA, las drogas, y adquirir mayor conocimiento de otras menos prevalentes (ELA o esclerosis múltiple en increíble Hulk, por ejemplo).

Por otra parte, aunque el preservativo sea la forma más común de prevención de ETS, la protagonista nos habla de otros métodos igualmente válidos como la abstinencia o tener pareja única para así poder interesar a gente con creencias y valores diferentes.

En suma, una historia corta pero muy bien llevada a cabo y que cumple de forma sobresaliente el objetivo que su autor tiene en mente para educar y concientizar a la población lectora que además es el rango etario objetivo de esta campaña. Nota: el sello Vertigo, en el que se publicó esta historia, iba orientada a lectores adolescentes y adultos jóvenes, no siendo su contenido apto para niños pequeños.

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Editorial ECC
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Esta farmacia es una cruz

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: Guillermo Martín Melgar (Farmaenfurecida) y Maribel Carod
Número de páginas: 113
Fecha de publicación: Noviembre 2019
Editorial: Grijalbo
ISBN: 9788425358180

TEMA
Remedios es una joven farmacéutica recién licenciada  que comienza  su primer trabajo en una Farmacia de barrio. Muy pronto se da cuenta que ese título que tanto le ha costado obtener no le ha preparado para el complejo trabajo del día a día

PUNTOS FUERTES
El guionista de este divertido cómic es un farmacéutico con años de experiencia, lo cual hace los relatos muy realistas. Utiliza el humor y la crítica social con gran maestría y te hace sentir gran simpatía por la figura del farmacéutico.

Es un cómic a todo color con variabilidad en la disposición y número de viñetas y que aporta una lectura muy dinámica. Es el clásico libro que se lee «de una sentada». Los personajes son muy comiqueros, poco realistas, lo cual permite la metáfora y la exageración y lo hace muy expresivo. Un señor con una hacha en la cabeza, una señora con fuego saliendo de los ojos, una peluca que sale disparada o una plancha volando…etc, son recursos del cómic tipo Ibañez que le aportan un toque muy divertido.

Se puede hacer una lectura superficial y disfrutar  la parte cómica de la historia y los encuentros tan peculiares entre los farmacéuticos y sus clientes. De esta manera Esta Farmacia es una Cruz es un cómic fantástico para pasar el rato. Pero en una segunda lectura más analítica, lo cautivador de esta novela gráfica es que te acerca al trabajo de un farmaceútico y su importancia como agente de salud en la sociedad. Por otro lado, y tambien como punto fuerte, hace un análisis crítico social sobre la creciente medicalización y el mal uso de un servicio.

Otra fortaleza de este cómic es que dulcifica la imagen pública del farmaceútico poniendo en valor la dificultad del trabajo que hacen, lo complejo de estar cara al público y la labor invisible que se realiza dentro de una farmacia. Pone tambien de manifiesto como la formación de un farmaceutico, como la de tantas otras carreras, es insuficiente para enfrentarse a las demandas del trabajo a realizar.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Esta Farmacia es una Cruz es un ejemplo excelente de Medicina Gráfica útil para el profesional y el paciente. Explicado con gran humor hace una llamada de atención al mal uso de la Farmacia, donde la gente acude por las razones más variopintas. Desde pedir la hora, pedir cambio o pedir que te ayuden a instalar el wasap en el teléfono movil o les expliques una carta que han recibido del banco. El farmaceutico es una persona preparada y detrás de un mostrador siempre dispuesta a ayudar. El capítulo sobre la Farmacia de Guardia y las cosas con las que acuden los clientes acaba con una definición: «una urgencia en una farmacia de guardia es cualquier cosa que le pase a cualquier persona en cualquier momento»

En tono positivo, este comic habla de la especial relación de confianza que se establece entre el farmaceútico y el enfermo crónico y la gran labor que se puede hacer en prevención y en educación sanitaria para, por ejemplo, el buen uso de los antibióticos. En un medio sanitario donde el paciente crónico ve a diferentes médicos cada vez que acude a consulta, la figura del farmaceútico parece clave. Pacientes que cambian de barrio pero no de famacia y farmaceúticos que se conocen el historial médico y la vida personal del paciente, crean una complicidad única que pueden ser de gran apoyo al paciente.

Si alguna vez has pensado que un farmaceutico es un simple dispensador de medicinas, Esta Farmacia Es Una Cruz te da una imagen muy real de la complicada labor que afronta un farmaceútico. Te cuenta lo que conlleva un día cualquiera donde hacen un poco de todo: psicología, economía, lectura comprensiva, informática, ingeniería, gestión…e.tc.

Requiere mención especial lo bien que representa este cómic la dificultad de una joven para ganarse la credibilidad profesional a pesar de su impecable bata blanca. Que los clientes desconfíen de su capacidad y se refieran a ella como «la niña», es algo con lo que muchas otras jóvenes de bata blanca se pueden sentir identificadas. Resulta una denuncia necesaria.

Esta Farmacia Es Una Cruz es un cómic muy divertido pero que a la vez te hace entender la función de una famacia y un farmaceútico desde dentro.

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Editorial Grijalbo (PRH)
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La Batalla de Esquizo

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Manuel Antonio García Iglesias
Número de páginas: 88
Fecha de publicación: Octubre de 2019
Editorial: Nuevo Nueve
ISBN: 978-8417989095

TEMA
La batalla de esquizo acompaña a Roberto en su día a día. Roberto es estudiante de Bellas Artes e intenta terminar la carrera a pesar de los síntomas que le produce su enfermedad mental. Él lo lleva lo mejor que puede, sin medicación. Pero cada vez los síntomas son más invalidantes y repercuten en sus relaciones sociales, por lo que su meta de completar sus estudios se va alejando.

PUNTOS FUERTES
A pesar de estar realizada por alguien que no padece la enfermedad, se trata de una persona que ha tenido mucha relación con un paciente con síntomas de esquizofrenia paranoide. Eso se traduce en lo bien que transmite el sufrimiento del paciente en primera persona, sin dejarse llevar por síntomas llamativos o exagerando algunos de ellos para hacer un relato más atractivo.

Refleja muy bien las dificultades que provoca la enfermedad, especialmente en los síntomas paranoides. Para representar esa sensación de que todos conspiran contra él y, en definitiva, cómo se ve el protagonista, utilizando un esquema de puntos y líneas que sirven para mostrar cómo se siente en relación con el entorno que le rodea. Es un recurso que sirve para comprender cómo esos síntomas se manifiestan en diferentes situaciones sociales (atendiendo a clase, en la calle, en el cine…). También muestra el desinterés por su propia higiene y cómo le quita importancia porque no forma parte de su lista de prioridades.

Donde mejor funciona el cómic es en el uso del color como elemento metafórico. La obra está realizada en dos tonalidades de marrón como color predominante: el marrón oscuro suele ir acompañando a los momentos de no-sintomatología, mientras que cuando la enfermedad hace su aparición, suele mostrarse un marrón más claro. Además, el color se utiliza para mostrar la sensación de despersonalización que tiene en cierto momento el protagonista, dando una sensación de imagen desenfocada a través de diferentes capas de color.

Otro de los recursos presentes es el uso de distorsión en espiral de la imagen, aludiendo a la sensación de falta de control, de verse absorbido por los síntomas. Otra manera de mostrar ese momento álgido de intensidad es a través de manchas de tinta o efecto de tinta corrida.

La obra está planteada casi en un bitono, por lo monocromática que resulta, y solo se ve salvada por las obras del protagonista, que son en color. Dichas obras son los trabajos reales de la persona en la que está inspirada esta historia, y sirve para llamar la atención del lector y darle un lugar destacado, otro homenaje más a dicha persona.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
La batalla de esquizo cuenta el día a día de un paciente con esquizofrenia paranoide. Muestra en primera persona síntomas paranoides de voces que le avisan de que los que le rodean están en su contra; síntomas como la depresión, anhedonia y falta de interés por su propia higiene e imagen corporal. Habla de su mala relación con la medicación, de los efectos secundarios de los primeros antipsicóticos que tomó… pero, en el fondo, deja claro el mensaje de que el tratamiento farmacológico es la única vía para conseguir llevar una vida «normal».

Esta obra puede servir para familiares y cuidadores, para mostrarles cómo sienten los pacientes la enfermedad, y por qué a veces pueden tener comportamientos rumiantes. Por los recursos gráficos que utiliza, también puede ser una buena obra para utilizar de manera docente, pues transmite muy bien síntomas no siempre fáciles de comprender.

PREMIOS
IV Premio de Novela Gráfica Social de la Fundación Divina Pastora. (Ganadora ex-aequo)

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Editorial Nuevo Nueve
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Yo, loco

FICHA TÉCNICA
Autores: Antonio Altarriba y Keko
Número de páginas: 128
Fecha de publicación: 2018
Editorial: NORMA Editorial
ISBN: 978-84-679-3418-2

TEMA
Ángel Molinos, doctor en psicología y dramaturgo fallido, trabaja para Otrament, observatorio de trastornos mentales afiliado a Pfizin, una conocida farmacéutica internacional que utiliza cobayas humanas en el desarrollo de nuevas drogas. Su trabajo consiste en crear nuevos perfiles psicológicos “patologizables” que aumenten el consumo de los fármacos producidos por Pfizin.

Ángel tiene sueños oscuros. Vive atormentado por un pasado que no consigue dejar atrás refugiándose en el estudio de la psique de los demás para exorcizar la suya propia. Pero cuando un compañero que decide denunciar las malas prácticas de Otrament desaparece, entrará de lleno en una trama de conspiración, paranoia y terror que le arrastrará a las fauces de la locura.

PUNTOS FUERTES
Yo, loco es una NOVELA GRÁFICA DE DE FICCIÓN, cargada de intriga y conspiración, perturbadora e inquietante. El argumento de la historia y sus personajes son extrañamente atractivos, te atrapan y es casi imposible no leerlo de un tirón. Podríamos describirlo como un thriller que se desarrolla con la industria farmaceútica como escenario.

La estética es de cómic clásico con viñetas siempre bien marcadas en cajas y texto en bocadillos y cartelas. Cada página tiene como mínimo cuatro viñetas pero en los momentos de mayor drama se limita a una sola y de gran impacto visual por su simetría casi completa.

Es un comic con gran predominio del negro, podríamos decir que es blanco sobre fondo negro, excepto los textos que son siempre negro sobre blanco. La intensa oscuridad le confiere  un aspecto amenazador, incómodo. Sin embargo, casi en cada página aparecen toques en un intenso amarillo que descolocan al lector pues desvían tu atención, con frecuencia a zonas de la imagen de menor relevancia. en otras ocasiones las pupilas amarillas, la luna o la invasión del cuerpo entero de ese color coinciden con una mayor pérdida de contacto con la realidad o como dice el mismo título….de locura.

Cada imagen presta gran atención al detalle, merece la pena detenerse en cada escena y dejarse sorprender por lugares reconocibles o por objetos (como la estantería de libros del protagonista  donde uno alcanza a leer que son todos libros en relación con la locura: Don quijote , Elogio de la Locura…ETC)

El guión de la historia es sensacional y su trama sorprendente pero la habilidad con la que está puesta en escena la parte gráfica demuestra absoluto dominio artístico. El ilustrador cambia continuamente el punto de vista del lector. En ocasiones te coloca en la posición del protagonista de la viñeta (como si estuviera dibujado desde tu punto de vista), en otras hace un zoom rápido y te ves de observador a varios metros o en la lejanía, incluso desde arriba a vista de pájaro. Otras veces, el punto de mira queda fijo, como si viniera de una cámara de seguridad y los personajes se van alejando mientras continúa su interacción.

Hay usos sorprendentes de la imagen que denotan movimientos en el espacio y tiempo. Por ejemplo «una cámara fija» en la que vemos al protagonista en una silla giratoria que rota 45º en cada viñeta  y un cambio de luz en la escena. Sin mayor explicación y de manera magistral, enlentece el tiempo;  han pasado un montón de horas en los segundos que tardas en leer la página. Justo lo contrario que otra escena en que salta de una viñeta en la que aparece en casa, semidesnudo abriendo la nevera a la siguiente viñeta en exactamente la misma postura corporal, pero ya con el traje y esta vez abriendo la puerta de su oficina.

Desde el punto de vista del contenido, el punto fuerte es sin duda la verosimilitud de la filosofía en la que se apoya la trama. El autor llega al punto de inventar un término que no recoge la RAE pero que resulta altamente convincente: «patologizar» que significaría convertir en patológico lo que es solamente una peculiaridad de carácter dentro del espectro de variabilidad de la normalidad. Esto es sin duda una preocupación social en la que la linea entre la singularidad y la patología parece cada vez más fina.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
En Yo, loco aparecen dos temas casi secundarios que marcan la vida del protagonista y le colocan en situación de vulnerabilidad respecto a su salud mental. A través de sueños y alucinaciones se desvela un pasado de malos tratos y de abuso sexual por parte de su padre. Por otra parte, durante su adolescencia y juventud mantiene una relación amorosa con otro chico. Al saberse en su entorno, sufre acoso y rechazo siendo acusado de «pervertido» y teniendo que marcharse de su ciudad. Esto le provoca gran sufriiento, marca su forma de relacionarse y eventualmente se define como asexual.

Pero sin duda la parte que nos hace clasificarlo como útil en medicina gráfica es por su carácter de denuncia social, es una novela protesta. Yo, loco hace una llamada de atención hacia el riesgo que supone la medicalización de la normalidad, el scare-mongering y el desestimar la variabilidad de lo normal para convertirlo en patológico y por lo tanto susceptible de un tratamiento farmacológico.

Gran parte de la novela gira en torno a la creación de nuevas posibles enfermedades  y el fascinante y atractivo «potencial patológico de las consultas habituales». El síndrome de Tesites para el «acomplejado físico»y  la cuantofrenia (mentalidad obsesionada con la cuantificación), son invenciones del guionista pero además aparecen otros términos reales como la «fanopatía»(fans, frickis y seguidores), la nomofobia  (miedo a alejarse del teléfono movil) …y un largo etcétara de perfiles que se pueden presentar como anormales a través de un perfil psicológico bien marcado y a partir de ahí diseñar su tratamiento. En la trama de la historia te hacen pensar que estos conceptos y la terminología asociada han sido ya diseñados por la Industria con el objeto de ser elevados progresivamente a nivel de enfermedad

Si bien es cierto que hay un exceso de conspiranoia en el planteamiento de la historia, la realidad es que existe la preocupación en la medicina actual  cada vez que se plantean cambios en parámetros de normalidad que tienen como consecuencia la «creación de nuevos enfermos». También hay gran sensibilidad al hecho de estar convirtiendo factores de riesgo en enfermedades tratables o épocas vitales como la menopausia en patología medicable. La tristeza, la soledad, el duelo, la timidez, el niño inquieto, la calvicie, la disfunción sexual femenina tendrían cabida en el concepto de «patogenización»

Hace más de 30 años Henry Gasden, director de Merck dijo: «Mi sueño es producir medicamentos para las personas sanas y así vender a todo el mundo». Por otro lado el «disease mongering», tan actual acuñado por Lynn Payer consistiría en «tratar de convencer a la gente sana de que está enferma y a la gente levemente enferma de que está muy enferma».

Yo, loco transmite una nada sutil crítica a la industria farmacéutica utilizando incluso logos y nombres muy parecidos a empresas reales sin ningún pudor, sin duda buscando la reacción y provocación del lector. Aparecen también acusaciones a envío de fármacos caducados al tercer mundo o al encubrimiento de efectos secundarios.

Sin perder nunca de vista que esta novela gráfica es mera ficción y que además incluye una serie de situaciones claramente ilegales, la presentación de una historia que se siente coherente en su desarrollo provoca la sensación en el lector de verosimilitud. Evitando la alarma y la conspiranoia, sí puede predisponernos a una mayor atención para evitar que este tipo de situaciones  sucedan y por lo tanto, aunque inquietante, es un excelente material para la reflexión.

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¡Embarazada!: No es nada fácil


FICHA TÉCNICA
AUTORA: Mademoiselle Caroline
NÚMERO DE PÁGINAS: 160
FECHA DE PUBLICACIÓN: Julio 2017
EDITORIAL: Planeta DeAgostini Cómics. Colección Zigzag
ISBN: 978-8491461005

TEMA
¡Embarazada! No es nada fácil es un cómic autobiográfico de Mademoiselle Caroline que nos muestra el desarrollo de su embarazo mes a mes, de forma sincera y con toques de humor.

PUNTOS FUERTES
La autora nos ilustra en este libro los 9 meses de embarazo con  ingenio humorístico para desmontar la idea de gestación agradable y placentera que se percibe a nivel social.

Empieza con la noticia de un test de embarazo positivo y termina con la estancia hospitalaria. Los meses de embarazo marcan las pausas del relato situándonos en la relación temporal de la experiencia de embarazo. La secuencia narrativa es ilustrativa, cada una o dos páginas trata un concepto o un propósito reflejado con gracia. Aunque dedique algunas páginas a síntomas asociados a las fases del embarazo, la mayor parte del libro lo dedica a aspectos sociales, desmitificando la concepción de que un embarazo tenga que ser un momento encantador. La protagonista pone de manifiesto las sensaciones y los sentimientos en relación con familiares, amistades, instituciones, profesionales, detalles cotidianos,… en clave reflexiva irónica, lo cual hace atrayente el relato.

El dibujo es grande, de página entera. No hay viñetas cerradas. Son ilustraciones cuidadas en las expresiones, los gestos y en el colorido. Destacaa muy concienzudamente la vestimenta y los complementos de los personajes por lo que se intuye la formación y experiencia de la autora en el mundo del diseño de moda.

A modo de paréntesis, intercala en el cómic varias páginas dobles con diversas fichas de mujeres embarazadas en las que detalla su vivencia o objetiva aspectos relacionados con sus embarazos. De esta forma plantea la diversidad de expectativas en el embarazo, tantas como mujeres embarazadas existen.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
¡Embarazada! No es nada fácil es una novela ilustrada que escenifica el proceso de embarazo desde el primer impacto al test de embarazo positivo hasta el despliegue emocional del momento en que el cuerpo de la mujer anuncia el fin del mismo mediante contracciones.

Es medicina gráfica porque de forma autobiográfica esboza todas las sensaciones que impactan en la mujer por el hecho de estar embarazada. Por una parte expone las limitaciones físicas que experimenta en cada etapa del embarazo. Por otra la sintomatología natural del proceso (náuseas, vómitos, olores, autoimagen…). Pero lo más destacable es la facilidad como desgrana la concepción social asociada a la mujer embarazada, desmitificando muchas de ellas.

Ayuda mucho a conocer de primera mano los factores personales y ambientales a los que pueden verse expuestas las mujeres embarazadas en una sociedad desarrollada y consumista. Tengamos en consideración que este embarazo acontece en Francia en un estatus de bienestar, por lo que puede ayudar a muchas mujeres a mantener una posición reflexiva sobre los acontecimientos que pueden influirles en la actualidad en países desarrollados.

Hay varias viñetas que están ante un profesional (ginecóloga, matrona, administrativa y farmacéutica) para la realización de las ecografías, la educación pre-parto, la tramitación de citas o la baja por maternidad, el tratamiento por reposo, etc… por lo que favorece que percibamos la imagen que damos como profesionales. Algunas, como por ejemplo los trámites administrativos y burocráticos, los expone de manera punzante y reflexiva.

Las viñetas intercaladas en forma de ficha de multitud de mujeres embarazadas, ayuda mucho a clarificar que cada embarazo es único, lo cual es un recurso muy visual y potente expuesto de manera transversal en el cómic, pero que de forma aislada puede ser una herramienta visual para actividades o dinámicas para realizar en grupos de mujeres embarazadas o para la formación docente.

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Editorial Planeta de Agostini
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Addición

FICHA TÉCNICA
Guión: Josep Busquet.
Dibujo: Pedro J. Colombo.
Color: Aintzane Landa.
Número de páginas: 96
Año de publicación:  2019
Editorial:  Grafito Editorial
ISBN:  978-84-120092-2-4

TEMA
“Adicción” es una obra coral en la que los protagonistas padecen alguna adicción de las llamadas «sin sustancia”, o tienen otros trastornos del control de impulsos. El lector será testigo de diversas historias en las que la circunstancia referida irá condicionando la vida de los personajes, en ocasiones de un modo dramático.

PUNTOS FUERTES
La rápida sucesión de historias cuyos protagonistas interactúan brevemente o coinciden de forma casual en una especie de cadena de relatos interconectados (si bien de forma anecdótica), confiere al inicio de esta obra un ritmo muy ágil en lo narrativo. El propio guionista, Josep Busquet, refiere que la intención inicial de los autores era plantear la totalidad del relato encadenando, a modo de diversión, todas las escenas, cambiando de escenario o personaje cada dos páginas, pero enlazando cada nueva secuencia con las últimas viñetas de la anterior. Sin embargo, contar toda la obra mediante esa estrategia podría haber supuesto una extensión desmesurada, por lo que decidieron acortar la escena presentada con ese planteamiento, que queda limitada, entonces, a las páginas iniciales. Pese a ello, durante el resto de la narración se suceden episodios intercalados que van conformando, sin solución de continuidad (no hay división formal en capítulos), un mosaico de múltiples personajes, manteniéndose, de ese modo, la agilidad referida. Se da la circunstancia, no obstante, de que la presentación de los avatares de tantos personajes en menos de un centenar de páginas no permite profundizar en su caracterización más allá de sus adicciones, por lo que cada uno de ellos se presenta definido exclusivamente por su adicción. Bien es cierto que eso no es casual, pues resulta obvio, desde el mismo título, que la intención de los autores es centrar la obra en las adicciones: todo en ella gira en torno a estas, incluso el perfume que fabrica uno de los personajes protagonistas (“Addiction, Le Parfum”) o la novela por la que pregunta una clienta en la librería donde trabaja otro de ellos (“Adicto a ti”), elementos de puro atrezo que se utilizan también, aunque sea únicamente de un modo referencial, para insistir en la omnipresencia de las adicciones en nuestra sociedad.

Uno de los aspectos destacables desde el punto de vista gráfico es el empleo del color. La colorista, Aintzane Landa, jugando con los fondos y la iluminación, consigue que en cada página predomine un color concreto, lo cual contribuye a marcar la separación de las escenas protagonizadas por los distintos personajes, y a veces acentúa el dramatismo de determinadas secuencias. También llama la atención la expresividad que el dibujante, Pedro J. Colombo, consigue en los rostros de los personajes, muy especialmente en los numerosos primeros planos que jalonan las viñetas, en los que a veces el lector es testigo de la lucha inequívoca que el personaje mantiene con sus propios impulsos.

La obra culmina con una especie de epílogo, de 6 páginas de duración, claramente individualizado mediante su separación del resto del relato por dos páginas en blanco, en el que se matizan, ya con un ritmo más pausado y a modo de colofón, los destinos de algunos de los personajes, y cuya elaboración los autores atribuyen a una petición expresa de su editor.

Al final del libro se reproducen diversos bocetos de portadas de los muchos que se hicieron hasta encontrar la definitiva: el resultado final, una figura femenina con aspecto desvalido, yaciendo inerme en el centro de un laberinto ominoso, es sin duda una magnífica metáfora de la persona atrapada en su propia adicción.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
La obra se centra en diversas adicciones de las llamadas “adicciones sin sustancia” o “trastornos adictivos no relacionados con sustancias”, en las que el elemento sobre el que gira la obsesión de los personajes no es un elemento químico: se presentan, por el contrario, casos de adicción al juego, adicción al trabajo, adicción al sexo, a Internet, … Son situaciones en las que el individuo consigue una gratificación recurrente por la interacción con estímulos no químicos o por la reiteración de determinadas conductas. Puesto que sus consecuencias inmediatas (provocan una recompensa identificable en los circuitos cerebrales de gratificación y de estrés) y a largo plazo (pueden llegar a imponerse sobre el funcionamiento normal de la persona, dando lugar a conductas desadaptativas que se perpetúan en el tiempo) son equiparables a las de una dependencia de drogas, se consideran en la actualidad como verdaderas adicciones, siendo calificadas como adicciones comportamentales.

“Adicción” se centra en este tipo de adicciones de comportamiento, y muy específicamente en la forma en que las mismas van condicionando el comportamiento de quienes las padecen, y van produciendo consecuencias negativas en los diversos ámbitos de su vida relacional y social: veremos rupturas de pareja y del núcleo familiar, pérdidas de trabajo, ruinas económicas… los personajes van creando en torno a sí mismos y a sus personas cercanas situaciones absolutamente indeseables con consecuencias, en la mayoría de los casos presentados, dramáticas; incluso catastróficas, a veces, porque se ha elegido ofrecer situaciones absolutamente extremas que plasmen de un modo evidente la espiral de autodestrucción en la que los protagonistas se han situado.

Es intención explícita de los autores (y así se destaca en la solapa de la contraportada) invitar a reflexionar sobre cómo nuestro apego a objetos cotidianos que nos proporcionan placer nos puede llevar a desarrollar conductas adictivas; que todos podemos ser, en mayor o menor medida, adictos a algo: “Quizás seamos fuertes a la hora de evitar grandes vicios, pero es muy difícil prescindir de pequeños placeres. El problema es cuando estos cambian y se convierten en una necesidad, creciendo sin control, controlando tu vida. Si este cómic te ha servido para hacerte reflexionar sobre una realidad que parece lejana, pero es muy común… entonces ADICCIÓN ha hecho su trabajo.”

En este sentido, “Adicción”, sin duda, resulta eficaz, pero debemos decir también que resulta excesivamente pesimista, ya que, por su intención ejemplarizante, no hace concesiones. Seremos testigos de las contradicciones de los personajes (con la negación del problema a pesar de su evidencia), de su sufrimiento, de su lucha infructuosa por controlar sus impulsos, de su propia sobrevaloración de su capacidad de resistencia, de su pérdida de autoestima, … de su destrucción, en definitiva. Pero, en ese contexto, apenas llegaremos a vislumbrar un atisbo de esperanza. Raramente los protagonistas buscan o aceptan ayuda de su círculo de apoyo o asistencia profesional: algo que, probablemente tampoco es casual, pues la obra se abre, precisamente, con la renuncia de uno de los personajes a continuar vinculado a un grupo de autoayuda, al cual se refiere con absoluto desdén.

Los tratamientos, entonces, que existen, y consiguen resultados favorables, no se muestran. Tan solo el mencionado epílogo, concebido y elaborado posteriormente para matizar o enfatizar algunas de las conclusiones, presenta un abordaje más amable para el destino de alguno de los personajes, pero, aun así, se cierra con la presentación (inesperada) de la que podría haberse considerado, en una obra de estas características e intencionalidad, la gran ausente de las páginas previas: la adicción química (a la cocaína, en este caso, probablemente, por su aspecto y forma de consumo). Y no hace falta ya desarrollar sus consecuencias: el lector intuye que no serán más benévolas que las que ha presenciado hasta ese momento.

Adicción es un interesante ejemplo de Medicina Gráfica que nos ayudará a tener en cuenta en nuestras consultas a una serie de comportamientos, en ocasiones patológicos, que hace solo unos años no hubiéramos considerado como tal. Es un buen análisis social.

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Agujero Negro

FICHA TÉCNICA:
Autor: Charles Burns
Número de páginas: 372
Fecha de publicación: 2019 (9ª edición)
Editorial: La cúpula
ISBN: 978-841744226

TEMA
Una extraña y misteriosa enfermedad se propaga entre los adolescentes de los suburbios de Seattle. La enfermedad se transmite a través de las relaciones sexuales y provoca mutaciones físicas. Muchos de los adolescentes que la padecen son marginados y se ven obligados a vivir en las afueras, en los bosques que rodean la ciudad.

PUNTOS FUERTES
Lo primero que va a apreciar el lector al abrir esta novela es la oscuridad que inunda las viñetas. Charles Burns es un autor relacionado con el género de terror, con el mundo del comic underground y el cómic independiente. Su dibujo de línea clara y el manejo de las sombras proporcionan un intenso blanco y negro que nos transporta al incierto mundo de los adolescentes en busca de su identidad. La obra se presenta en un único tomo, pero fue realizada inicialmente en doce entregas.

La historia transcurre en la década de los 70 y está narrada por dos adolescentes, Keith y Chris, que pertenecen a la clase media de la ciudad de Seattle. La vida cotidiana se ve irrumpida por una extraña epidemia que provoca mutaciones físicas. Los infectados por el “bacilo o virus” pueden presentar alteraciones que van desde unos bultos en la piel o la aparición de un apéndice a modo de cola hasta deformidades severas que confieren al infectado aspecto de insecto o monstruo. Alguno de estos jóvenes se ven obligados a vivir en las afueras de la ciudad, en los bosques que rodean Seattle.

La epidemia es denominada “la plaga de los quinceañeros” y se propaga por trasmisión sexual habitualmente. En la novela, Burns hace un retrato de los adolescentes de la época con sus costumbres, la vida del instituto, las fiestas y el consumo habitual de alcohol, hachís y ácido. Las relaciones interpersonales en esta etapa de la vida llena de inseguridades, excesos y las relaciones sexuales son la base de esta novela.

Un halo de misterio inunda el relato, como si este ficticio “bacilo” hiciera aflorar las monstruosidades interiores de cada uno de los infectados adentrando al lector en el surrealismo. Las referencias oníricas se suceden, confundiéndose con las alucinaciones provocadas por las drogas y las imágenes de las mutaciones provocadas por “el virus”.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
En la novela la epidemia está provocada por un agente infeccioso ficticio “el bacilo o el virus” y los síntomas y manifestaciones de la enfermedad pertenecen al género fantástico. Pero la forma de transmisión y propagación de la epidemia son las propias de una Enfermedad de Transmisión Sexual (ETS). En este sentido la forma de propagación es similar al de epidemias como el SIDA, donde las relaciones sexuales sin protección son la principal causa de transmisión.

La adolescencia es una etapa de la vida donde las hormonas están a flor de piel, en la que los cambios en el cuerpo se suceden y se mantienen las primeras relaciones sexuales. Si a esto unimos, como ocurre en esta novela, el consumo habitual de drogas como el alcohol, el cannabis o el LSD, convertidas en elemento socializador utilizado por los jóvenes para superar sus miedos e inseguridades, acabamos de describir el marco ideal para que una epidemia de este tipo se propague a su antojo.

El autor juega con uno de los aspectos psicológicos que más importan a los adolescentes, su aspecto físico y la aceptación social. Aspectos sobre los que la enfermedad incide directamente y que explica la actitud de ocultación de los síntomas frente a los demás y frente a sus padres. El estigma social de las ETS está muy presente en el SIDA, la sífilis o la gonorrea. La ocultación de los síntomas, la vergüenza y el aislamiento pueden provocar un retraso en el diagnóstico, dificultar un tratamiento precoz o la prevención de la enfermedad. Todas estas son áreas de gran interés para los profesionales sanitarios que cuidan la salud de adolescentes. A nivel sanitario en general, es un gran recordatorio sobre la importancia de utilizar protección de barrera en las relaciones sexuales.

En la obra encontramos un interesante pasaje donde se describen, en diferentes viñetas, los efectos del LSD sustancia psicotrópica cuyo consumo era frecuente en aquella época.

Agujero negro es un relato recomendado para lectores ya iniciados en el comic, tanto por su estructura narrativa como por los recursos gráficos utilizados con metáforas y licencias oníricas que nos sumergen en el surrealismo propio del cómic underground.  Por estos aspectos, para algunos “Agujero negro” es una obra de culto.

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La Geometría de los silencios

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: Carla Berrocal y Marc Buleon
Número de páginas: 48
Fecha de publicación: Julio 2019
Editorial: La Estrella Azul (Autismo Ávila)
ISBN: 978-8494032288

TEMA
La Geometría De Los Silencios. Relatos Reales De Vidas Imaginarias cuenta trazos de la historia individual de varios adultos que sufren trastorno del espectro autista y su vida común en la «Casa Pequeña», un centro de día para personas con autismo.

PUNTOS FUERTES
Lo primero que impresiona de este cómic es su peculiar estética tanto en el grafismo como en el texto. Aparecen solamente seis colores, siendo dos ellos tonos de piel, además  el blanco y el negro para los textos. Eso hace que el resto de las imágenes y los fondos jueguen exclusivamente con verde, azul marino y naranja, todos en tonos apagados. El papel es mate. La manera en la que está relatado el texto, tanto en las cajas de descripción como en los bocadillos, hace que el lenguaje sea llamativamente sencillo y repetitivo.  Los dibujos son muy geométricos, de lineas muy definidas, con imágenes planas y carentes de sombras. Los caracteres presentan  ojos gatunos que están siempre abiertos y siempre miran de frente con una extraña pupila alargada y una marca geométrica en la mejilla.

La poca variedad de color junto con un texto que obliga a ser leído casi a tirones, te provoca una extraña sensación, como si tu percepción y pensamiento se movieran a diferente velocidad. Es intuitivo pensar que los autores han querido colocar al lector dentro de la mente de una persona autista, no como meros observadores y sin duda lo logran. Es sorprendente.

La historia es muy entretenida agradable de leer y resulta conmovedora de principio a fin. Además viene acompañada de un emotivo prólogo de Miguel Gallardo, autor de Maria y yo y gran conocedor del mundo del autismo. Miguel menciona un punto fuerte de este libro, el hecho de que la historia sea de adultos: «La gente suele pensar que todas las personas con autismo son niños, quizás porque en las películas solo vemos niños, en los libros, leemos sobre niños, y son niños los que salen en los periódicos cuando se habla de autismo. No tenemos relatos de vida de los adultos, como si los hubiéramos enviado a un planeta lejos de la tierra. Y la vida de esas personas merece ser contada, como la de cualquier otra. No es una vida fácil; la cantidad de apoyos que necesitan para vivir se diferencia según la cantidad de autonomía y la capacidad de elección que tiene cada uno, pero aunque esa capacidad de elección sea muy poca, es su derecho, como el de cualquier ser humano; es su derecho elegir, aunque sea con unos estrechos márgenes, como quieren vivir su vida y con quién».

El guionista Marc Buleon es también un gran conocedor de el autismo y desde hace años coordina un taller para adultos con autismo. Si bien las historias de este comic no son reales, parten de un conocimiento profundo de lo que significa convivir con este trastorno. La credibilidad del guionista en relación al conocimiento desde la experiencia es un punto fuerte.

Otra fortaleza de este libro es que ha sido publicado con el objeto de dar a conocer el autismo definiéndolo como «una forma de ser, no mejor ni peor, sino diferente» y el libro lleva una hoja en la que explica de manera sencilla y afectuosa en qué consiste ser autista.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
La Geometría De Los Silencios hace un fantástico trabajo dando a conocer el autismo en el mundo de los adultos y lo hace con una historia atractiva y estéticamente muy agradable. Tal y como dice el cierre del libro «el mundo sería un lugar mejor si todos sus habitantes conocieran el autismo».

Con este cómic se aprende las dificultades de comunicación y de relación que enfrenta una persona que lo padece, la importancia de la familia y los amigos y la manera en la que demuestran sus afectos. Considerar el no lenguaje como una forma de lenguaje es extraordinario.

Es interesante desde la Medicina Gráfica aprender a considerar el autismo con su amplio espectro de posibles presentaciones, varias de las cuales aparecen reflejadas en los personajes de la historia.

Es una lectura deseable en el mundo de la educación y en el sanitario para entender y aceptar plenamente a personas como Pepe Bueno, Marta, Alexander, Elisabeth o Damien y a su especial manera de vivir la vida.

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Autismo Ávila
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¡Sonríe!

FICHA TÉCNICA:
Título Original: Smile
Nombre de la autora: Raina Telgemeier (Color de Stephanie Yue)
Páginas: 216
Fecha de publicación: 2010 (2016 en España)
Editorial: MAEVA EDICIONES
ISBN: 978-84-16363-64-3

TEMA
“¡Sonríe!” es la historia de Raina, la propia autora de la novela, durante su adolescencia en los años 90. A lo largo de sus páginas veremos como Raina no solo tendrá que lidiar con las cosas propias de esta particular etapa de la vida, sino cómo se verán condicionadas por su “drama dental”.

Su autora, Raina Telgemeier (1977, San Francisco), se dio cuenta de que su historia tenía el suficiente peso como para ser publicada en un cómic narrativo de más extensión que los relatos cortos que había estado haciendo hasta entonces, así es como empezó a publicarla en forma de webcomic semanal en 2004 en “girlamatic.com”, mucho antes de su publicación final en papel. La respuesta por parte del público fue sorprendente, con muchos lectores compartiendo con ella sus propios “dramas dentales”

PUNTOS FUERTES:
La historia, principalmente enfocada al público infanto-juvenil, se ve muy bien apoyada por un ritmo narrativo fresco y ameno, así como un estilo de dibujo perfectamente acorde y atractivo, el cual podría recordarnos a algunos éxitos de animación de los 90 (como Pepper-Ann de Sue Rose, salvando las distancias), aunque lo cierto es que la autora bebe de sus principales influencias: Jeff Smith, Lynn Johnston y Adrian Tomine. A su vez, Stephanie Yue hace un trabajo estupendo para dotar de color cada viñeta utilizando colores base y una capa de sombreado que da algo de volumen a los dibujos.

Aunque colorista, la autora no duda en mmostrar sangre cuando es necesario, pero no de manera grotesca, sino dotando de la naturalidad y el realismo que precisa la historia. Y con la misma naturalidad y realismo se nos muestra a unos personajes totalmente creíbles y con los que es muy fácil empatizar.

Es cierto que el eje central de la obra es “el drama dental” que sufrió la autora, haciéndonos testigos de cada uno de los procesos e intervenciones por los que pasó a través de su protagonista, los productos y utensilios que tenía que utilizar, etc. Pero, como en la vida misma, no todo gira en torno a una cosa, y veremos reflejada la adolescencia de Raina (en los años 90, con sus videojuegos y sus películas, una época en la que, como remarca el libro al inicio “no había móviles, los niños no tenían que ir con silla en el coche…”), el amor, la amistad, la familia… y cómo todo eso se verá afectado por la particular situación de Raina. Es esa forma de mostrar la vida como un todo lo que dota de naturalidad a la obra y la hace más amena e interesante.

Aunque no destaca por el uso de metáfora gráfica, sí que vemos varios recursos interesantes, como el uso de verbos a modo de onomatopeya alrededor de una intervención dental, como el ajuste de brackets, el uso de palabras sin sentido para denotar el fallo en la transmisión de información dentista-paciente, o los bordes agrietados de las viñetas cuando sus protagonistas sufren un terremoto.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA:
Al tratarse de una obra autobiográfica, siempre se tiene un plus de interés dentro de las obras englobadas en la Medicina Gráfica. Raina comparte con nosotros su historia con gran detalle y naturalidad. Podría resultar interesante para un público infantojuvenil que no ha tenido experiencia como paciente odontológico, introduciendo términos y procesos entonces desconocidos, aunque es especialmente interesante para pacientes y familiares que han sufrido o están sufriendo procesos similares, mostrando que no están solos, que existen más casos como el suyo, lo cual puede servir de apoyo en momentos de claudicación, o para entender mejor y sobrellevar estos procesos, así como ayudar a los familiares a empatizar con el paciente.

Prácticamente desde el inicio se nos muestra el papel del odontólogo y auxiliar, siendo una figura recurrente en el libro, diversas especialidades: ortodoncista, endodoncista, periodoncista… cuya propia existencia llega a confundir a la protagonista, así como distintos términos, medicamentos e intervenciones dentales. Cada profesional nos permitirá ver un tipo de relación con el paciente, ya sea puntual o un lazo más duradero, de confianza, permitiendo al lector perteneciente al mundo sanitario ver fallos y aciertos en el desempeño de la actividad profesional de cada uno o en la transmisión de información médico-paciente. Se nos muestran los nervios de Raina previos a cada intervención, el dolor y síntomas tras las mismas, las inseguridades antes de cada decisión y paso adelante o a la hora de enfrentarse al día a día como adolescente en esa situación especial. De la misma manera, veremos cómo su entorno (compañeros, amigos, familia) actúa ante esta situación, unas veces de manera adecuada y otras no, mostrándonos desde casos de bullying hasta a la madre de la protagonista protestar ante una negligencia.

También se muestran los cambios propios de la pubertad y la adolescencia, los cuales pueden ser realmente interesantes para un público infantil o preadolescente

PREMIOS Y MENCIONES: 
2010 Boston Globe – Horn Book para la categoría “no ficción” (Ganadora)
Mejor libro infantil en 2011 para la Asociación de Bibliotecas Americana (Ganadora)​
Top 10 en Novela Juvenil según YALSA en 2011
Premio de libros infantiles. En 2011 fue galardonada con el Premio Eisner como mejor publicación juvenil. (Finalista)
2013 Premio Intermedio Young Reader’s Choice de Washington (Ganadora)
2013 Rebecca Caudill Young Reader’s Book de Illinois. (Ganadora)
2014 Premio Nevada Young Reader Award. (Ganadora)
Premio Web Cartoonist’ Choice (Nominada)

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Web de la Autora
Editorial Maeva
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California Rocket Fuel

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Lorenzo Montatore
Número de páginas: 134 páginas.
Fecha de publicación: 2019
Editorial: Mortal y Rosa, Sugoi Ediciones.
ISBN: Edición digital, autoedición.

TEMA
California Rocket Fuel es la historia de una consulta al psicólogo/psiquiatra. El relato ilustrado del trastorno bipolar del protagonista, con sus altibajos interestelares por la depresión y la manía con parada en ingresos hospitalarios, largos días en la cama y múltiples cambios de medicación.

PUNTOS FUERTES
Esta magnífica obra está basada es la experiencia personal de su autor a quien se diagnosticó una enfermedad bipolar. En el brevísimo texto de introducción describe su proceso como: «viaje a la depresión con parada en la manía, en la hipo-manía, a veces lúcida, a veces lúbrica». Estar creado desde el sufrimiento de la enfermedad mental en primera persona, es uno de los puntos fuertes de este peculiar cómic.

California Rocket Fuel es el nombre que se da en EEUU a la mezcla de dos fármacos: Mirtazapina y Venlafaxina, indicados en el tratamiento de la depresión severa.  El personaje está inspirado en la forma que se obtiene de juntar la medicación psiquiátrica, según cuenta el autor en redes sociales.

 

La historia tiene formato de tebeo: se organiza en paneles de seis viñetas por página (la mayoría), tres viñetas o una única viñeta en el centro de la página; en este último caso suele coincidir con representaciones de situaciones graves. La narración está estructurada en forma de paréntesis; comenzamos con tres páginas en las que se representa una consulta con un profesional de la salud mental (psicólogo o psiquiatra), a la que volvemos en la última página del relato después de que el paciente cuente sus idas y venidas por la depresión y la manía en diez escenas de viaje visual.

Los dibujos, compuestos por formas geométricas de trazo negro y grueso son muy expresivos a la vez que simples. Apenas hay texto, y en las contadas ocasiones en que aparece se encuadra en bocadillos si es el diálogo de un personaje,  o inundando el fondo de la viñeta en el caso de las canciones. La representación del paso del tiempo es un tema muy importante en la obra, ya que nos transmite la anhedonia, la soledad y el vacío del protagonista. Para lograrlo, el autor hace uso por un lado de los silencios y por otro de las transiciones. Predominan las transiciones momento a momento, en las que apenas hay variación entre viñetas a excepción de los colores de fondo reflejando los cambios de luz del día, o una lágrima más que resbala por la cara del personaje; la transición aspecto a aspecto también es muy utilizada, con la que cambiamos de punto de vista dentro de una misma escena.

Ya que la historia transcurre en silencio,  el autor incluye un sinfín de metáforas con las que comunicar visualmente los sentimientos del protagonista:

  • Partimos como decía de la consulta con un profesional de la salud, no especifica si psicólogo o psiquiatra, cuyo gesto permanece inmutable ante el relato de clínica depresiva (en el primer panel) y maníaca (en el segundo) del paciente, mientras anota con una libreta.
  • En la primera escena, una niña dibuja desde un banco: primero dibuja un pájaro similar al que ve, después un gato con un gesto temeroso que no se ajusta a la realidad, y por último un perro completamente distinto a la imagen real del animal. Al final de la escena la niña se transforma en lo que aprenderemos que es la representación de un medicamento. Esto podría simbolizar cómo su percepción del mundo va cambiando a medida que avanza la terapia farmacológica.
  • El insomnio, la anhedonia y el vacío del personaje se representan en nueve páginas de seis viñetas en las que el personaje, acostado en su cama con un gesto triste, pasa el día. El fondo cambia del color del amanecer al del anochecer.
  • Los pensamientos que deprimen al protagonista se representan como un brote de color que nace de la cabeza del personaje e inunda la viñeta.
  • La ideación suicida aparece como un ovillo negro que acompaña al protagonista durante cinco viñetas; en la quinta mira un cuchillo que aparece en la sexta viñeta y en la página siguiente una ambulancia ocupa el centro de la página en una viñeta única.
  • La pauta de medicación al alta hospitalaria se representa en un panel de seis viñetas; a la izquierda la representación de las pastillas (aparecen a lo largo de la obra como un huevo del que emerge un ente móvil) y a la derecha el café del desayuno, los cubiertos del mediodía y la sopa de por la noche. Recuerdan a la representación que se suele incluir en la receta electrónica.
  • El trabajo supera también al personaje; rodeado de un mundo feliz, parece arrastrarse en la rutina. En la encuesta de cribado de la depresión una de las preguntas es si se han perdido las ganas de hacer actividades que antes suscitaban interés; es el caso del protagonista.
  • La nave Belmonte podría ser la representación de la vida del personaje; así, contemplándola desde la distancia (cada vez más pequeña) vagar a la deriva se pregunta ¿cómo he llegado hasta aquí? La nave tiene en su interior un expendedor de fármacos, y una señal de “batería cargada” que aparece tras tomar la medicación.
  • El momento de mayor bienestar de la novela es en el que escucha música y logra sobrevolar sus pegajosos pensamientos.
  • El contacto social provoca gran ansiedad al protagonista; prueba de ello son las gotas de sudor que corren por su frente durante una de las escenas. En el encuentro con una amiga trata de ponerse por encima en todo momento para camuflar su inseguridad, “anticipándose a todas las conversaciones”, haciendo sentirse cada vez más pequeña a su compañera (esto se representa visualmente), que le descubre la medicación en el bolsillo y le anima a tomársela. “Mucho mejor así”, dice. Con esta escena vemos como se normaliza el hecho de tener que tomar la medicación en público, incluso cómo es percibido como algo beneficioso.
  • Hay un momento en el que la batería de la nave Belmonte se agota y el perro azul del principio de la historia le acerca la última pastilla disponible. El personaje, anteriormente tumbado en el suelo, revive y sonríe. Parece que además de la medicación, ha contribuido que “algo” se haya preocupado por él y le haya cuidado.
  • Al final de la historia el profesional de salud mental que le ha escuchado, le ofrece un botón azul y le pregunta “¿y si dijera que con este botón todo desaparecería?”. La duda domina al personaje y en ningún momento le vemos presionar el botón.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Este tebeo puede ser útil para pacientes que atraviesan un diagnóstico de trastorno bipolar y/o depresión, así como para familiares y entorno. Por lo general son procesos de los que es difícil hablar, cuesta describir tus síntomas y experiencias, ya que la vivencia varía  mucho de un individuo a otro, en función del contexto biopsicosocial. El hecho de que esté contada a través de imágenes huyendo de diálogos hace que las ideas que pueda evocar en el lector abarquen un mayor número de experiencias que si fueran descritas con la claridad del lenguaje escrito. Por otro lado es interesante la reflexión sobre cómo a pesar de todo, el personaje no cambiaría su manera de estar en el mundo si le ofrecieran un botón con el que desapareciese tanto vacío e inestabilidad anímica.

California Rocket Fuel tiene tiene además un indudable valor para los profesionales sanitarios. En primer lugar para entender la enfermedad desde dentro, lo que siente y vive una persona con trastorno bipolar. Además para reflexionar sobre nuestra actitud ante el sufrimiento y nuestra capacidad de comunicación. Las primeras imágenes de este comic tienen una enorme fuerza; un paciente en consulta que cuenta sus dificultades mientras el médico (o quizás sea un psicólogo) permanece impasible sin levantar siquiera  la vista de su cuaderno, ni siquiera cuando el paciente llora.

Este cómic es sin duda muy recomendable desde la perspectiva de la Medicina Gráfica. 

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Pandemia

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor:  Diversos autores
Número de páginas: 102
Fecha de publicación: marzo 2021
Editorial: Flow press media
ISBN: 978-84-122657-3-6

TEMA
Recopilación de historias cortas de autores de diferentes lugares del mundo que relatan su visión sobre la pandemia de coronavirus.

PUNTOS FUERTES
Al tratarse de más de una treintena de historias cortas contamos con su respectivos estilos de dibujo y narrativa que hacen de la lectura de este cómic algo muy ameno y disfrutable.

En general todas las historias están narradas en primera persona por lo que es asumible que se trata de experiencias propias de los autores, que, sumado a que el lector, por lo menos en los próximos años, ha compartido experiencias similares, crea un vínculo de complicidad con el autor similar al que podrían crear otras patografías en las que autor y lector han sufrido una misma enfermedad.

Las temáticas giran en torno a las experiencias de una persona o grupo reducido de personas y sus vivencias o reflexiones en torno a la epidemia mundial de coronavirus. Al tratarse de opiniones y reflexiones variadas puedes estar de acuerdo con algunas y en desacuerdo con otras pero el conjunto final es una amalgama de historias que en su conjunto dotan al cómic de mucha humanidad.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
El SARS-COV-2 es innegable que ha tenido un impacto a nivel mundial que, dejando a un lado aspectos económicos o políticos, no se limita únicamente a la cantidad de vidas que ha segado.

Ha dejado una huella psicológica y sus consecuencias a largo plazo aún las desconocemos.

Este cómic es una vía de escape para los autores en las que expresan sus vivencias, sus pérdidas y sus inquietudes que pueden ser similares o no, pero que pueden ayudar al lector a visualizar diferentes puntos de vista y de alguna manera llegar a analizarse a uno mismo con respecto a su propia vivencia.

Desde esta comunidad los componentes de Medicina Gráfica pensamos que el cómic puede ayudar a diferentes personas con algún tipo de relación con ciertas enfermedades, ya bien sean cuidadores, gente que la padece o gente que ha perdido a alguien por una enfermedad. Este cómic, a día de hoy, supone una patografía apta para todo el mundo puesto que, por desgracia todos hemos vivido esta pandemia, todos hemos sufrido este impacto en mayor o menor medida, y hasta que podamos recuperarnos de este mal trago y recordarlo como un mal sueño necesitaremos tiempo, y toda la ayuda posible.

Por lo que si iniciativas como este cómic pueden ayudar, bienvenidas sean.

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Billy, tu y yo

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Nicola Streeten
Traductor: Sergio Colomino
Número de páginas 210
Fecha de publicación 2013
Editorial: Norma editorial
ISBN:846791095X

TEMA
Nicola y John están devastados por la muerte de su pequeño hijo Billy que ocurre  de forma rápida e inesperada. El libro recoge el diario de Nícola, la autora, despues de la tragedia. Durante su lectura, nos convertimos en testigos de su duelo, y de sus esfuerzos para seguir avanzando tanto juntos como de forma individual en sus vidas.

PUNTOS FUERTES DE LA OBRA
Este diario no fue escrito con la intención de ser publicado sino como un refugio de la autora, al que posteriormente los lectores tenemos el privilegio de asistir. No nos habla a nosotros, sino que ella reflexiona consigo misma convirtiéndonos en espectadores en primera fila a dicha reflexión. La autenticidad del relato es palpable.

Es imposible no emocionarse con esta obra. Por un lado, está desarrollada  de tal modo que el lector se siente mucho más compañero que testigo “externo” de Nicola y John, llegando a sentir la rabia, la frustración, la alegría, y la emoción que siente sobre todo Nicola. El duelo que vive se percibe como muy “cotidiano”, no da la sensación en ningún momento de estar “pontificando” sobre el tema, solo comparte sentimientos con el papel.

Merece destacar es el formato… no es un diario al uso, ni tampoco tiene un formato clásico de “comic”… es desordenado, usando distintos tipos de “hojas”, e intercalando fotografías o recortes de periódico ocasionalmente, tal como si fuera efectivamente un diario, lo que acrecienta esta sensación de realismo, y de estar compartiendo el proceso “desde dentro».

Que sea un diario, y no una historia estructurada como tal, no permite anticipar su desarrollo, hace su lectura impredecible y muy real.

La autora cuenta el funeral, el comportamiento de las personas de su entorno ante su gran pérdida, su sensación de vacío y pérdida: «No soy una madre pero tampoco soy una no-madre, ya no tengo un guión que seguir». Comparte su desesperación y también su esperanza. Hace muchas reflexiones sobre la terminología que utilizamos en el duelo «por qué la gente dice que hemos perdido a alguien cuando se ha muerto», también revisa la «etiqueta» ante la muerte, dice que todos sabemos comportarnos en una boda pero estamos perdidos en un funeral.

Aunque toca un tema difícil como es la muerte inesperada de un ser querido, no se lee con desagrado o lejanía, es una obra que sin duda acerca el tema al lector y lo hace de forma muy humana y cercana, con la que todos podemos empatizar.

El estilo de dibujo es muy sencillo, casi infantil, en tonos de grises, poco detallado pero con gran potencia comunicadora. Una novela gráfica que cómo otras muchas vienen a demostrar que la calidad del dibujo es menos importante que el equilibrio que alcanza con su historia.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Billy tú y yo es una historia de duelo y de superación tras una muerte repentina. Muchos lectores, sobre todo los que hayan tenido la desgracia de pasar por una situación similar, se verán reflejados en el relato. No pretende en absoluto ser un libro de autoayuda, sino una invitación a la reflexión sobre la tragedia del fallecimiento y la muerte de un niño

Permite empatizar y nos da una visión muy única de la vida posterior a un evento tan traumático como éste. Hay otras obras que desgranan el duelo de forma más “ordenada” (las cinco etapas de Kübler-Ross), esta las presenta como probablemente se viven, de forma algo caótica y sobrepuestas unas con otras.

Es también evidente como a su vez el proceso creativo, la creación de un diario, fue de ayuda en su proceso de recuperación personal.

Como profesional médico, sería una obra que sin duda recomendaría para  acompañar a familiares en duelo. Es una novela gráfica que provoca sonrisas y lagrimas, pero casi sin duda aporta un alivio emocional importante. Es tambien de interesante lectura para los profesionales sanitarios, aumentando la empatía y ayudando a comprender los sentimientos de personas que están pasando por el trauma de un duelo como este.

PREMIOS O DISTINCIONES
Highly Commended   —British Medical Association Book Award: Popular Medicine Category (2012) (Ganadora)

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Norma Editorial
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Neurocomic

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Nombre del autor: Dr. Matteo Farinella, Dra. Hanna Roš.
Número de páginas: 136 págs.
Fecha de publicación: septiembre de 2014.
Editorial: NORMA Editorial.
ISBN: 978-84-679-1610-2

TEMA
Esta novela gráfica nos ofrece un viaje a Cerebrolandia, un lugar en el que habitan bosques de neuronas, toboganes sinápticos, neurotransmisores que saltan en paracaídas, un calamar gigante en busca de venganza… Durante nuestro periplo, neurocientíficos como Ramón y Cajal, Hodgkin, Huxley y Pavlov nos descubrirán, por medio de sus experimentos, el funcionamiento del órgano más complejo del cuerpo humano: el cerebro.

PUNTOS FUERTES
La obra se divide en 5 capítulos (morfología, farmacología, electrofisiología, plasticidad y sincronía) y cuenta con una introducción y un epílogo. En la introducción, nuestro personaje entra en el cerebro de la chica a la que observa a través de su vía visual, comenzando su aventura por Cerebrolandia… ¡y con ello la nuestra!  El objetivo que persigue el protagonista es salir del cerebro; cada paso es un nuevo intento por encontrar la salida y esta búsqueda le hará avanzar mientras descubre los entresijos del cerebro.

Las ilustraciones están realizadas en tinta china, jugando con el contraste blanco-negro. El número máximo de viñetas por página es de cuatro y en muchas ocasiones una única viñeta ocupa la página entera. Los rostros son muy expresivos y destacan los recursos orientados a transmitir el movimiento: líneas de expresión, onomatopeyas, etc. Todos ellos aportan ritmo a la historia y hacen que su lectura sea muy ágil. Los bocadillos tienen un estilo clásico, volviéndose puntiagudos con las exclamaciones y redondeados cuando contienen pensamientos. El texto aparece escrito en mayúsculas a excepción de las breves biografías de los neurocientíficos que están escritas en minúsculas.

El autor, que se considera a sí mismo un amante de las metáforas visuales, nos regala un gran número de ellas a lo largo de la historia:

  • El tejido neuronal es representado como un bosque de neuronas, donde nos encontramos a Ramón y Cajal dibujando “el paisaje”. Esta metáfora está inspirada en palabras del investigador, siendo un bonito homenaje al Nobel español.
  • Cajal y Golgi recibieron el Nobel el mismo año. Cajal necesitó la tinción de Golgi para visualizar las neuronas con el microscopio y desarrollar así sus investigaciones; sin embargo, entre ellos existió un choque de opiniones acerca de la estructura del SNC: Cajal era defensor de la doctrina neuronal (el SNC está formado por células independientes que contactan pero no se unen entre sí) y Golgi de la doctrina reticular (el SNC es una red continua). Esta diversidad de opiniones es representada como una pequeña discusión entre científicos tras la que hacen las paces y ponen en valor el trabajo del compañero en el avance del conocimiento del cerebro.
  • La célula ganglionar aparece como una mascota con cuatro patas (cuatro dendritas cortas) y un largo axón que asciende hasta sinaptar con el árbol dendrítico de la célula de Purkinje, dibujada como un capitán de barco.
  • Ante la curiosidad del protagonista por conocer cómo se comunican axones y dendritas, se le invita a echar un vistazo en el interior de la neurona. Así, el protagonista atraviesa la gran boca de una neurona-árbol y se desliza a lo largo de un gran tobogán, el axón de una neurona cortical.
  • Nos adentramos en el mundo de la sinapsis. Los neurotransmisores (dopamina, noradrenalina, GABA, glutamato y serotonina) son personajes que caen en paracaídas liberados por las vesículas presinápticas, y que van equipados con llaves para abrir distintos tipos de receptores en la terminal postsináptica.
  • Las drogas son representadas como monstruos que bloquean y obstaculizan los receptores, impidiendo el trabajo de los neurotransmisores, funcionando como agonistas, antagonistas y moduladores. Sin embargo, también existen drogas amigas que ayudan a los neurotransmisores en su trabajo; un ejemplo son los fármacos antidepresivos, que aparecen en forma de criatura mitológica.
  • El soma neuronal es representado como una terminal telefónica en la que convergen varios cables telefónicos (las dendritas) y se coordina el envío de información a la siguiente neurona. De ahí la información viaja por el axón, activando trampillas (canales) por efecto dominó; se trata de la representación de la conducción saltatoria de un potencial de acción en una fibra mielinizada.
  • El Hipocampo, zona del cerebro especializada en la memoria, es representado como un caballito de mar que se encuentra muy ajetreado registrando nuestros recuerdos con una máquina de escribir.
  • La plasticidad neural es ilustrada como un mapa del cerebro (“Neuroland”) cuya imagen varía. También se dedican unas páginas a explicarnos el experimento de Pavlov y su teoría del condicionamiento clásico.
  • Hans Berger, inventor del electroencefalograma, nos explica el concepto de sincronía neuronal, gracias al que podemos movernos y experimentar le cuerpo como un todo. Esta idea se representa con un dibujo del homúnculo sensitivo y el motor saltando a la comba juntos.
  • Finalmente nuestro personaje se adentra en el castillo de la consciencia, un lugar misterioso, oscuro y lleno de espejos donde tiene lugar la percepción del yo.
  • En las últimas páginas de la obra, el autor da unas pinceladas sobre la neurociencia del comic. Y es que el comic, requiere que el lector activo haga muchas suposiciones en su mente para que la historia cobre vida. En la escena final nos encontramos en una sala de cine en la que se está proyectando la historia de Cerebrolandia: el proyector es el cerebro del lector y el director de la película, M. Farinella.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Neurocomic es una novela gráfica que puede ser útil en el ámbito de la docencia: estudiantes, investigadores, divulgadores, profesores universitarios… Puede ser un buen complemento para el estudio de neurofisiología y neuroanatomía, ya que sus metáforas pueden funcionar como reglas nemotécnicas.

PREMIOS Y MENCIONES
Incluído en las listas de Brain Pickings Los mejores libros sobre ciencia de 2014 y del  World Science Festival, Los mejores comics sobre ciencia
Premio del Libro de ciencia para todos 2016 (Prix du livre Sciences pour Tous 2016). (Ganador)

ENLACES DE INTERÉS
Norma Editorial
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El verano de su vida

FICHA TÉCNICA

Guión: Thomas von Steinaecker
Dibujo: Barbara Yelin
Traducción:Itziar Hernández Rodilla
Número de páginas: 80
Fecha de publicación: Junio 2021
Editorial: Astiberri (1ª edición)
ISBN: 978-84-18215-69-8

TEMA
Gerda, desde el invierno de su existencia en la residencia de ancianos donde vive, repasa su vida invitándonos a realizar un viaje por sus recuerdos entremezclando presente y pasado en una interesante reflexión sobre la vejez, la felicidad y la memoria.

 

PUNTOS FUERTES
La obra es un homenaje a las personas mayores y mujeres como Gerda que fueron pioneras en un mundo laboral diseñado y dirigido por hombres.

La obra está estructurada en 15 capítulos donde Gerda, la protagonista, recordará y hará balance de su vida, analizando sus acontecimientos vitales planteándose si ha tenido una vida realmente feliz. Esta novela gráfica es fruto de la primera colaboración entre el escritor Thomas von Steinaecker y la ilustradora Barbara Yelin. A través de una narrativa muy bien resuelta por Yelín la novela fluye en dos planos temporales, el actual, la vida de Gerda en la residencia de ancianos, y el pasado evocado por los recuerdos, que comienzan con imágenes de infancia donde nuestra protagonista ya despuntaba en matemáticas en el colegio, teniendo que aguantar los comentarios machistas de su profesor, hasta narrar cómo a nivel profesional se fue abriendo camino, en los años sesenta, en el campo de la astrofísica. Las decisiones que marcaron su vida, teniendo que elegir, como muchas mujeres de su época, entre quedarse junto a su pareja Peter (músico de profesión) y una prometedora carrera fuera de su país, el cuidado de los hijos, los desengaños amorosos… todo con una narrativa que hace que sea un relato de lectura rápida pero que irresistiblemente obliga al lector a volver a leer con sosiego para disfrutar de manera más pausada de toda la riqueza visual de su narrativa gráfica.

Se trata de una obra llena de poesía visual en la que el color es el elemento narrativo que nos ubica en el tiempo estableciendo un sutil paralelismo entre el presente y el pasado. Barbara Yelin utiliza aguadas con tonos azulados y grisáceos para la actualidad y tonalidades luminosas, cálidas y amarillas para situarnos en el pasado “el verano” de la vida de Gerda. El uso de la acuarela permite hacer estas transiciones incluso dentro de una misma viñeta en una deliciosa metáfora temporal y es que la obra trata de eso precisamente, del paso del tiempo, de los recuerdos y de cómo se difuminan los acontecimientos vitales en la mente de las personas mayores donde, igual que en la física teórica, el tiempo pasa a ser algo “relativo”.

La composición y la narrativa entrelaza los recuerdos de Gerda con su vida actual en la residencia donde interacciona con el resto de residentes y el personal cuidador haciéndonos testigo del crepúsculo de la vida.

Detrás de todo ser humano hay una historia increíble de recuerdos y de vivencias. Esta obra es un homenaje a todos nuestros ancianos, una obra necesaria en estos tiempos en los que la pandemia por el COVID 19 ha denostado el valor de la vida humana, simplemente por el hecho de ser una persona mayor. Esta novela pone en valor el trabajo de los profesionales de las residencias y la dignidad de los que moran en ellas.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Desde el punto de vista de la medicina gráfica llaman la atención dos aspectos fundamentales: el reflejo de la vida en una residencia de ancianos desde el punto de vista de su protagonista y la senectud, considerando el envejecimiento como un proceso que forma parte del ciclo vital. En este sentido esta obra, aunque podríamos establecer algún paralelismo con la célebre novela gráfica de “Arrugas” de Paco Roca, no trata de pacientes con una enfermedad como el Alzheimer sino de personas mayores con los trastornos propios de la neurobiología del envejecimiento.

La vida en la residencia y la senectud se encuentran reflejadas en primera persona, siendo Gerda un testigo de excepción de lo que allí acontece, el desapego de algunos hijos por sus progenitores convirtiendo la residencia en un destierro familiar, una tristeza que contrasta con el nivel de atención y cariño con el que los trabajadores de estas instituciones procuran a las personas mayores, aspecto que hay que poner en valor ahora más que nunca.

En la obra se ven reflejados aspectos del envejecimiento, como la pérdida progresiva de facultades propias del paso del tiempo, como el deterioro físico, nuestra protagonista comienza la novela caminando con ayuda de un andador y gozando de cierta autonomía, para terminar en una silla de ruedas. Este deterioro progresivo físico lo percibimos a través de las diferentes viñetas en las que la trabajadora de la residencia asea a Gerda.

Gerda ha sido una persona con una alta capacidad intelectual y llega al final de sus días con una aceptable capacidad cognitiva, pero es indudable que el envejecimiento va acompañado generalmente de cambios neurobiológicos. La obra nos permite abordar alguno de los fenómenos que se producen como fruto de la neurobiología del envejecimiento. En ese sentido es muy reveladora la frase con la que la protagonista comienza la obra:

“A menudo me parece que estoy ya muerta y que esto es la eternidad. Antes el tiempo volaba. Cuando me acuerdo duele. Y sin embargo cada vez me gusta más recordar el pasado, me hace sentir que sigo viva”.

Los cambios cerebrales relacionados con el envejecimiento, determinan variaciones importantes que hay que considerar y que determinan que, en alguna de las funciones intelectuales, como la memoria afecten a la percepción del tiempo (como en la física, disciplina en la que nuestra protagonista es una erudita, el tiempo se “relativiza”). Con la edad aumenta el tiempo que se requiere para transferir la información desde la memoria a corto plazo hacia la memoria a largo plazo, e igualmente existe lentitud en la velocidad de procesamiento de información sensorial por lo que todo parece trascurrir más lentamente. Sin embargo, la memoria semántica, los recuerdos semánticos, se recuperan conceptualmente y se ha descrito que no muestran disminución con respecto a los jóvenes, e incluso hay algunos estudios que apuntan a que se podría mostrar algún grado de mejoría con el paso del tiempo, esto permite una mayor evocación de elementos familiares que de elementos nuevos haciendo que los recuerdos del pasado adquieran una mayor viveza.

Como último apunte, y consciente de que seguramente se trata de un recurso narrativo de los autores para añadir dramatismo al final de los días de Gerda, la realización de la reanimación cardiopulmonar cuando llega el momento de “marchar en soledad” en una situación no planificada, es un punto que nos podría servir también de debate y discusión.

PREMIOS
Rudolph-Dirks-Award a la mejor novela gráfica en la categoría de obra realista en 2018. (Ganadora)

ENLACES DE INTERÉS Y PREMIOS
Editorial Astiberri
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Enorme Suciedad

FICHA TÉCNICA
Nombre de la autora: Maite Mutuberria
Número de páginas: 162
Fecha de publicación: 2018
Editorial: Pepitas de calabaza
ISBN: 978 84 15862 48 2

TEMA
Este libro álbum es una recopilación de dibujos realizados en un momento de oscuridad. Narra la historia de una crisis a la que la autora se refiere como enorme suciedad.

PUNTOS FUERTES
Nos encontramos ante un trabajo muy personal y de una gran fuerza emocional. Maite dibujó durante años en sus cuadernos, como una vía de escape. La única forma en la que podía expresar sus sensaciones y emociones era a través de dibujos. Encontró así una manera de volcar aquello que no podía comprender.

Dibujó para sí misma. Tiempo después pensó enreunir esos bocetos para contar una historia. La historia de una crisis. Dividió la narración en cinco partes, que dibuja en el índice, haciendo un símil con las cinco capas de la epidermis. En su lugar coloca: tierra, barro, lodo, fango y polvo.Nos lleva a excavar en su herida, en su dolor, atravesando esas capas mediante metáforas creadas con dibujos y palabras.

Las ilustraciones son bocetos realizados a lápiz, sin más artificios ni colores. Muestran un dibujo desnudo que, en palabras de la autora, va muy bien con el ejercicio de desnudarse que supone la publicación de estos cuadernos íntimos. Las líneas y borrones transmiten la fuerza y la emoción de la que nacen. Los dibujos incluyen breves anotaciones y citas escritas a mano, sumando sensaciones que no dejan indiferente al lector.

En algunas páginas predomina el color negro. En otras el blanco. A veces, es una oscuridad que lo ocupa todo o casi todo y ahoga a la protagonista. Otras veces, el espacio en blanco enmarca escenas, no menos inquietantes, como vísceras infestadas de insectos. Un ejemplo lo vemos en la misma portada,que contiene un corazón plagado de hormigas sobre un fondo blanco.

También debe destacarse el cuidado trabajo de composición. Gracias a él se consigue que cada página comunique al máximo.El libro se creó a partir de una selección de dibujos,que fueron escaneados de los cuadernos originales y recolocados con maestría para crear esta obra.

Desde la portada a la contraportada, Maite nos envuelve en su «suciedad» utilizando tan solo un lapicero.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Enorme suciedad ayuda a comprender la vivencia de un profundo malestar psíquico, cuyos protagonistas suelen tener dificultad en trasladar a palabras.

Los dibujos de Maite Mutuberria pueden ayudar a los profesionales de la salud a comprender la angustia y el sufrimiento de las personas que acuden a su consulta y que no encuentran la forma de contar por lo que están pasando.

Los profesionales pueden utilizar las metáforas gráficas para acercarse a personas que están viviendo una crisis y empatizar con ellas.

Las personas que vivan ese sufrimiento pueden sentirse reflejadas, comprendidas y acompañadas por los contenidos de esta obra. También les puede ayudar a entender y a verbalizar sus propias emociones e incluso a compartirlas con otras personas mostrándoles este libro y comentando las emociones que provocan sus imágenes.

Enorme suciedad es un valioso testimonio gráfico para el ámbito de la salud.

ENLACES DE INTERÉS
Web de la autora
Editorial Pepitas de Calabaza
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Gorda

FICHA TÉCNICA
Autora: Moyoco Anno
Páginas: 264
Fecha de publicación: Febrero de 2017
Editorial: Ponent Mon
ISBN: 978-1-910856-79-6

TEMA
Gorda es un cómic manga. Su protagonista es una mujer que trabaja en una oficina, tiene pareja y aparentemente no tiene ningún problema. Sin embargo, percibe que está gorda a ojos  de su entorno y en general, para la sociedad. Los problemas laborales, los amorosos y la presión social harán que inicie un proceso de baja autoestima y ansiedad que desencadena en un trastorno alimentario.

PUNTOS FUERTES
Gorda se publica en España en manos de Ponent Mon 20 años después de su edición en Japón, y aunque hayan pasado 2 décadas es curioso que las ideas y el contenido de esta obra siga vigente.

Lo relevante de esta obra es que se adelantara a algunos acontecimientos sucedidos en Japón, como la entrada en vigor de la ley Metabo y la ley Shuku Iku (en empresas, gobiernos locales y centros escolares) para hacer frente a la epidemia de la obesidad, y en consecuencia reducirla a niveles bajos en comparación con otros paises desarrollados.

Esta obra pone de relieve la complejidad de la obesidad y los trastornos alimentarios como enfermedad, reflejando también pinceladas de discriminación y cosificación de la mujer.

Es un cómic manga duro, sin filtros, enfocado a un público adulto y cuya lectura no te deja indiferente. Sus personajes son crudos y a veces despiadados. Es una novela en continuas subidas, sin descansos, de forma permanente desmenuza aspectos de la persona y la sociedad en torno a la obesidad, la mujer y los trastornos alimentarios.

Noko Hanazawa es una oficinista con sobrepeso que calma la ansiedad y los problemas a través de la comida.  A pesar de tener una personalidad insegura, logra sortear el acoso que sufre por su gordura en el trabajo gracias a la relación que tiene con su pareja Saito. Aún así, sin darse cuenta, libera  la ansiedad y la tensión acumulada  refugiándose en la comida, comiendo en atracones sin mesura. Su mundo se descontrola cuando una compañera de trabajo actúa de forma desalmada hacia Noko al estilo de mujer malvada de los culebrones. Con la autoestima desplomada le lleva a atiborrarse de comida de forma enfermiza y lejos de cualquier ayuda cercana, cae en una alteración alimentaria, vomitando para adelgazar y asemejarse al modelo de mujer que piensa agrada a la sociedad y a su pareja.

Moyoco Anno nos narra toda esta historia de forma transparente, sin membranas que impidan la reflexión o el análisis al lector. Se describen los conflictos personales de forma directa, sin rodeos, manteniéndonos en los límites de la tensión emocional. Juega con los negros y blancos revelando los sentimientos de los personajes de forma clara. En definitiva Gorda, es un manga explosivo, que por su estética narrativa y visual resulta agresivo y atractivo a partesiguales.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Aunque de forma clara trate de obesidad y bulimia, lo primero que se observa  es que no es un cómic cuyo protagonista sea un adolescente, más bien es una persona adulta. Luego nos ayuda a entender estas enfermedades con otros matices, que tal vez no se contextualizan en edades más tempranas.

Es un cómic que nos puede ayudar comprender el desarrollo multifactorial y psicosocial que influye en la persona afectada, en este caso, se aprecian algunos desencadenantes que le llevan a la enfermedad de la anorexia y bulimia.

Podemos apreciar pinceladas claras de acoso laboral como uno de los factores predisponentes. Este atosigamiento continuo por parte de las compañeras de trabajo conduce a refugiarse en conductas de atracones de comida, lo que le lleva a engordar de forma descontrolada.

Aunque en un principio la pareja sea un factor protector a toda esta situación de acoso en el trabajo, con el tiempo le genera una baja autoestima llegando a actuar y a comportarse de forma sumisa en todo lo que su pareja quiera con tal de no perderle. No se escapa a algún tipo de abuso de pareja, con lo que acentúa aún más la debilidad anímica. Pronto, al no encontrar estabilidad afectiva a toda la situación, se orienta a valorar su propia imagen de forma negativa, distorsionando la percepción de su propio cuerpo, por lo que realiza conductas purgativas después de atracones compulsivos de comidas para bajar de peso y agradar a los demás y ella misma, entrando en un estado de inanición.

Un manga entretenido, intenso, como si estuviésemos realizando un trayecto en una montaña rusa, manteniéndonos en tensión en cada página del libro, pero al mismo tiempo ayudándonos a reconocer el drama de las personas que sufren esta enfermedad.

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Editorial Ponent Mon
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Acabé hecha un trapo huyendo de la realidad

FICHA TÉCNICA
Nombre de la autora: Kabi Nagata
Traductor: Luis Alis
Número de páginas: 138
Fecha de publicación: Julio de 2021
Editorial: Fandogamia
ISBN: 9788418419164

TEMA
Cómic con tintes autobiográficos que sigue la estela de las obras anteriores de la autora, Mi experiencia lesbiana con la soledad y Diario de intercambio (conmigo misma). En este caso, la obra gira en torno a un ingreso hospitalario debido a una pancreatitis aguda, de etiología enólica y, probablemente, por litiasis biliar. Nagata lleva tiempo con abuso de alcohol compensatorio a un trastorno depresivo, que le ha llevado a sufrir la pancreatitis.

PUNTOS FUERTES
Lo más impactante de las obras de esta autora es, precisamente, que son experiencias basadas en la realidad. Esa sinceridad a la hora de mostrar y reconocer sus problemas resultan incómodas al lector, y a veces se malinterpretan como que tienen un tinte de comedia que realmente no tiene.

En esta ocasión, Nagata apuesta por un bitono con un naranja como de subrayador fluorescente que resulta muy llamativo a la vista y que potencia la estridencia de lo que estamos leyendo. Contribuye así a la incomodidad que provoca ver a una chica joven, que está teniendo éxito por su trabajo (sus obras anteriores le han valido reconocimiento y éxito de ventas) pero cuya vida se ve lastrada por una personalidad depresiva y una falta de apoyo familiar. Es fundamental entender cómo funciona la sociedad japonesa, puesto que la obra contiene algunas escenas que van a resultar incomprensibles para el lector occidental.

El dibujo es muy espontáneo y sencillo, lo cual contribuye a esa impresión de que podemos estar ante una obra cómica, con pocos detalles en los fondos, y centrado en la historia, las vivencias personales de la protagonista y en su dificultad para sobrellevar las diversas compulsiones que presenta. Se trata de un manga que busca transmitir esa sensación de habitación sin salida en la que a veces se encuentra su autora.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
En las obras anteriores, se había centrado más en el TDAH (trastorno de déficit de atención y/o hiperactividad) y el síndrome depresivo. En esta ocasión, se siguen viendo rasgos de dichas patologías, pero se suma fundamentalmente la pancreatitis aguda, abuso de alcohol y un trastorno alimenticio, con transgresiones dietéticas, compulsión alimenticia y abuso de alcohol, mostrando la dificultad que presenta para cesar la ingesta de alcohol y de comidas grasas, una vez se produce el alta hospitalaria, a pesar de haber sufrido una enfermedad tan grave como la pancreatitis.

Me parece una obra muy útil para mostrar la facilidad con la que una situación tan cotidiana como tomar alcohol para intentar evadir los síntomas depresivos puede convertirse con rapidez en una conducta adictiva. La obra refleja muy bien esa dificultad de una persona inteligente y consciente de la gravedad de la enfermedad que acaba de padecer para abandonar los hábitos que la han llevado a sufrirla.

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Editorial Fandogamia
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Psiquiátrico II (Crazy Seventies)

FICHA TÉCNICA
Nombre de la autora: Lisa Mandel
Número de páginas: 96 págs.
Fecha de publicación: mayo 2014
Editorial: Astiberri
ISBN: 978-84-15685-43-2

TEMA
En este segundo volumen, Lisa Mandel nos da a conocer los nuevos aires que traen los 70 a la Psiquiatría en Francia. Comienza la era de la Psiquiatría comunitaria, que pretende reducir el tiempo de hospitalización de los pacientes mediante el uso de nuevas terapias y métodos. Es la época en la que se forman los primeros equipos multidisciplinares de Salud Mental. También es en este periodo en el que se empieza a “cuidar a los cuidadores”, algo realmente nuevo para los enfermeros psiquiátricos, y que será uno de los aspectos más relevantes en este segundo número de Psiquiátrico.

PUNTOS FUERTES
Antes de comenzar con las anécdotas del Psiquiátrico a comienzos de los 70, Lisa nos pone en situación. Partimos de la circular de marzo de 1960, en la que se detallan las reformas impulsadas por un grupo de médicos desalienistas que en conjunto buscan huir de la Psiquiatría carcelaria ejercida hasta entonces. Se produce un cambio en el concepto de enfermo mental, que pasa a ser visto como alguien que sufre y que con el tratamiento adecuado puede volver a integrarse en la sociedad. Este recurso de partir de un documento histórico y a partir de él introducir experiencias personales, suma credibilidad a la obra.

La autora mantiene el estilo sencillo del primer número de Psiquiátrico: trazo ligero (tortuoso cuando evoca sensaciones), sin líneas de viñeta, letra de caligrafía y gama de colores basada en el gris y el naranja.

La llegada de los psicólogos no solo supone un cambio para los pacientes, también para el personal del hospital al proponer nuevos métodos de trabajo (solicitan que el paciente sea visto por el médico en presencia de un enfermero) y organizar reuniones grupales con los enfermeros. Es una de las partes más destacadas de la novela, en la que la autora representa dos de estas sesiones a lo largo de catorce caras nada menos. Estas reuniones, a modo de terapia, pretenden ser un espacio en el que compartir experiencias y miedos del día a día. Al comienzo resultan muy incómodas para los enfermeros porque están bloqueados, hay un choque con la actitud y las ideas de la “vieja escuela”. El hecho de representar el mismo dibujo (doce enfermeros y el psicólogo en círculo) con escasas variaciones (alguna que otra intervención incómoda, una mosca que sobrevuela el grupo) da la sensación de que el tiempo pasa despacio y hay un silencio denso.

Precisamente al final de la segunda reunión se presenta una de las metáforas más potentes de la obra. El psicólogo pregunta a uno de los enfermeros si se siente angustiado. El enfermero se queda callado y por un momento tenemos acceso a su mundo interno, lleno de recuerdos sobre situaciones violentas y cruentas en el Psiquiátrico…aunque su respuesta final sea un “no especialmente”.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Esta segunda parte de Psiquiátrico sigue en la línea de recomendación para estudiantes y profesionales de la primera. Destacan los siguientes aspectos: evolución del concepto de enfermo mental y nuevos tratamientos, actualización del equipo de trabajo en Salud Mental, cuidado de los profesionales y relación psiquiatría-sociedad en un modelo de régimen abierto.

El nuevo concepto de enfermo mental ya lo hemos comentado (persona que sufre y de la que se espera una recuperación). Antes de introducirnos los nuevos tratamientos y métodos, Mandel nos explica que la hospitalización se ve como un factor de cronicidad de la enfermedad mental, por lo que las nuevas prácticas irán orientadas a separar lo mínimo necesario a los pacientes de su entorno. Algunos de estos nuevos métodos son el conocido test de Rorschach, el psicodrama, el método Rebirth y la ergoterapia o “terapia mediante el trabajo”. En el capítulo de ergoterapia se muestra una situación de discrepancia entre compañeros de enfermería ya que algún profesional supo sacar rendimiento del trabajo de los pacientes.

Uno de los aspectos más interesantes que explora esta novela es el cambio en el método de trabajo del equipo de Salud Mental: por un lado se incorporan nuevos profesionales (psicólogos y asistentes sociales) y por otro, el trabajo en equipo cobra una mayor importancia. Los psicólogos exigen que en la visita del médico los enfermeros estén presentes, ya que son los que más tiempo pasan con el paciente. Es en esta época de transición cuando lo que dice el personal de enfermería y lo que siente (se apuesta por su cuidado y formación)  empieza por fin a ser tenido en cuenta. Hay una escena que nos permite contrastar con el modelo anterior: el médico pauta una dosis de medicación superior a un paciente y los enfermeros se sorprenden: “¡No se va a tener en pie!” Creo que ilustra muy bien desde el punto de vista de una enfermera como una supuesta jerarquía puede desencadenar en un perjuicio para el paciente por falta de comunicación y trabajo en equipo.

Los últimos capítulos reflejan los pros y los contras del régimen abierto en psiquiatría, ya que en sus salidas terapéuticas los pacientes no se caracterizaban precisamente por pasar desapercibidos…

Destaca una historia que puede dar pie a debate en una clase o seminario sobre el  tema de embarazo y contracepción en la paciente psiquiátrica. Se trata de una paciente con gran deseo de gestación. El embarazo obliga a retirarla el tratamiento, se desestabiliza y deja de querer a sus bebés, que finalmente son dados en adopción.

Lisa Mandel nos deja con ganas de más historias. Por suerte, este número acaba de nuevo con un CONTINUARÁ…

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La muerte del capitán américa

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Jeph Loeb
Número de páginas: 144
Fecha de publicación: 2008
Editorial: Panini Comics
ISBN:9788496991057

SINOPSIS
La Guerra Civil superheróica ha terminado. Y de la peor forma posible: con la muerte del Capitán América, un ícono para todos los héroes, independientemente de su postura en el conflicto recién concluido. Y su ausencia no será vivida de la misma forma por todos.

A lo largo de los distintos capítulos, veremos aparecer las cinco etapas propias del duelo descritas por Elizabeth Kübler-Ross, representadas por distintos personajes: desde Lobezno (Wolverine) hasta IronMan pasando por Spider-man, todos vivirán la muere del Capi de forma distinta: negación, depresión, ira… hasta llegar a la aceptación.

PUNTOS FUERTES DE LA OBRA
Ya desde el principio, el hecho de que la obra, que se entiende como un todo, sea dividida en cinco partes (capitulos), nos habla de que cada etapa del duelo se entienda como independiente del resto, como valiosa en si misma. Del mismo modo, hay un hilo argumental que permite entender de forma organica lo que está pasando y a la vez identificar las distintas emociones que subyacen en cada episodio. Algunas de forma más evidente (negación, con Lobezno (Wolverine) explicitando que no cree en que el Capitán haya muerto, sino que es una estratagema de IronMan, o depresión, con Spider-man llorando desconsolado y sintiéndose en parte responsable de la muerte (otra en su “haber”) del Capitán América por su rol en la Guerra Civil). Otras etapas, como la aceptación (episodio final) y la negociación (3era etapa) están menos claramente detalladas y hace falta una segunda y tercera lecturas para aquel neófito a los comics para poder entender plenamente lo que está pasando.

El hecho de que el guionista sea el mismo a lo largo de la historia ayuda sobremanera, puesto que se hace fácil de leer. Contrario a lo que podría pensarse, es una ventaja que los dibujantes de cada episodio sean distintos, puesto que la vivencia de cada emoción es distinta para cada personaje, por lo que es muy esperable que los autores que las representan sean diferentes, y con trazos o estilos acordes a la emoción o etapa, destacando LeinilYu, artista de origen filipino en el 1er episodio (negación), y David Finch en el 4º episodio (depresión).

Otro punto fuerte de la obra es que refleja también de forma verídica las etapas de la Dra.Kübler-Ross: no son compartimentos estancos, independientes uno de otro, sino que aunque una emoción pueda estar predominando en un determinado momento, puede haber rasgos o elementos de otra emoción ya presentes, como se puede ver en el personaje de Spider-man (depresión), ya muy triste y derrumbado en el 2º episodio, y saliendo de la reunión en que está (lo volveremos a ver en el episodio 4º, dedicado explícitamente a dicha emoción).

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Siempre se han visto los cómics como mero entretenimiento, personas “empijamadas” que aporrean a los villanos de turno que pretenden conquistar el mundo. Sin embargo, de un tiempo a esta parte, los cómics se han convertido en un reflejo de la sociedad en la que viven y transcurren. Esta misma obra ocurre como secuela a un evento ficticio, la guerra civil superheroica que divide a los héroes en dos bandos, uno que defiende las libertades individuales y otro que lo sacrifica todo a la seguridad de la nación, argumento que evoca la tensión vivida en USA después de los atentados del 11-S en 2001.

De la misma manera, y aterrizando en la materia que nos ocupa, esta obra, a simple vista una serie limitada de comics, es en realidad una cuidada descripción de las 5 etapas del duelo descritas por la dra. Kübler-Ross en 1969. Así, vemos a distintos personajes de la editorial Marvel vivir “a su manera” la muerte del Capitán América, un ícono respetado por todos.

Al ir “hilando más fino”, y para quien sepa un poco más de comics, o de los héroes representados, caemos en la cuenta de que la elección de los protagonistas de cada etapa del duelo no es al azar, tanto por sus personalidades como por su historia; se nota que JephLoeb se dedica concienzudamente a esta obra, y no es para menos: su hijo murió poco antes, a los 17 años, de cáncer, por lo que para el autor sirvió sin duda en su proceso personal.

Esta obra sería muy adecuada tanto para aquellos que quieren entender o explicar mejor las etapas del duelo, ya sea en un ámbito personal (pacientes, familiares), o académico-clínico (estudiantes, personal de salud). Su diseño lo hace fácil de entender y no es necesario conocer mucho de la historia previa de los personajes para interiorizarse de los sentimientos que están aflorando en cada uno de ellos, lo cual hace más sencilla su lectura. Además, está presentada como una historia autoconclusiva por lo que no hace falta continuar su lectura en otro lado si no se desea.

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El Meteorito

FICHA TÉCNICA
Autora: Amaia Arrazola
Número de páginas: 168
Editorial: Lundwerg Editores
Edición: 15 octubre 2020
ISBN:  978-8418260193

TEMA
Este libro ilustrado es el fruto de la necesidad vital de Amaia Arrazola de expresar el cúmulo de vivencias que tuvo en la aceptación de su maternidad. Es un libro que refleja el descubrimiento de ser madre sin filtros, tal como lo vivió. Reflexiona sobre ella misma, su vida laboral, social, la relación con su pareja y sobre todo la crianza de su hija.

PUNTOS FUERTES
Es un testimonio en primera persona, sin esconder nada de lo vivido durante el parto y el puerperio a nivel personal y social, dejando atrás la fachada de la maternidad acaramelada y poniendo en evidencia la crudeza del proceso áspero y avinagrado de la aceptación hacia la maternidad. Amaia nos muestra como accede a dejar atrás su anterior ciclo vital, la otra forma de vida que tenía, para soportar primero y comprometerse después a esta nueva etapa, la de ser madre.

Esta novela ilustrada está compuesta por nueve capítulos y otro a modo de conclusión. Cada uno los dedica a algún tema o a alguna experiencia vivida. Todos son llamativos por la intensidad en la carga de sentimientos que expone. En uno de ellos, en el de la lactancia materna, hay un pequeño tirón de orejas al equipo de pediatría, en el que no se le ofrece soluciones prácticas a las dificultades que percibe, buscando alternativas por otros medios, como una asesora de lactancia materna, que sí le ayudó a encontrar pequeños detalles que favorecieron la crianza.

El formato del libro y el diseño de página es tipo A4, un formato grande y apetecible en la lectura. En general parece que todo el hilo narrativo y visual no tuviera un orden establecido pero a medida que vas recorriendo los capítulos te das cuenta de la cantidad de detalles que Amaia ha plasmado en las páginas, haciendo que cada una por si sola sea visualmente atractiva y en el recorrido completo del álbum haya elementos que se relacionan entre los diferentes capítulos. No es un formato al estilo cómic con imágenes encuadradas y bocadillos en sus ilustraciones. Es un relato visual donde la ilustración es pertinente para destacar el contenido escrito, y lo escrito potencia la expresividad del dibujo. Queda claro que la composición de la página y del libro es un binomio perfecto entre texto y dibujo. Es un ejemplo claro de un libro ilustrado en que la imagen y el texto suman sensaciones y multiplican la experiencia del lector. De hecho, la narrativa está realizada mediante texto a mano alzada, por lo que aun más le confiere un aspecto orgánico y vital al libro. Hay páginas llenas de texto con pequeñas imágenes, otras donde no hay texto y la ilustración es la protagonista, y otras donde la ilustración y el texto se entremezclan por completo. A nivel visual, hay ingredientes que acompañan a toda la novela, como las flores y las estrellas, además mantiene una paleta de colores entre el rosa, amarillo, verde, celeste y grises en textura acuarela que le proporciona unidad al conjunto gráfico.

Las ilustraciones son muy representativas a lo que se expresa en el texto, y el texto está escrito en primera persona, define sus vivencias, sus inquietudes, sus experiencias, dando multitud de ejemplos descritos como si ocurriesen en el mismo momento. La cantidad de ejemplos que escenifica es tan precisa, que es imposible no empatizar con lo que expresa.

Vale la pena mencionar la idoneidad del título de esta obra que de forma metafórica e icónica se transforma en el argumento transversal de la obra tanto en el texto como en la parte ilustrada. El cuidado de esta metáfora se mantiene en todos los aspectos del libro, el más llamativo es la cubierta troquelada en una forma que recuerda a un meteorito, y en el que en su interior se visualiza a Ane, su bebé. Al abrir la portada, la criatura se encuentra entre flores, otra metáfora que acompaña al libro y solo al final descubrimos su significado.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
La riqueza de esta obra recae, además de en lo estético, en que se compone desde la experiencia personal de la autora, pues todo el contenido, de la primera a la última página, hace referencia con total sinceridad a las vivencias que percibe en su cuerpo, en su mente, en la pareja, vida social, laboral y familiar. El relato que describe sobre la maternidad conmociona al lector porque choca con la idealización perfecta de mujer y madre en el cuidado de la criatura. Rompe con el embellecimiento colectivo que se transfiere en los medios sociales o culturales. Desmonta la idoneidad de la maternidad mediante un testimonio en primera persona, y lo hace empleando muchísimos ejemplos, abundantes sentimientos y un cúmulo de emociones en todos los capítulos del libro. Este testimonio real, sin filtros, convertido en libro ilustrado, lo convierte en una herramienta de consulta o de aclaración a muchas mujeres. Luego también, a profesionales de la salud para asesorar a mujeres o familias que lo necesiten.

Los ciclos vitales de las personas normalmente están marcados por unos espacios de tiempo más o menos prolongado que ayuda a que sean aceptados. Sin embargo, la maternidad es un proceso que en mayor o menor medida es más abrupto, sobre todo en estos tiempos donde el acompañamiento familiar y de las amistades no se vincula como en otras épocas (de hecho, Amaia le dedica unas páginas a ello). La descripción como afronta el cambio de etapa vital está expuesta como una pérdida en lo que se refiere a la etapa vital anterior (personal, social, laboral y en pareja) y dificultosa por el choque mental, físico y social que significa la nueva etapa vital de la maternidad y crianza de un bebé. En el acompañamiento profesional hacia el cambio de etapa vital, la enfermera de pediatría y la matrona de atención primaria ejerce un eslabón clave para la aceptación. Esta obra se ajusta a la perfección en las vivencias expresadas en la consulta enfermera, en las que manejan el plan de cuidados mediante el diagnóstico NANDA “Disposición para mejorar el proceso de maternidad”. Resulta una obra especialmente idónea para que las profesionales de enfermería que se dedican a ello, como también para estudiantes de enfermería o la especialidad de pediatría o matrona.

El capítulo que dedica a la lactancia materna expresa las dificultades sin rodeos, directo a las sensaciones frustradas del deseo de dar de lactar y a la experiencia de llevar la carga de la crianza y el buen desarrollo del bebé a través de ella. Habla de dolores, grietas, falta de asesoramiento, temores, etc. Muchos detalles que en la realidad nos expresan las madres en las consultas de pediatría, matrona o en los grupos postparto o de lactancia.

Otra particularidad de esta obra que la hace ser referente en lo que se refiere al proceso de maternidad y aceptación al nuevo ciclo vital es que pone de relieve la afrontación en primera persona, pero descrita de tal manera que cualquier persona, sea madre o no, empatiza muy bien por como va definiendo todos los elementos que van interviniendo en ella, con toda forma de detalles enriquecidos mediante ilustraciones y sentimientos encontrados.

Cosas de las que pueden enriquecerse de este álbum: ayuda a descubrir un abanico más amplio para tomar decisiones a nivel personal y familiar, contribuye a aceptar lo que les viene encima con el nacimiento de una criatura, a no refugiarse en cosas que funcionaban en épocas anteriores en lo que se refiere al acompañamiento y a la crianza del bebé, a mediar sobre el rol de ser madre y el vínculo que se establece madre-criatura dependiente, la figura de la pareja como equipo en el proceso y partícipe de sentimientos y emociones… y muchísimos más elementos.

Es un libro que, aunque parte de sensaciones adversas, le da un revés hacia la realidad de la crianza, poniendo en orden los detalles que autentifican el proceso de aceptación con indicadores de aceptación de una misma, del nuevo rol que va a desempeñar a nivel personal y familiar, y el descubrimiento de una nueva forma de amar.

En el trabajo diario como enfermero de pediatría estoy habituado a recomendar libros que puedan ayudar a las madres y sus parejas a encaminar los esfuerzos hacia la crianza de sus criaturas y a facilitar el proceso hacia la nueva etapa vital a nivel personal y familiar. Seguro que muchos de esos libros ya os vienen a la cabeza de forma rápida… Este libro ilustrado, a partir de ahora, va ser o debería ser uno de los mejores recursos que podré recomendar a cualquier madre que acuda a la consulta y a sus parejas. ¡Feliz lectura!

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Voyeurs

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Gabrielle Bell
Número de páginas: 160.
Fecha de publicación: Noviembre 2017
Editorial: La Cúpula Ediciones
ISBN: 9788416400830

TEMA
Voyeurs recoge las vivencias de la autora  entre  2008 y 2010. Sus viajes a Japón con su entonces pareja, el director de cine, Michel Gondry para presentar la película Tokyo!. Cuenta su ruptura con él, sus charlas como autora, sus visitas a Comic Cons, sus primeros recuerdos como autora de fanzines y cómo son de diferentes las convenciones ahora que es una autora reconocida, su intento por conocer a Robert Crumb y un sinfín de cosas sin aparente trascendencia que le van sucediendo.

Son hechos recogidos a modo casi de diario, escenas sin entrelazar marcados con su respectiva fecha. Lo mismo te muestra un viaje, que cuando no quiere más que quedarse en casa llorando o sufre de baja autoestima.

PUNTOS FUERTES
Precisamente esa aparente arbitrariedad en el relato es lo que más ha llegado a público y a la crítica. Los lectores se conviertan en meros Voyeurs, curioseando  la vida de la autora como si estuviéramos en uno de esos canales 24h de cualquier reality.

Bell no se esconde ni suaviza su difícil personalidad. Se retrata insegura, antisocial, arisca, gruñona y lo va intercalando en las experiencias del día a día, sea en Nueva York, París, Tokio o California.

Gran parte del éxito de la autora recae en esa narrativa tan tranquila como hipnótica. Con una estructura de 3×2 viñetas fija, y un dibujo de trazo sencillo sin exceso de detalles propio del cómic independiente, va contando secuencias a veces absolutamente intrascendentes, con un efecto magnético sobre el lector, transfiriéndole la necesidad de continuar leyendo en busca de una anécdota graciosa, algún suceso interesante. Hay veces que sí los son pero en otras  relata escenas que cualquier otro autor se pensaría mucho si merecen estar en su obra. Eso le da un toque de verdad al cómic que difícilmente conseguiría si solo estuvieran seleccionados los momentos importantes. Y como además consigue transmitirlas sin llegar a aburrir, produce una sensación muy interesante.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Bell se muestra como una persona con una severa carencia de autoestima, con cuadros depresivos recurrentes y crisis de ansiedad frecuentes. Reconoce que hay veces que le molesta el contacto social y que prefiere quedarse encerrada en un hotel a salir a conocer Tokio, con tal de no tener que aguantar a alguien que le acompañe. Se diría  que usa estas novelas gráficas como terapia para intentar abrirse al mundo y reconocer su enfermedad, lo cual supone un paso importante en algunos casos.

Muestra rasgos de personalidad antisocial, por momentos impresiona de, no tanto un trastorno de personalidad, pero sí rasgos límites de personalidad, alternando cuadros de gran tristeza, aislamiento y ansiedad con otros en los que tiene rabietas y comportamientos impulsivos, como ponerse sombreros que le han regalado o hablar en una charla impulsivamente aunque esté contando cómo hacía fotocopias sin permiso cuando empezó haciendo fanzines…

Muestra un poco de su infancia, lo cual ayuda  a comprender  su personalidad, bien por una madre con una educación un poco peculiar, que demoniza la figura paterna y no da herramientas de autonomía a los niños, o un padrastro del que sugiere que pudiera tener la mano algo larga en algún momento…

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Editorial La Cúpula
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Fantasmas

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Raina Telgemeier
Traductor: Juan Pablo Lombana
Número de páginas: 239
Fecha de publicación: 2017
Editorial: Scholastic
ISBN: 978 1 338 13368 4

TEMA
Catrina y su familia se trasladan al norte de California, buscando un clima más apropiado para la salud de su hermanita Maya que padece fibrosis quística.

La ciudad guarda un secreto, en Bahía de la Luna hay fantasmas y el 1 de noviembre salen todos a celebrarlo con los vivos.

Una historia que mezcla realidad y fantasía, la convivencia con la enfermedad y los miedos que esta provoca.

PUNTOS FUERTES
Fantasmas es un cómic diseñado para niños por una autora que es a día de hoy best seller en su género. Tanto en su estética, como en el lenguaje que utiliza  transmite esa simplicidad,  dinámica y colorista tan atractiva de la literatura infantil.

Utiliza viñetas siempre cerradas y texto en bocadillo  tradicionales del comic. Los personajes son de trazo sencillo, muy expresivos y que inmediatamente provocan simpatía. Los sentimientos son siempre expresados de una manera muy visible tanto en las caras como en el lenguaje corporal, muy adecuado a la edad para la que están destinados. Los colores no son estridentes pero si alegres y los escenarios en los que ocurre cada escena son bastante detallados.

La historia transcurre entre final de agosto y el uno de noviembre y aunque no hay capítulos, si que se organiza su relato según los meses. Resulta muy sencilla de seguir con su tono infantil.

Fantasmas es rica en sentimientos, emociones y escenarios, algunos de los cuales son, como su propio nombre indica, fantasmagóricos.

La autora cuenta que su inspiración nace del recuerdo de una primita que murió de cáncer y de su actitud positiva y alegre. Es obvia la cantidad de investigación que ha realizado para informarse sobre la fibrosis quéstica.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
El centro e hilo conductor de esta historia es la fibrosis quística de Maya, la protagonista. La cantidad de información que se da sobre esta enfermedad a lo largo del libro es estupenda por su simplicidad. Desde lo qué supone, sus síntomas, los factores que pueden empeorar el estado clínico hasta los tratamientos.

Fantasmas nos familiariza con el chaleco percusor para movilizar las flemas, la nutrición enteral por PEG, el CPAP durante un ingreso hospitalario, las pastillas o el oxígeno con gafas nasales.

Esta novela gráfica describe muy bien de que manera una enfermedad grave en un niño no afecta solo al individuo sino a toda la familia. Desde el hecho de cambiarse de ciudad buscando un clima más apropiado a la ansiedad de su hermana mayor que se culpabiliza del deterior de salud de la pequeña.

Lo más llamativo y dulce es la forma en la que Maya enfrenta su enfermedad, con absoluto pragmatismo. Aparece como una niña alegre que quiere aprovechar al máximo su vida que intuye corta. Se revela contra el aislamiento al que le someten sus padres para no empeorar su enfermedad: «Nunca me voy a poner bien. entonces ¿por qué no me dejan divertirme mientras puedo?

Hay muchas menciones a la muerte, algo en lo que Maya claramente piensa a menudo;  pero se ofrece una visión optimista de lo que es estar muerto, con una vida en el más allá divertida. Incluso aporta  la visión liberadora de que cuando te conviertes en «fantasma», puedes hacer cosas que no hacías vivo: «uno pierde algunas cosas cuando se muere, pero no todo. Y ser fantasma tiene ciertas ventajas. Podemos correr más rápido, saltar más alto y bailar por más tiempo que cualquier mortal». Desde una manera muy simplista e inocente, transmite optimismo, incluso ante un final prematuro.

El papel de la hermana mayor refleja las dificultades que puede conllevar para cualquier niño esta situación familiar. Catrina sufre una ansidad obvia respecto a Maya y expone sus contradicciones entre tener que dar prioridad  a la vida de su hermana frente a la suya, su falta de protagonismo en la familia, su miedo atroz a perder a su hermanita y su sentimiento de responsabilidad, sobre lo que le pase. Hay algunas escenas muy dulces. Una llamada de atención sobre cómo debemos cuidar no solo a los pacientes crónicos sino a sus familiares.

Sin duda Fantasmas está cargada de información sobre una enfermedad que no es muy conocida y además te acerca a la vivencia familiar con la patología crónica y como afecta a todos los miembros de la familia.

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¡Empuja!


FICHA TÉCNICA
Nombre de los Autores: Fleur Godart (guión) Justine Saint-Lô (ilustración)
Traductira: Iria González
Páginas: 224
Editorial: Oberon (2021)
ISBN: 9788441543713

TEMA
¡Empuja! Nuestros partos, nuestras historias, cuenta 19 historias reales de mujeres y de profesionales sanitarios que tienen en común el momento del parto, y cientos de detalles relacionados a nivel personal, familiar, profesional y social.

PUNTOS FUERTES
¿Cómo es un parto? ¿Qué puedo esperar que ocurra en el momento de parir? ¿En qué posición es la más adecuada? ¿Tendré dolor? ¿Puedo estar acompañada? ¿Planificamos el momento del parto? ¿Cómo debería cuidar los aspectos emocionales de la parturienta y sus acompañantes? ¿Hay alguna técnica relacionada con las cesáreas menos traumática para la mujer? ¿Episiotomía? ¿Fórceps?… Todas estas preguntas y muchas más se abordan en ¡Empuja! Nuestros partos, nuestras historias, en torno a diversos testimonios que son reflejados a través de breves relatos gráficos de forma muy acertada.

Se trata de una novela que sale de lo convencional en la descripción de un proceso único de planificación al parto, como ya encontramos en otras obras relacionadas con el embarazo. Esta obra pone en valor la diversidad de este acontecimiento, y no solo como experiencias del nacimiento, sino también en la forma de vivirlo a nivel personal, familiar, en la sociedad, y en todo el equipo de profesionales que pueden llegar a intervenir en ello.

Las experiencias que se exponen son extrapolables a cualquier mujer y familias que tengan o hayan pasado por el momento de la planificación del parto, aunque se contextualizan en el sistema sanitario francés, por lo que es interesante para analizar y apreciar los detalles que tienen en común o difieren del sistema sanitario español.

Fleur Godart y Justine Saint-Lô se atreven a explorar a través de este cómic una temática muy conocida pero al mismo tiempo poco presentada desde un punto de vista tan cercano y real. Cuentan en una entrevista en un magazine francés que la idea de este cómic les surgió a raíz de una conversación con una mujer que tuvo momento emocionalmente dificultoso en el embarazo, por lo que éste fue el inicio de un proceso de diseño y recolección de información y documentación para editar este cómic. La hermana de Justine, enfermera, fue una de las personas que pudieron asesorar en la diversidad y variedad del proceso del parto. En su recolección de material, cuentan que no les resultó difícil encontrar personas para testimoniar el momento del parto, sino más bien, el problema lo tuvieron en lograr seleccionar las historias para que la obra pudiera tener un carácter plural. El planteamiento final resulta ser una novela gráfica que abraza las diferentes situaciones que se pueden encontrar las mujeres y los profesionales.

La narrativa de esta obra tiene una clara intencionalidad informativa, con vocabularios nada complicados para que pueda ser fácilmente entendido para el lector. Tiene un aire educativo por el hilo explicativo que realiza en cada pequeña historia. Son nacimientos contados al detalle para aconsejar de forma paralela a las futuras madres, y lo hace con un argumento simple, sencillo, sin juicios de valor y evitando culpas, aunque la historia sea cruda.

La representación gráfica se representa sin pudor. Justine emplea lápices de colores jugando con los trazos en la coloración de las figuras y aportando cierta textura en las viñetas. No emplea una estructura homogénea en todo el libro, Hay representaciones en formato de cuadros, otras flotantes sin limitaciones, etc. Es un dibujo muy rico en la expresión de la emoción, hay algunos dibujos que representa el dolor de forma muy significativa, o la angustia, o la alegría… hay mucha metáfora visual. No son dibujos al estilo clásico, pero sí representan muchas características anatómicas y fisiológicas del cuerpo y la anatomía de la mujer sin filtros. La combinación junto al hilo narrativo, es una representación de escenas y palabras pocas veces ilustradas de una forma tan directa y atrevida, mostrando lo íntimo y la diversidad de los casos, desprovisto de adornos.

Hay experiencias de mujeres primerizas, o ya madres. Algunas que tiene un proyecto de parto establecido y que da un giro radical en el camino. Unas que confían ciegamente en el equipo, otras que no, y buscan alternativas y defienden su postura incluso poniéndose en peligro a sí mismos y al feto. Hay lugar para los cuidadores y las parejas. Se atreve a exponer la experiencia de gestación subrogada. Explica el proceso histórico de la cesárea y novedades en su técnica. Visualiza conceptos como la endometriosis. Manifiesta claramente la concepción de trabajo multidisciplinar. Hay relatos de comadronas, enfermeras, ginecólogos-obstetras, anestesistas, etc. La riqueza de este libro, además de en su estética en las historias representadas, es sobre todo en la diversidad individual y colectiva que se revela en cada página.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA

El poder didáctico que tiene algunos cómics es manifiestamente extraordinario, y este es un claro ejemplo de esta virtud.

En su lectura se da a conocer la disparidad de procesos y afrontamientos de las mujeres y los profesionales en la atención al parto, y pone de relieve cómo los determinantes sociales intervienen en la salud de las personas y en la toma de decisiones. Cuenta historias donde resalta los contextos personales y ambientales que influyen en la toma de decisiones. De hecho, parece que es uno de los objetivos de esta obra, enseñar la diversidad y estamparla a través de las historias reales, sin obviar los contextos de vida particular de ellas. Cualquier profesional sanitario puede entender mucho mejor los determinantes sociales que intervienen en la salud de las personas leyendo este libro.

De forma fragmentada, hay multitud de secuencias que son realmente útiles para la formación e información. Ya sea a mujeres o familias que están en el proceso de un embarazo (en consulta individual o taller grupal) o para profesionales sanitarios en período de formación de la carrera… o hasta después. Hay tanta riqueza de contenidos, que cualquier historia puede valer para diseñar alguna metodología de aprendizaje (expositivas, para reflexionar, analizar contenidos, etc.). Hay desde partes teóricas a algunas más emocionales, pero todas ellas de forma seleccionada pueden servir para alcanzar un objetivo educativo y mejorar conocimientos.

Pone de manifiesto aspectos difíciles de expresar en la opinión pública o espacios científicos (congresos, sesiones, etc…), pero que están muy de actualidad, como por ejemplo el tema de la gestación subrogada, la llamada violencia obstétrica, los estatus profesionales,  o el tema de los partos en casa… son temas que se exponen en este cómic a través de experiencias reales, por lo que le da un espacio donde el libre pensamiento de los lectores puedan conocer  y percibir algunos detalles de primera mano mediante la ilustración y la narrativa.

Es un cómic agradablemente atrevido, que no juzga, sino que expone realidades y vivencias únicas de mujeres y profesionales. Es un libro imprescindible para que puedan ojear mujeres que aún no han dado a luz, para las que ya han dado a luz,  para las matronas que atienden a las mujeres y sus familias, para los equipos de ginecología y obstetricia, y para equipos de pediatría o de familia. Descubrir la variedad de aconteceres, ayuda en el proceso de empatizar.

Al final, hay dos detalles interesantes, una sobre la experiencia de la figura paterna (mediante tres experiencias), por lo que también es interesante para la visualización en perspectiva de las emociones que influyen en las parejas. La otra, un glosario de palabras con sus definiciones, que ayudan al lector a comprender algunos términos que salen en el cómic.

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Diagnósticos

FICHA TÉCNICA
Nombre de los autores: Diego Agrimbau y Lucas Varela.
Número de páginas: 84.
Fecha de publicación: Enero de 2018.
Editorial: La Cúpula Ediciones
ISBN: 9788416400904

TEMA
Una obra que supone un ejercicio gráfico de cómo se vive con una serie de enfermedades. Vamos a conocer de cerca la agnosia, la claustrofobia, la sinestesia, la afasia, la akinetopsia y la prosopagnosia.

Una novela gráfica en capítulos independientes, cada uno en un estilo diferente, mostrando desde el punto de vista del paciente cómo se convive y sufre con esas enfermedades, ayudando a comprender sus peculiares síntomas.

PUNTOS FUERTES
La obra está firmada por Diego Agrimbau y Lucas Varela, dos autores que vienen del campo de la publicidad y el diseño gráfico, algo que se refleja perfectamente en sus obras. Diagnósticos es un cómic eminentemente visual, con historias que impactan por su estética y por su uso de los recursos gráficos. Es especialmente llamativo en Afasia y Sinestesia. El uso de la cartelería como paisaje de fondo o las onomatopeyas como un elemento visual más de la viñeta, son recursos muy interesantes y originales. Además, representan a la perfección, y de manera abstracta, cómo pueden vivir esas personas su enfermedad.

Como también pasa en Agnosia, donde se teoriza sobre una hipotética droga que ayuda a mejorar, y vamos a ir viendo el paso de la visión agnósica a la normalidad.  O en Prosopagnosia, donde se usa un relato de ficción para mostrar la dificultad para reconocer los rostros. En Akinetosia, se usa como recurso el pasar de la no visión del movimiento a la no visión de lo estático. Claustrofobia se vale del metalenguaje del cómic para mostrar el miedo al espacio cerrado.

La única pega de estas obras con un impacto visual tan notable es que se leen con relativa rapidez, lo cual para muchos puede suponer una duda a la hora de realizar la inversión. Sinceramente, no debería ser un obstáculo. Su riqueza como narración gráfica compensa con creces el tiempo de lectura. Cada historia además tiene un planteamiento de color diferente, desde el bitono al color completo, pasando por blanco y negro con algún añadido de color.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Diagnósticos es una obra fantástica para dar a entender una serie de enfermedades neurológicas (y psiquiátrica) desde un punto de vista visual. Son enfermedeades difíciles de comprender para los no sanitarios, por su complejidad en algunos casos, y con esta obra, los autores argentinos Agrimbau y Varela consiguen una tarea nada fácil. Además, utilizan dichas enfermedades para realizar un trabajo de narración gráfica en la que se potencian por completo los recursos del cómic y le sacan todo el partido posible. Una mención especial para la historia Claustrofobia, con un uso del metalenguaje fabuloso y un planteamiento del relato muy sorprendente.

Esta obra es perfecta como elemento docente, como material para asociaciones de determinadas enfermedades, e incluso para recomendar a los familiares de pacientes de alguna de estas enfermedades, para que puedan entenderlos mejor.

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Desmesura

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Fernando Balius (guión) y Mario Pellejer (ilustraciones).
Número de páginas: 128 págs.
Fecha de publicación: 2018.
Editorial: Bellaterra.
ISBN: 978 84 7290 854 3

TEMA
Esta es la historia de un escuchador de voces contada en primera persona. El relato de un camino de convivencia con la locura y todo lo que conlleva: tratamientos farmacológicos, psicoterapias poco acertadas, y sobre todo, relaciones que salvan en la desmesura de la psicosis.

PUNTOS FUERTES
Desmesura tiene formato de cuaderno de viaje: ni el texto aparece encuadrado en bocadillos ni las ilustraciones en viñetas. Estos detalles, junto a la encuadernación tamaño cuartilla, la sencilla portada… hacen que percibamos que nos encontramos ante la lectura de un relato íntimo.

Las ilustraciones realizadas en tinta y acuarela adoptan un trazo grueso y ondulante, cercano al garabato, en momentos en los que el personaje pierde el contacto con la realidad. Los tonos azules y grises colorean el pasado. El presente sin embargo, luce con colores variados.

Las imágenes transmiten sensaciones a las que difícilmente llegaríamos con palabras. Junto con el texto se dan la mano en la creación de la historia; tal es la fusión que a veces el texto se introduce en las ilustraciones: palabras que emanan del suelo de la ciudad simulando las voces, palabras que se escriben desde la boca del médico estableciendo un diagnóstico… “esquizofrenia”.

Uno de los puntos que suma credibilidad a la obra es que escribirla supone una necesidad para el guionista. Aunque el relato sigue un curso biográfico, el autor afirma que su objetivo no es ofrecer una autobiografía, sino “fijar coordenadas actuales e imaginar adonde se quiere ir, así la historia es brújula del presente y carburante de futuro. Para entender más lo que me sucede, pensarlo con los otros y que pueda servir a alguien”. Partimos de los recuerdos de su infancia para continuar descubriendo los inicios de su proceso en la adolescencia y desarrollo en la juventud.

Otro punto es el inciso que hacen en mitad de relato para compartir hechos de las vidas personales de ilustrador y guionista que harán que la historia se escriba y dibuje de otra manera: “hemos sufrido y experimentado una lejanía de lo real que nos acerca entre nosotros”.

Desmesura es una novela muy rica en metáforas visuales, destacan las siguientes:

  • A lo largo de la novela aparecen ocho ilustraciones que representan al protagonista en relación con el mar. Inicialmente una ola lo zambulle al fondo del océano. Poco a poco, mientras descubrimos cómo (por medio de sus historias), alza la mirada a la superficie y va saliendo a flote. Estas imágenes intercaladas funcionan como puntos de referencia que ubican al lector en el grado de hundimiento del personaje.
  • El relato de su primer ingreso en el hospital es aterrador. La ilustración que lo acompaña describe cómo se han almacenado esos recuerdos: flashes, imágenes aisladas, inconexas, delirantes.
  • El incierto camino hacia el diagnóstico implicó cambios de medicación constantes. Este hecho se representa en cuatro ilustraciones en las que aparece el protagonista sentado en una caja de psicofármacos, siendo rodeado poco a poco por más y más tipos de medicación.
  • Las voces son representadas en forma de monstruos. Cada escuchador de voces tiene el suyo propio, diferente al del resto. Además de aportar un punto de ternura a un síntoma que impacta significativamente en la vida de estas personas, creo que realza la idea del sufrimiento psíquico como dolor individual.
  • La percepción de ser juzgado, de que todo el mundo está pendiente de ti (delirio de referencia) se representa como un conjunto de ojos rodeando al personaje. En los momentos en los que escucha voces las caras se desdibujan y emborronan, intercalándose ruidos en la conversación.
  • En temas de salud mental, la cultura del estigma arrastra a estos pacientes al aislamiento, que es representado como una jaula en la que el protagonista encierra su cabeza.
  • Las relaciones sociales son un factor muy valorado por el protagonista en su recuperación, que relaciona la capacidad de recuperación con el número de manos que tengas cerca. Esta reflexión está presente en varios puntos de la obra y la ilustración que mejor lo refleja es la del ala rota de un ave que está siendo vendada.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Esta historia permite mudarse a la piel de un escuchador de voces mientras dura la lectura. Está narrada con una sinceridad, una claridad y una capacidad de análisis impactante, que demuestran un gran autoconocimiento por parte del protagonista. Puede ser un buen recurso para pacientesentorno de personas con malestar psíquico y para sanitarios.

Desmesura puede ser útil para pacientes porque es un ejemplo de cómo la escritura ayuda a digerir lo vivido, ordenando pensamientos y vivencias, emprendiendo la búsqueda de tu verdad y del por qué de lo que sucede. Creo que la actitud del personaje (escéptico ante verdades absolutas, inquieto e indagador) puede ser un ejemplo para aquellos que experimentan una situación similar. Encontrarán el testimonio de alguien que acepta las voces como parte de uno mismo que no puede negar ni ocultar, que odia y teme a la vez pero que necesita afrontar e integrar como experiencia humana válida. Por otro lado, el autor destaca el valor de conocer a personas que pasan por lo mismo, para poder hablar en condiciones de horizontalidad y compartir experiencias y estrategias (descritas como “saberes profanos”) que ayuden a afrontar la locura.

Al final de la historia, a modo de “guía de navegación”, el autor ofrece un anexo ilustrado en el que se describen las señales que preceden a la psicosis y pautas para afrontar la situación.

En segundo lugar, Desmesura es un buen documento para el entorno de personas con malestar psíquico. En una situación de sufrimiento todos queremos prestar ayuda; sin embargo es común no saber cómo hacerlo. Teniendo en cuenta que el protagonista ha definido el factor social como clave en la recuperación, merece la pena analizar los dos puntos principales que valora de la actitud de quienes le rodean: el amor y el humor.

  • Destaca la importancia de tener a alguien cerca al recuperar la cabeza, que te cuide en base al amor y al desinterés. Esos momentos, además de necesarios en el momento agudo, son “refugios” a los que volver cuando la cosa se pone fea.
  • Uno de los mejores puntos de la obra es sin duda el concepto de humor salud: “el humor como arma en la conquista de la salud, que sabotea todas las formas enfermizas de relacionarse con el mundo”. El humor normaliza situaciones en el día a día, restando drama y haciendo que la persona que sufre no se sienta ni incómoda ni culpable ante hechos que no puede controlar ni evitar que pasen.

La culpabilidad es un aspecto negativo a comentar dentro de las relaciones con el entorno. Este sentimiento se basa en lo que les pasa y lo que les podemos hacer sentir. En el caso del protagonista, este sentimiento nace de la relación con su familia: la baja educación emocional sumada al estigma social, hace que se traduzca en miedo hacia él y evitación de lo que le sucede.

Por último, Desmesura merece ser leído por sanitarios porque ofrece una imagen de cómo nos ven los pacientes. La imagen que ofrece de los Psiquiatras es de profesionales altivos, que no hablan de curación sino de calidad de vida, existiendo una gran distancia entre su vocabulario y lo que puede ser entendido por el paciente, representado a varios metros de la mesa, empequeñecido. En cuanto a los Psicólogos, tras varios intentos buscando una psicoterapia efectiva, por fin encuentra a alguien de quien pone en valor el preguntarle por la relación con sus síntomas y no por los síntomas en sí mismos.

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Ted un bicho raro

FICHA TÉCNICA
Nombre de la autora: Émilie Gleason.
Traducción: María Serna
Número de páginas: 128.
Fecha de publicación: Agosto de 2021.
Editorial: Astiberri.
ISBN: 9788418215896.

TEMA
Ted es un chico con un trastorno específico del desarrollo (TED), concretamente del espectro autista (TEA) y más específicamente un síndrome de Asperger. Vive solo, tiene sus costumbres y tolera mal salirse de sus rutinas. Su familia lo quiere y apoya, aunque precisamente intentando ayudarle, hará que algunos especialistas revisen su medicación y la cambien, provocándole más problemas de los que tenía hasta el momento.

PUNTOS FUERTES
Esta obra destaca por el tipo de narrativa que nos plantea su autora. Se ajusta mucho al propio protagonista y emplea transiciones acción a acción muy repetitivas, que en ocasiones deberían ralentizar la acción. Sin embargo, utiliza un trazo de dibujo y unas formas muy estilizadas, muy plásticas, que compensan esa repetición con formas tremendamente dinámicas. Además de jugar en favor del ritmo de la historia, también aporta un estilo de dibujo que deja al lector la sensación de un mundo lábil e inestable, y eso es algo que juega muy en favor del tipo de enfermedad que tiene el protagonista.

El color también es otro elemento que se utiliza en momentos particulares para dar énfasis a algunas escenas. El principal uso lo vemos en las personas desconocidas para Ted. Gleason dibuja a estos personajes, sin relleno, sin color, tan solo dibujando su contorno con un trazo de color suave que da la apariencia de que fueran como fantasmas flotantes. A medida que Ted va familiarizándose con algunos de ellos, estos pasan a tener un contorno de línea negra y relleno de color, como si para Ted ya pasara a ser alguien real en su esquema.

El cómic apenas cuenta con fondos y predomina el blanco en su paleta de colores, aunque en algunos momentos concretos, generalmente en relación a momentos de intensidad para el personaje, las páginas se llenan de colores satinados que recargan la escena, especialmente después de tener la vista acostumbrada a ese color tan sencillo hasta entonces.

La obra incluye un epílogo a cargo de la autora en el que explica que su hermano padece un TEA y que en ningún momento pretende hacer una historia dogmática o dárselas de entendida en el tema, y simplemente ha querido mostrar su experiencia y construir alrededor de ella. Eso, que puede parecer un detalle banal tiene mucho peso, ya que un lector que vaya con una idea preconcebida podría sacar una consecuencia o moraleja de la historia muy alejada de la realidad (que la medicación ha empeorado al protagonista y que es mejor dejarla sin ella).

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Se trata de una visión muy original y que pretende mostrar el punto de vista de personas con TED. El protagonista padece un síndrome de Asperger y la obra pretende reflejar cómo ve el mundo. Explica muy bien la dificultad para la empatía que sufren este tipo de personas, y cómo la medicación y el apoyo familiar pueden resultar tanto imprescindibles como volverse un arma de doble filo.

Se puede usar como apoyo a familiares de este tipo de pacientes, como con una intencionalidad docente, puesto que su narrativa es muy original y transmite con gran acierto la inestabilidad y labilidad emocional de este tipo de pacientes.

PREMIOS
Premio Revelación del Festival de Cómic de Angoulême 2019. (Ganadora)

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Shino no es capaz de decir su propio nombre

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor: Shuzo Oshimi
Número de páginas: 216
Fecha de publicación: Abril 2018
Editorial: Milky Way ediciones
ISBN:  978-84-17373-21-4

TEMA
Shino Ôshima es “incapaz de decir su propio nombre”. Así nos presenta el autor a esta adolescente que tendrá que afrontar la etapa del instituto con las dificultades que supone la tartamudez, así como la ansiedad, el miedo y la fobia social derivados de ella.

PUNTOS FUERTES
Su autor, Shuzo Oshimi, nacido en 1981, es un mangaka que debutó en la revista Monthly Shōnen (de la editorial Kodansha) con Superfly, siendo su obra más conocida  Aku no Hana (titulada en España “las flores del mal” y publicada por Norma Editorial). Muchas de sus obras han sido adaptadas a series o películas; la obra que nos ocupa, será tambien adaptada próximamente en forma de película de acción real. Oshimi inició este manga en la revista digital Poco Poco de Ohta Publishing en Diciembre de 2011, compilando posteriormente la historia en un tomo único.

Como él mismo comenta en el epílogo, se trata de un manga basado en su propia experiencia, pues el propio autor padeció tartamudez. El ser autobiográfico, le añade credibilidad y le aporta un componente emocional importante . Incluso es curioso ver como el nombre de la protagonista, Shino Ôshima, podría recordar fonéticamente al del propio autor, Shuzo Oshimi. El autor indica que ha evitado utilizar las palabras “tartamudez” o “gago” en las páginas del manga porque no quería que fuera “un simple manga de tartamudos”.

Su estilo de dibujo no destaca frente a otros autores de manga, pero sí cumple su objetivo a la perfección, especialmente a la hora de transmitir las emociones de los personajes, logrando que empaticemos con la protagonista y otros personajes de la historia. La sensación de angustia de la protagonista se hace muy potente en el lector.

Es importante destacar la labor de Marc Bernabé, el traductor al español de esta obra, muy conocido entre los aficionados al manga, sinónimo de calidad en cuanto a traducción y adaptación se refiere.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
A través de sus páginas, el autor nos presenta las dificultades de alguien que sufre un trastorno de la comunicación, en concreto en la etapa del instituto. Además, de esta forma, se tratarán temas como el miedo, la ansiedad, la fobia social, el aislamiento, la evitación, el bullying (aunque este último muy tímidamente).Pero también elementos positivos como la amistad y la superación.

Este cómic resulta interesante para empatizar con pacientes que sufren tartamudez y entender su profunda angustia que puede provocar y cómo puede marcar su vida.

Oshimi, quien padeció dicho trastorno, logra transmitir muy bien al lector las emociones y sentimientos de la protagonista, su dificultad a la hora de comunicarse y las reacciones de los demás ante esto.

La imagen del terapeuta aparece únicamente a través de un anuncio en papel.

PREMIOS Y MENCIONES
2001, Premio Tetsuya Chiba. (Ganadora)

ENLACES DE INTERÉS
Milky Way Ediciones
Tienda de Amazon

 

Supersorda

FICHA TÉCNICA
Nombre del autor:Cece Bell
Número de páginas: 248
Editorial: Maeva Ediciones
Fecha publicación: 2017
ISBN: 9788417108168

TEMA
¿Somos capaces de entender cómo vive una persona que pierde de forma inesperada uno de sus sentidos? Supersorda es la historia autobiográfica de una niña que se queda sorda como secuela de una meningitis.

PUNTOS FUERTES
A medida que avanzamos en el relato, nos damos cuenta enseguida que la trama es escrita en primera persona, desde el punto de vista de la niña, por lo que nos atrapa como si fuésemos protagonistas de su propia realidad.

La novela empieza con la sintomatología e ingreso de Cece por una enfermedad que al principio desconocen. Pronto, después de unas pruebas llegan a la conclusión que se trata de una meningitis.

La secuela más importante que sufre es la pérdida de audición, y lo explica de una forma exquisita, a través de los bocadillos que van desapareciendo y quedándose semitransparente o en blanco a medida va desapareciendo el sentido del oido. Posteriormente, también se distorsiona el texto cuando no puede oir bien con su audífono. La autora nos deleita con muchos más recursos metafóricos que contextualizan el objetivo del libro (los personajes son conejos, ya que tienen orejas grandes y una buena audición; pensamientos de superheroina al escuchar las voces de las maestras aún cuando los demás no podían debido al audífono,…).

La narración del cómic engloba desde la niñez a la preadolescencia, con el diagnóstico de la enfermedad y la secuela de pérdida de audición, siempre acompañado de las revisiones por el otorrino y las fases adaptativas a su sordera, como también a la autoimagen con su audífono Phonic Ear.

La descripción desde la mirada infantil hace que la expresión de sentimientos y emociones sea muy valiosa. Permite entender cómo Cece vive su situación en el ámbito familiar, en las relaciones con las amigas, en el barrio o en el colegio. En definitiva, la autora se recrea en las vivencias, en primera persona del afrontamiento vital a la nueva situación en relación a los diferentes ambientes. Lo plasma con suavidad, amorosamente y con ingenio, aunque queda clara la dureza y complejidad de la vida de Cece Bell en su día a día. Aún así, no nos deja en la desesperación ni en la sensación depresiva o pesimista, más bien valiéndose del humor y de momentos imaginativos retrata la discapacidad, y transformándola en superación.

El estilo es sencillo pero eficaz, más bien clásico en la concepción de “dibujo-viñeta”, encuadradas y manteniendo la estructura tradicional de lectura. Su punto fuerte es la utilización metafórica del lenguaje visual, utiliza los “bocadillos” para establecer una lectura real de cómo puede llegar a oir (o no) Cece Bell. Mantiene una paleta de colores en todo el cómic agradable, nada festivos ni estridentes. Cuida las sombras pero de forma tenue. En cada viñeta le presta atención al fondo, con paisajes escolares, del barrio, de la casa, de la consulta,… y de los detalles personales, vestido, cuerpo, audífono etc. En definitiva, aparenta un dibujo sencillo pero al mismo tiempo está cargado de simbología y detalles que otorgan mucha calidad a cada página del cómic.

La narración es ágil, fácil de entender, siempre desde el punto de vista de la protagonista, por lo que facilita la empatía al lector.

POR QUÉ ES MEDICINA GRÁFICA
Esta novela gráfica es muy útil para niños que sufren alguna patología discapacitante y para sus familias, sobretodo en la pérdida de audición. Aunque también puede servir en alguna otra enfermedad que tenga como proceso esencial la aceptación de la misma y la adaptación a la tecnología para su tratamiento.

Lo más significativo a nivel de “medicina gráfica” que este cómic puede aportar a los profesionales de la salud, es cómo se encauza el guión para que podamos entender cómo se siente un niña en esta situación. Es una novela que permite empatizar a la perfección desde la mirada del paciente. Cómo son los sentimientos que le atrapan hacia la adaptación personal y social de su discapacidad auditiva. La relación o dificultad para relacionarse con amigas, con la familia, con la gente del barrio. El sobreesfuerzo para los estudios y el aprendizaje. El proceso de aceptación de su nueva imagen y a los nuevos medios tecnológicos para convivir en armonía.

Es un buen ejemplo de normalización en una discapacidad, en este caso auditiva. Además podemos ver de refilón la figura de los cuidadores (los padres) como acompañantes y facilitadores del proceso, manteniendo conductas de tolerancia, flexibilidad, calma, moderación, templanza hacia ellos mismos y la niña.

PREMIOS
Premio Newberry. (Ganadora)
Premio ALA/YALSA (Asociación americana de bibliotecarios) a la mejor novela gráfica. (Ganadora)
Premio Eisner al mejor escritor e ilustrador. M.L.P. (Ganadora)

ENLACES DE INTERÉS
Maeva Ediciones
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